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Lo mejor de 2011: cosas que no te debiste perder

Redacción EER — Tue, 03 Jan 2012 08:00:01 +0000

Clausuramos la serie de reportajes “Lo Mejor de 2011″ con una selección de eventos musicales a los que debiste asistir en los pasados doce meses. Así mismo (y puesto que El Enano Rabioso es algo más que música), te recomendamos unas cuantas pelis y series que hemos catalogado como “imprescindibles” del año. ¡Ah! Y entre música y cine también hemos hecho un hueco para videoclips.

En definitiva, estas son las cosas que no te debiste perder durante 2011:

CINCO CONCIERTOS INTERNACIONALES

1. Arcade Fire

Arcade Fire. Rafael Tovar / El Enano Rabioso

Los canadienses no solo no se conformaron con firmar un discazo en 2010 como “The Suburbs”, sino que durante 2011 se han venido empeñando en engrandecer ese y toda su demás discografía a base de unos directos intachables. Uno de los testigos de ello fue el Festival de Benicàssim, donde más de cuarenta y cinco mil personas se agruparon frente al escenario Maravillas para presenciar atónitos el inmejorable show de los de Montreal.

2. Pulp

Barcelona y el festival Primavera Sound tuvieron el privilegio de acoger el primer concierto de la reunión de Jarvis Cocker y compañía. Una noche inolvidable en la que no faltaron todos sus himnos: “Disco 2000″, “Common People”, “Do You Remember The First Time” o “This Is Hardcore”. ¿Habrá sido una oportunidad única?

3. Mogwai

Ver a los escoceses sonreir y divertirse tocando sin que por ello pierdan un ápice de profesionalidad da un gusto indescriptible. Aunque Mogwai han girado por más ciudades durante 2011, fue de nuevo Barcelona (y de nuevo Primavera Sound) la que albergó uno de los conciertos del año.

4. Portishead

La voz de Beth Gibbons sigue emocionando al personal tres años después del esperado regreso a la escena con “Third”. Las canciones de ese último disco se alternaron con las del homónimo “Portishead” y, cómo no, el imprescindible “Dummy” durante la última jornada del FIB.

5. Sufjan Stevens

El genio de Detroit no solo huye musicalmente de las convenciones, sino que también lo hace sobre el escenario. El norteamericano ofreció un espectáculo completo y complejo, radiante de color y de mucho lujo. Todo un regalo para los asistentes al auditori del Parc del Fórum (dentro de la última edición de Primavera Sound), un recinto que quedó maravillado ante el show del prolífico Sufjan Stevens.

También merecieron la pena: Foo Fighters, Explosions In The Sky, Deerhunter, Benga y Buraka Som Sistema.

CINCO CONCIERTOS NACIONALES

1. Lori Meyers

Lori Meyers @ Electromar. Aurora Cara / El Enano Rabioso

En esta nueva era indie en la que los superventas se mezclan con los alternativos, destacan unos incombustibles Lori Meyers capaz de convencer a unos y a otros a base unos directos de altura. Desde el murciano SOS -donde le ganaron la batalla a sus competidores Vetusta Morla- hasta el FIB -en el que hasta los guiris quedaron boquiabiertos- pasando por el también murciano Electromar, un evento electrónico al 90% en el que los de Loja tuvieron el detalle de marcarse una rave al final del bolo. Muy buenos.

2. Triangulo De Amor Bizarro

Al igual que Lori Meyers, los coruñeses Triángulo de Amor Bizarro también han demostrado estar a la altura en todos los eventos en los que han actuado, ya sean festivales pequeños (Mirador Pop), grandes (SOS) o enormes (Primavera Sound). Potentes y ensordecedores, como el repertorio de los dos discos que tienen en su haber.

3. Pony Bravo

Si la mutitud de referencias musicales de Pony Bravo han acabado por canalizarse en un disco tan personal como “Un Gramo De Fe”, la balanza con su antecesor “Si Bajo De Espaldas No Me Da Miedo” se equilibra en directo mediante un cuidado set-list que además interpretan de forma convincente. El Día De La Música Heineken fue testigo del buenhacer de los sevillanos, que además invitaron a Za! a tocar con ellos la aún no editada “Ouija Fest”. En el Winter Festival granadino el clamor popular los llevó a tocar un par de temas más, entre los que se incluyó el también inédito “Mi DNI”.

4. Tannhäuser

No solo de Pony Bravo vive el indie sevillano y 2011 también ha sido el año de Tannhäuser. Tras ganar el certamen Ciclo de Pop-Rock de la Junta de Andalucía, la banda sureña ha pisado los dos grandes eventos de este país: Primavera Sound y Festival de Benicàssim, ofreciendo en ambos un buen recital de rock sin palabras.

5. Limousine

Dos mil once ha concluido con la triste noticia del veto para organizar conciertos a la sala Malandar. El ayuntamiento de Sevilla ha lapidado un imprescindible punto de encuentro para la música en vivo en esta ciudad; no en vano, la Malandar fue elegida mejor sala de conciertos por la UFI. Nadie de los asistentes al show de Limousine podría imaginar que estaban ante uno de los últimos grandes conciertos de esta sala. Los cordobeses presentaban su ábum “The ultimate final of the mystic heavyweights”.

También merecieron la pena: Standstill presents “Rooom”, (lo:muêso), C156, El Columpio Asesino y Nacho Vegas.

DIEZ FESTIVALES (7 ESPAÑOLES Y 3 EUROPEOS)

1. Primavera Sound (Barcelona)

La edición 2011 del festival barcelonés fue acertadamente definida por El Enano Rabioso como “el año del boom”. La inclusión de un segundo escenario principal elevó la cuota de cabezas de cartel que, unidos al resto de bandas, conformaron un evento en el que se dieron cita alrededor de 170 artistas. PJ Harvey, Pulp, Echo & The Bunnymen, Mercury Rev, John Cale, Suicide, Animal Collective, The Flaming Lips, Fleet Foxes, Belle & Sebastian, Grinderman, Sufjan Stevens, DJ Shadow, Interpol, Low, Mogwai,… ¿Algún festival da más?

2. Festival Internacional de Benicàssim

Tras el año de transición que supuso la edición de 2010 (cambio de dirección y retirada del principal patrocinador), el FIB ha vuelto en 2011 para ser el que era, confeccionando un apetitoso line-up que ha dejado conciertos para el recuerdo: Arcade Fire, Portishead, The Strokes, Primal Scream, Mumford & Sons y Arctic Monkeys ocuparon las letras grandes del cartel.

3. Santa Teresa South Pop Isla Cristina (Huelva)

Lo que se inició como la versión playera del South Pop sevillano ha acabado por adelantar a su hermano mayor. Un buen ejemplo de que: A, no todos los festivales internacionales han de ser grandes y caras citas multitudinarias; y B, no todos los pequeños festivales han de tirar de bandas pseudo-indies para lograr rentabilidad. Saint Etienne, Mica P. Hinson, Dominique A, Pony Bravo, Catpeople, Odio París y LCMDF estuvieron, entre otros.

4. Monkey Week (El Puerto De Santa María, Cádiz)

El evento sureño no es un festival al uso. De hecho, se define como un encuentro de profesionales de la música independiente. Sellos discográficos, productores, conferencias, stands, showcases, conciertos en pequeño formato,… y un final de fiesta en el que los grupos más conocidos (Neneh Cherry, Herman Düne, Hawkwind, Oneida) son lo de menos. Lo importante son esas bandas emergentes que en menos de un año estarán actuando en festivales más grandes.

5. PSM Festival (Barcelona)

Festival celebrado en la sala Apolo como recuerdo a Pedro San Martín, el bajista de La Buena Vida fallecido en accidente de coche. Puede que el mapa de España esté plagado de eventos similares, no por lo del homenaje, sino por el formato: solo un día y solo grupos nacionales. Pero viendo el actual panorama pseudo-alternativo en el que estos eventos siempre son encabezados por los mismos grupos, PSM Festival se ha convertido en una oportunidad única de ver juntos a los dinosaurios del indie patrio: Los Planetas, Nacho Vegas, Sr. Chinarro, Clovis (Fino de Los Enemigos) y los propios La Buena Vida.

6. Día de la Música Heineken (Madrid)

El día de la música en Madrid no se ha limitado a la jornada del 21 de junio, sino que se ha celebrado a lo grande durante el finde más cercano. De esta forma, el Matadero madrileño acogió dos jornadas encabezadas por los “hypes” The Pains Of Being Pure At Heart, Vetusta Morla y Russian Red. El resto del cartel lo conformaron apetecibles bandas de aquí y de allí como Glassvegas, Janelle Monae, Anna Calvi, Lykke Li, Destroyer, Crystal Fighters, Yuck, Pony Bravo, Lüger y Ellos .

7. SOS 4.8 Festival (Murcia)

Edición tras edición, el evento murciano se está conviertiendo en la alternativa low-cost más competente ante los gigantes FIB y Primavera Sound. Los reclamos de este año han sido Suede, Patti Smith, The Kooks, MGMT, !!!, Yann Tiersen y Two Doors Cinema Club, entre otros.

8. Rock En Seine (París, Francia)

Rock En Seine 2011. Foto de Nicolas Brunet

En cuanto uno cruza los Pirineos se da cuenta de que el “Spain Is Different” es una verdad como un templo. ¿Qué festival veraniego nacional sufre todos los años la amenaza de la lluvia o clausura sus puertas a las doce de la noche? No obstante, con un cartel como el de este 2011 (Foo Fighters, Arctic Monkeys, Interpol, The Kills, Deftones, My Chemical Romance, Cocorosie ) uno se plantea viajar más a menudo a la ciudad del amor.

9. Superbock Superrock (Sesimbra, Portugal)

Portugal compite año tras año con los festivales de España ofreciendo alternativas más que aceptables y a precios muy asequibles. Viendo carteles como el del Superrock de Sesimbra (un Benicàssim luso con Arcade Fire, Portishead, Arctic Monkeys, Beirut y James Murphy) sorprende que los españoles solo viajemos al país vecino para comprar toallas.

10. Bloc Weekend (Minehead, Inglaterra)

La localidad británica de Minehead ofrece un lugar paradisíaco junto al mar para que los pesos pesados de la electrónica desplieguen su artillería sonora. Aphex Twin, Magnetic Man, Laurent Garnier, LFO, Moderat, Vitalic, Four Tet o Mathew Dear callan la boca al Creamfields (británico) y alertan al Sónar de que no son el mejor festival europeo de música digital.

CINCO VIDEOCLIPS

1. M83 “Midnight City” (realizado por Fleur & Manu)

2. Apparat “Song Of Los” (realizado por Saman Keshavarz)

3. Beastie Boys “Don’t Play A Game That I Can Win” (realizado por Spike Jonze)

4. S-Curro “Appetite For Distortion” (realizado por Negativo)

5. Schlachthofbronx feat. Gnucci Banana “Coolie Fruit” (realizado por Simeon Frohm y Ana Rab, del Fajta Collective)

CINCO PELÍCULAS

1. El Árbol de la Vida de Terrence Malik

Jack (Hunter McCracken) es un niño que vive con sus hermanos y sus padres en la norteamérica de los años cincuenta. Mientras que su madre (Jessica Chastain) encarna el amor y la ternura en el seno familiar, su padre (Brad Pitt) representa la severidad, pues se cree obligado a enseñarle a enfrentarse a un mundo hostil. Así, este viaje que comienza con la pérdida de la inocencia llegará hasta nuestros días, con Jack ya adulto (Sean Penn) recordando ciertos momentos trascendentes de su infancia, y la influencia de éstos en lo que él es ahora, y en lo que representa en su vida espiritual el recuerdo de su familia.

2. Mientras Duermes de Jaume Balagueró

3. Gantz de Shinsuke Sato

4. Melancolía de Lars Von Trier

5. Un Método Peligroso de David Cronenberg

CINCO SERIES

1. Dexter (5º temporada)

Impactante, terrorífico, sorprendente y sobretodo cruel. Muchos son los adjetivos que se pueden utilizar para definir el final de la cuarta temporada, cuando Trinity asestó un último golpe a nuestro protagonista asesinando a su querida Rita. El único elemento externo a la mente del asesino que era capaz de extraer algo de humanidad de su oscuro pasajero.

Ahora Dex ha tenido que enfrentarse a una triple paternidad en solitario y a las sospechas de todo su entorno mientras lo que de verdad le consume es no haber parado a Trinity a tiempo para evitar la muerte de su esposa. Esta no es una temporada de grandes villanos o tramas épicas. En esta ocasión la voz en off del forense está más presente que nunca en una historia que se desarrolla principalmente dentro de su cabeza. Un lugar en el que ya nos encontramos extrañamente cómodos.

2. Breaking Bad (4ª temporada)

3. Misfits (3ª temporada)

4. Cómo Conocí A Vuestra Madre (6ª temporada)

5. Los Simpsons (20ª temporada)

Lo mejor de 2011: nacional

Redacción EER — Tue, 27 Dec 2011 09:26:52 +0000

Segunda entrega de las tres que conforman el resumen de lo mejor de 2011. Una amplia síntesis en forma de listas que, en esta ocasión, se centran en la piel de toro. Ahí van los mejores discos y canciones que se han hecho en nuestro bendito país:

LOS 20 MEJORES ÁLBUMES

1. Nudozurdo “Tara Motor Hembra“

Lo dijimos hace unos meses: había que tomar buena nota de este trabajo producido desde la factoría de Everlasting Records. Si sus dos anteriores discos nos dejaron un sabor muy agradable en la boca, éste ha sido una explosión de sabores, y sonidos, que siguiendo la misma línea de los antecedentes, ha venido a consolidarse como el sonido Nudozurdo. Reminiscencias noise y post-punk de principios de los 80′s, donde la atmósfera en la que nos envuelve la música se ve fortalecida con las letras de Leopoldo Mateos, capaz de rasgar las entrañas, no es directo, no es urgente, pero se clava, porque sabes de lo que habla. Tras un comienzo de gira que nos hacía prometer lo mejor sobre el escenario, todo quedó diluido cuando terminaron la actuación en el FIB 2011 y anunciaron la cancelación de la gira por motivos de salud. Y nunca más se supo. ¿Un grupo maldito? No sabemos si volveremos a verlo, pero lo que sí nos parece es que, con diferencia, han conseguido el trabajo más potente y sólido del año. No es trabajo de niños. Ahora os toca a vosotros. Para nosotros no hay dudas. “Hay algo sucio dentro de ti / Hay algo oscuro que quiero para mi”.

2. Guadalupe plata “Guadalupe plata”

Con tan solo un EP de seis canciones, Guadalupe Plata agitaron el ambiente alternativo durante 2010. Por ello estaba claro que Pedro, Carlos y Paco Luis iniciaban 2011 llenos de grandes expectativas, ya que a primeros de febrero nacía su primer larga duración. Un álbum de rock primigenio y visceral que hace referencia directa al sonido Austin, pues las influencias de HounDog Taylor, Skip James o Screamin Jay Howkins son evidentes. Un sonido indiscutiblemente “yanqui”que se fusiona con los “quejíos” de Pedro mediante unas letras en castellano reducidas al mínimo. Y es que, escuchar a Guadalupe Plata es imaginarse en una película de John Wayne, pero rodeado de olivos. Puro rock blues hecho en Úbeda.

3. Sr. Chinarro “Presidente”

Antonio Luque ha llevado un proceso de depuración de su música desde “El Fuego Amigo”. Ha pulido aristas y como él ha dicho, en más de una entrevista, ha decidido dejar lo raro o feísta fuera de su repertorio y ha sido sustituido por lo popular. Algunos de sus seguidores pensarán que su primera etapa es más interesante por experimental o arriesgada, pero lo interesante es el repertorio de canciones de este disco que son todas notables (“Una Llamada a la Acción”, Babieca”, “Un Final Feliz”, “La Lección”, etcétera). Lo arriesgado es tener la carrera que tiene Antonio Luque y seguir sacando discos tan notables como si nada. Eso no está al alcance de cualquiera.

4. El Columpio Asesino “Diamantes”

El cuarto trabajo de los hermanos Arizaleta supone una continuación del anterior “La Gallina” (2008), un disco que entonces fragmentó a la crítica por la ralentización del tempo de las canciones y la dulcificación de las melodías. Así las cosas, aquellos que dejaron de creer en El Columpio Asesino no quisieron prestar mucha atención a “Diamantes” hasta que fueron arrollados por el hit “Toro”. La voz de Álbaro se alterna con la de Cristina para cantar historias de amor, sexo, drogas, muerte y sueños. Inmerso más que nunca en la electrónica, “Diamantes” es una celebración bailable de lo que hay al otro lado.

5. Bigott “The Orinal Soundtrack“

La gran productividad de Borja Laudo puede despistarnos de algo que ya es más que evidente: estamos ante uno de los compositores pop más inspirados e importantes de este momento en nuestro país. El disco no presenta grandes novedades respecto a los anteriores quizá una mayor concreción pop y algún breve toque bailable (en el primer single “Cannibal Dinner”). Tampoco presenta grandes novedades respecto al nivel de los anteriores discos, no baja del notable alto en una discografía impecable. Pocos son capaces de decir lo mismo.

6. Lisabö “Animalia Lotsatuen Putzua”

“El pozo de los animales avergonzados”, que es como se llama en castellano el cuarto álbum de Lisabö, es un trabajo que se sitúa en los límites de la intensidad: 6 temas en 45 minutos cuya violencia física y existencial y su rabia encendida adquieren unas connotaciones catárticas que superan a las ya conseguidas en sus obras anteriores. El sexteto de Irún se ha tomado cuatro años para confeccionar un álbum que ellos mismos definen como el más urgente y el menos cerebral. Un disco con una mayor crudeza que sus predecesores, con percusiones más secas y brutales, guitarras como alaridos y líneas de bajo virulentas. Por todo ello, estamos ante un álbum deslumbrante, liberador y absolutamente necesario en los tiempos que corren.

7. Lüger “Concrete Light”

Los madrileños Lüger dan continuación a su muy buen debut con un segundo disco que sigue mostrando el mismo nivel de calidad. Siguen apostando por los desarrollos instrumentales deudores tanto del krautrock, el post-rock, como de la psicodelia; marcándose un potaje de siete canciones en las que igual recurren a la buena experimentación (“Shoirokousvy Pallasite I” y “Shoirokousvy Pallasite II”) como al baile (“Hot Stuff”). Una muestra de la diversidad y el gran nivel patrio que tenemos en este momento.

8. Novedades Carminha “Jódete y Baila”

Santiago de Compostela, ciudad del Apóstol y patria de Jarry, Carlangas y Xavi, tres buenos chavales decididos a redimir el indie nacional a base de ironía y mala leche. “Jódete y baila”, el segundo largo de los gallegos, es tan directo como su título. Una sucesión de riffs incendiarios y estribillos mordaces que coquetean con los ritmos bailables, llegan a rozan el lo-fi manteniéndose fieles al carácter sucio y acelerado de un punk-rock sin tapujos ‘tocado a toda hostia’. Amates de los vinilos y los casetes de gasolinera por igual, declaran ser el grupo favorito de Marichalar. Prometen.

9. Nacho Vegas “La Zona Sucia”

Su colega Enrique Bunbury decía que, aunque sea una putada, hay que estar jodido para hacer buenas canciones. Y pese al título del último trabajo de Nacho Vegas, nos encontramos ante una colección de canciones muchísimo menos crudas y depresivas que las de los anteriores discos. Por tanto, el asturiano desmiente al zaragozano con estos diez cortes que, aunque vuelven a hablar de desengaños, rupturas y añoranzas, desprenden una sana melancolía no insólita en Nacho pero sí agradecida. No hace falta decir que “La Zona Sucia” fortalece aún más la posición de Vegas entre los mejores letristas del país.

10. Disco Las Palmeras! “Nihil Obstat”

Está de sobra recordar que el indie nacional ha asimilado con soltura y madurez la explosión noise y shoegaze de principios de los noventa, pues uno se da cuenta de ello con tan solo echar un vistazo a los grupos destacados de la escena actual. En 2011, y junto con Odio París, una de las revelaciones de este subgénero ha sido Disco Las Palmeras! Nada que ver con “disco” ni con “palmeras”, sino más bien con sus paisanos Triángulo De Amor Bizarro: ritmos contundentes, sonidos espaciales, guitarras saturadas y unas letras provocadoras y cargadas de inconformismo (“La casa cuartel”, “La soga umbilical”, “A los indecisos”, “Me la jugásteis en China”, …). Algo debe estar ocurriendo en Galicia para que allí se esté manufacturando el mejor afterpunk del país.

11. Manel “10 Milles Per Veure Una Bona Armadura”

Manel han sido el “pelotazo” comercial de este año dentro del supuesto indie, y parece que ha sorprendido a propios y extraños. En parte por cantar en catalán, que ya ves tú que tontería. No, no debería sorprender su éxito porque como el Barça -equipo que entrena Guardiola que es fan del grupo- renuevan su propuesta para seguir encandilando con su música de melodías cuidadas y arreglos orquestales, que enganchan sin recurrir a lo fácil. Al igual que con sus letras de interesantes y nada tópicas historias. Por méritos propios se cuelan en “puestos de Champions” al final de este año.

12. Tannhäuser “Movimiento Estacional”

Sería injusto definir “Movimiento Estacional” como una continuación de “Para Entonces Habrás Muerto” (Foehn Records, 2009), pues los sevillanos se descubren en este EP jugando con las evoluciones posibles de su sonido. Y es que, Tannhäuser se han salido del ciclo, han abandonado lo esperable y han firmado cuatro temas complejos y asombrosos, los cuales son imposibles de etiquetar bajo el rótulo de post-rock, kraut o ambient. El movimiento es inesperado, polifacético y propio: desde temas más movidos y jazzeros (“Eslovaquia”, “Error y culpa”), hasta los más introspectivos y delicados, como “Ceremonia” o la sobresaliente “Ártica”. En “Movimiento Estacional” no caben etiquetas, hay que escucharlo como el poeta mira al cielo: en silencio perfecto, agradecido ante su rara belleza.

13. The New Raemon “Libre Asociación”

El tercer disco de Ramón Rodríguez es quizá el más oscuro tanto musicalmente hablando como en sus letras que pierden algo de sentido del humor y ganan más seriedad. Las canciones son más robustas y con los arreglos muy bien escogidos, mientras las letras siguen tratando temas como las relaciones personales, la inseguridad, o ciertos miedos existenciales en estos tiempos actuales. Todo plasmado en grandes canciones como “El Refugio de Superman”, “Lo Bello y lo Bestia”, “Soñar la Muerte”, “La Vida Regalada”, o “Aspirantes”.

14. Las Buenas noches “Un Mal Día (Lo Tiene Cualquiera)”

Ser el hermano del cantante de Pony Bravo no ha supuesto ninguna ventaja para Rubén Alonso y su banda. El lazo familiar es indiscutible, pero las comparaciones, más que odiosas, comienzan a sobrar. El segundo disco de Las Buenas Noches tiene de nuevo a Calexico en el punto de mira, pero los mitad sevillanos-mitad madrileños no se acomodan en lo fronterizo y emprenden un viaje sonoro hacia más al sur recogiendo ritmos andinos e historias populares. Una mixtura de folclore, mística y psicodelia por parte de una banda que reclama un hueco merecido en el panorama indie.

15. Gérmenes “Nos Levantamos”

Muchos años llevaba el rock patrio sin levantar cabeza, o quizás es que nosotros no quisimos escucharlo, pero lo cierto es que el nuevo disco de los sevillanos Gérmenes no podía tener mejor nombre. El punk se empieza a meter poco a poco en la escena independiente, y si recuperamos la esencia de lo que era el “indie” se podría decir que a independientes no les gana nadie. Su nuevo trabajo se regala en sus conciertos, se puede bajar desde su web y como reza en su contraportada se puede copiar cuantas veces quiera. Vuelve la canción protesta, vuelve el punk, y damos la patada a canciones mojigatas. Alusión a la llamada Spanish Revolution, pero también a lo personal, al miedo y al desconcierto, para mandadlos “a shuparla“.

16. Antònia Font “Lamparetes”

Los mallorquines han vuelto después de cinco años desde su anterior disco de estudio, el celebrado “Batiscafo Katiuscas”. Joan Miquel Oliver sigue demostrando que es un compositor pop de gran talento y que tiene una gran habilidad con la melodía, además de contar con un sentido del humor sutil con un punto surrealista en las letras. Todo ello se traduce aquí en temas como “Me Sobren Paraules”, “Coses Modernes”, “Clint Eastwood”, o “Islas Baleares”. Un disco que vuelve a mostrar que Antònia Font es uno de los grupos más personales e interesantes de nuestro país.

17. Ornamento y Delito “Adorno”

Ornamento y Delito continúa su camino al margen de las tendencias, centrándose en construir grandes canciones armadas con guitarras sólidas y la voz cada vez más personal e instransferible de Gari (¡qué se callen los que lo comparan con Nacho Vegas!). Los vizcaínos descargan un sonido directo, potente e intenso que en su desarrollo no pierde ni un ápice de preciosismo. Ritmos postpunk barnizados de luz que nos transportan a una postmodernidad conflictiva, gracias también al poder de unas letras con tintes sórdidos y nihilistas. Un disco bastante largo (65 minutos), pero en el que no sobra absolutamente nada.
18. Los Pilotos “Los Pilotos”

Los Planetas se dan un descanso y casi no hay componente suyo que no se dedique a otros menesteres musicales. Mientras J le pega al folk con el Grupo De Expertos Solynieve, Floren y Banin dan rienda suelta a sus inquietudes electrónicas con Los Pilotos. Y el resultado no podía se más asombroso: nueve cortes de finas texturas y complejas capas que nos transportan a paisajes sonoros más propios del pop digital francés, del ambient nórdico o del kraut-rock alemán. Pero no, son de Granada y solían hacer ruido con guitarras.

19. John Talabot “Families”

John Talabot es el alias (tomado de su antiguo colegio) de un chaval barcelonés que hace ya dos años, con su tema “Sunshine”, hizo llamar la atención de medios foráneos como Pitchfork. Su propuesta es la de un house que igual va del toque tribal al glo-fi, y que se hace más disfrutable en los días estivales. La colaboración con Delorean anterior a este disco se deja notar ya que, por momentos, puede recordar a la perfección pop que desplegaron los vascos en su celebrado último disco. Habrá que estar atentos a los próximos movimientos de este enigmático creador.

20. Manos de Topo “Escapar Con El Anticiclón”

La misoginia ha vuelto. Miguel Ángel Blanca nos trae una tercera entrega de fracasos sentimentales pasada por su personal imaginario lírico. Con la producción deRamón Rodríguez (The New Raemon) han dicho adiós al casio, dando la bienvenida a las guitarras eléctricas, losteclados y los coros que salpican el minutaje. Algo más ha cambiado en aquelchico de carácter despechado y rabia infantil, descubriendo que no sólo hay blancosy negros, también existen los grises en el universo del pagafantas sentimental.

LAS 20 MEJORES CANCIONES

1. El Columpio Asesino “Toro”

Los pamplonicas casi se cuelan hasta en las emisoras mainstream con este apabullante hit. Un in-crescendo de bases bailables y guitarras potentes con una melodía vocal que te va atrapando hasta soltarte a lo bruto a grito de “te voy a hacer bailar toda la noche”. Sin duda, la canción nacional del año.

El Columpio Asesino – Toro by coketti

2. Nudozurdo “Dosis Modernas”

Un disco redondo como “Tara Motor Hembra” ha colado casi inevitablemente más de una canción entre las mejores de 2011. Esta está entre lo más alto, pese a que podría definirse como un anti-single: una larga introducción ambiental se embrida con la voz de Leopoldo Mateos y sus versos anticipan la orgásmica melodía de guitarra. Un placer prolongado durante más de siete minutos en lo que viene a ser -con perdón- un puto temazo.

3. Lisabö “Oroimenik Gabeko Filma”

El pintxo que los vascos Lisabö nos sirvieron como adelanto a su último menú (esa brutalidad titulada “Animalia Lotsatuen Putzua”) plasma a la perfección la idiosincrasia sonora del grupo. Seis minutos imparables y vertiginosos de baterías agresivas y guitarras saturadas hasta decir basta. Un huracán de ruido que nos arrollará en directo durante 2012.

Escucha “Oroimenik Gabeko Filma” siguiendo este enlace.

4. Pumuky “Gara”

“Plus Ultra” es una obra que se queda a medio camino entre una colección de canciones y un álbum de los que se escuchan como un todo, de principio a fin. Es un disco de altibajos, de subidas y de bajadas, pero que toca el cielo en canciones impecables como “Gara”. Una poesía de Jaír Ramírez cuya emoción está perfectamente musicada por los demás miembros de esta banda tinerfeña.

5. Guadalupe Plata “Lorena”

El trío de Úbeda representa el indie patrio en su más pura esencia. En 2009 pagaron de su bolsillo un mini álbum de seis canciones gracias al cual acabaron contratando bolos por toda España. “Lorena” era una de las habituales en su repertorio de neo-rock blues jienense y 2011 fue el año en que por fin pudimos disfrutarla en un disco. Es de justicia que esté entre las mejores.

6. Disco Las Palmeras! “La Casa Cuartel”

Con esta canción se inicia “Nihil Obstat”, el debut de los gallegos Disco Las Palmeras! El ritmo sencillo y la melodía oscura se mezclan con el ruido y los pedales creando un ambiente propio de post-punk. Sin embargo, lejos de continuar con una lírica hermética y/o melancólica, “La casa cuartel” se erige como una provocación puramente punk que sitúa al oyente en lo que está a punto de escuchar.

7. John Talabot feat. Glasser “Families”

El mundo electrónico nacional ha ido madurando notablemente en los últimos años gracias a producciones de calidad como las realizadas por Alex Under o Marc Marzenit. Sin embargo, ha sido John Talabot el que ha tendido su mano al pop logrando que el indie nacional (también maduro) empiece a ser considerado interesante fuera de nuestras fronteras. “Families” es el resultado de un mano a mano con el norteamericano Glasser y le abre las puertas a John para entrar en la exigente escena internacional.

JOHN TALABOT – Families (Ft Glasser) by Young Turks

8. Nudozurdo “Prueba / Error”

Primer single oficial de “Tara Motor Hembra”. Otra canción de desamor, rencor y veganza que bien podría haber escrito J. Precisamente, los madrileños cogen carrerilla por la pista “planetera”, pues demuestran habilidad manufacturando ese tipo de canciones con las que cualquier adolescente (y el que no lo es tanto) se puede sentir identificado. Más de uno se la apuntará como himno generacional; uno más dentro de este interminable disco.

Prueba/Error by Everlasting Records

9. Sr. Chinarro “Una Llamada A La Acción”

De un tema llamado “Una llamada a la acción” abriendo un disco titulado “Presidente” se puede esperar de todo menos sexo. Antonio Luque despista con esta “no canción protesta” que cuenta la historia de una relación efímera pero agradecida. Vamos, el típico polvo de una noche. ¿Dónde está el Chinarro de las canciones oscuras y la voz apagada? Hace años que se fue…

Sr Chinarro – Una Llamada a la Acci¢n by isaray

10. Lüger “Hot Stuff”

Un ritmo entrecortado y repetitivo nos hace creer que escuchamos el último llena-pistas del techno alemán. Y suena muy germano, sí, pero enseguida la batería y la guitarra se amarran a los sintetizadores, y ”Hot Stuff” toma una autopista melódica por el kraut-rock más refinado. Un viaje en espiral por el que es imposible no dejarse llevar.

11. Disco Las Palmeras! “A Los Indecisos”

12. Antònia Font “Me Sobren Paraules”

13. Nudozurdo “No Me Toquéis”

14. Manel “Boomerang”

15. Fasenuova “Vamos A Bailar A La Noche”

16. Nacho Vegas “Marquesita”

17. Manel “Benvolgut”

18. El Columpio Asesino “On The Floor”

19. Odio París “Uno De Noviembre”

20. Bigott “Cannibal Dinner”

Lo mejor de 2011: internacional

Redacción EER — Thu, 22 Dec 2011 10:35:59 +0000

Foto modificada por Mae Wells | www.flickr.com/photos/maewells/

¡Ay, las listas! Tan injustas, tan polémicas,… ¡Pero tan esperadas!

La redacción de El Enano Rabioso se ha visto inmersa en un proceso de votación sin precedentes en este humilde magacín. El resultado es una serie de listas que resumen lo mejor del año 2011. Tienes delante de tus narices el primero de los tres reportajes en los que hemos dividido los “rankings”. Este es el dedicado al ámbito internacional: veinte discos y veinte canciones de fuera que han sobresalido durante el año que nos deja. Pasen y vean:

LOS 20 MEJORES ÁLBUMES

1. PJ Harvey “Let England Shake”

Cuando se habla de madurez bien entendida hay que recurrir a discos como este. Polly Jean retorna a las guitarras pero de forma más atmosférica en un disco donde muestra o amplía su gran paleta estilística en doce canciones que van desde tenebrosas -y hermosas- nanas (“On a Battleship Hill”) hasta letanías de aire “shoegaze” (“Written in the Forehead”). Disco donde no sobra nada y que se sirve del horror del ayer (el tema de la I Guerra Mundial) para hablarnos de la crisis moral de hoy. Grande, muy grande.

2. Fleet Foxes “Helplessness Blues”

La banda de Seattle tenía difícil superar el impacto -tanto artístico como de público- de su primer disco, pero a la vista está que al menos lo han igualado. Más largo y algo más experimental que el primero. La banda sigue con sus armonías vocales inmaculadas, además de con sus ecos barrocos, del folk inglés, o de grandes nombres propios como Neil Young. Todo en un disco que, si bien no exactamente en sus formas si en su espíritu, puede recordar por momentos al “Astral Weeks” de Van Morrison. Y eso son palabras mayores.

3. Arctic Monkeys “Suck It And See”

No se puede estar toda la vida haciendo música de niñatos y para niñatos. Por eso es de celebrar que los británicos se hayan arrancado definitivamente la etiqueta de hype que llevaban colgada desde la publicación en 2006 de “Whatever people say I am that’s what I’m not”. Algunos echarán de menos la energía de aquellas canciones de acné juvenil; pero otros alabamos la madurez compositiva de un Alex Turner que se coloca en la lanzadera que apunta a estrellas compatriotas como Bowie y Morrisey.

4. Foo Fighters “Wasting Light”

Dave Grohl y los suyos vuelven con más fuerza que nunca. El descanso tomado por Dave Grohl para enfocar su fuerza hacia Them Crooked Vultures parace haber venido bien a la banda madre. Tras años entregando trabajos menores, solamente reseñables por sus singles, el fuerte de la banda, Foo Fighters se quitan de encima diez años y nos presentan un trabajo con fuerza, sin bajones, enganchando desde el comienzo con la tremenda “Bridge Burning” hasta el emotivo cierre con “Walk”. La formación recupera a Pat Smear dándole más protagonismo a las guitarras y cuenta con colaboraciones emotivas como Bob Mould (Hüsker Dü) y Krist Novoselic (Nirvana). Larga vida al rock, larga vida a Foo Fighters.

5. James Blake “James Blake”

Puede que 2011 haya sido el año del dubstep. O al menos el año en que dicha corriente ha resurgido desde el amplio y complejo mundo electrónico para llamar la atención de los ambientes pop. Buena culpa de ello la tiene James Blake, un genio tanto con el bolígrafo como con las computadoras capaz de escribir canciones llenas de alma (que es al fin y al cabo lo que significa soul) y producir las más exquisitas bases digitales. El resultado son once canciones que conforman un brillante disco homónimo y una buena muestra de cómo ser cantautor sin tener que tocar la guitarra o el piano.

6. The Black Keys “El Camino”

“Lonely Boy”, un hit imborrable y adictivo es el pildorazo con el que se abre “El Camino”, el séptimo viaje del dúo más famoso de Ohio. Casi acababa este año cuando nos llegaba este regalo que aún nos está haciendo bailar. El rock más afilado, el blues más apasionado… Dan Auerbach y Patrick Carney son los jefes y ejercen un reinado sin discusión, sin que nadie les tosa. Y es que tras el boom de “Brothers” pocos pensaban que The Black Keys pudieran aguantar el tirón creativo, craso error. “Dead and gone”, “Little Black Submarines” o “Run right back” demuestran que la salud de Auerback y Carney está mejor que nunca.

7. Beirut “The Rip Tide”

Zach Condon parece que entrega su disco menos sorprendente pero no es así. En este tercer disco todavía se pueden apreciar -aunque más tamizadas- las influencias anteriores como eran la música balcánica y la francesa. Pero además hay que sumar la sútil influencia de, por fin, el folk norteamericano, e incluso suma a su paleta de sonidos algún sintetizador (“Santa Fe”). Siguen las grandes canciones -“East Harlem”, “Vagabond”, “Goshen”, o la nombrada “Santa Fe”- haciendo que este disco suene más genuinamente a Beirut y no a la suma de sus influencias.

8. Radiohead “The king of limbs”

Los de Oxford son, junto con Björk y Wilco, de los poquísimos privilegiados de este planeta que se permiten experimentar con la música como les entra en gana sin que por ello dejen de llenar estadios. Después de que su estilo alcanzara la cualidad de “único” entre “Kid A” y “Amnesiac”, Thom Yorke y compañía parecían haberse acomodado en su propia órbita musical. Pero con “The King Of Limbs” Radiohead vuelven a dar un giro en busca de nuevos paisajes sonoros y les sirve no solo para demostrar no haber bajado la guardia, sino también para reivindicarse como líderes de la vanguardia.

9. Apparat “The Devil’s Walk”

Sasha Ring aparca el mundo de los beats para centrarse en el de los ambientes. También la voz se erige como uno de los motores de “The Devil’s Walk”: ya no hay que sugerir paisajes e historias a través de la música; ahora se canta al oyente, se le susurran las historias. Este “paseo del diablo” supone un trabajo completamente maravilloso donde la sucesión de cortes se hace fluida, desde los primeros temas “Sweet Unrest” -con evocadores coros- y “Song of Los” -una suerte de viaje cósmico- hasta las dulces melodías y arreglos de “Goodbye”, “Escape” y “Ash black veil”. El nuevo rumbo musical tomado por el alemán nos deja ver luz cálida dentro de la fría electrónica.

10. The Rapture “In The Grace Of Your Love”

Que los grupos de rock se han abrazado a la música electrónica para renovar su sonido es algo evidente. Pero el caso The Rapture va más allá y “In The Grace Or Your Love” es una prueba de que, como dijo aquel, el rock no ha de confundirse con música hecha con guitarra, bajo y batería. Desde el sabor setentero de “Blue bird” hasta el house petardo de “How deep is your love?” pasando por la tradición sonora puramente neoyorquina que desprenden “Miss you” y “Rollercoaster”; The Rapture han firmado la obra culmen de su discografía, además de dar una lección de cómo acudir al pasado sin dejar de mirar al futuro.

11. Atlas Sound “Parallax”

Referirse a Atlas Sound como el entretenimiento en solitario de Bradford Cox al margen de Deerhunter sería un monumental error. En su tercera entrega, el músico moldea melodías hasta tallar una obra personal de firma inconfundible. “Parallax” es un álbum soberbio y mágico que reconfirma a su autor como uno de los talentos más afilados, prolíficos y fiables de la actual escena estadounidense.

12. Bon Iver “Bon Iver”

Como se ha comentado que le pasaba a Fleet Foxes, la banda de Justin Vernon tenía difícil igualar los méritos de su grandísimo primer disco. El primero estaba centrado en la ruptura y el aislamiento como forma de superar la adversidad (amorosa), este segundo mira hacía el exterior con cierto optimismo. La producción pasa a ser más recargada, de mayor amplitud de miras, y puede recordar al mejor Peter Gabriel aunque también a su compañero en Génesis, Phil Collins (en la polémica “Beth/Rest”). Pero un disco con temas como “Holocene”, “Towers”, “Calgary”, o “Perth” debe estar entre lo mejor del año, sí o sí.

13. Fucked Up “David Comes To Live”

El tercer trabajo de los canadienses es una auténtica ópera hardcore con miras abiertas al noise, al shoegaze y al pop, y con un discurso conceptual basado en historias de amor, desamor y muerte en la Gran Bretaña thatcheriana. Pero sobre todo, “David comes to live” es un rodillo poderoso, brutal,… pero melódico. Lo bestia y lo dulce se dan la mano y se ceden amablemente el turno en un espacio que comparten filigranas guitarreras, melodías inesperadas y la ferocidad del frontman (Pink Eyes, ese animal).

14. Mogwai “Hardcore Will Never Die But You Will”

Cuando tienes una trayectoria como la de Mogwai con unos primeros discos que supusieron todo un shock para una parte del anquilosado rock de nuestros días, lo fácil es suponer que su formula se ha acabado o que resultan repetitivos. Pues aquí renuevan energías y aunque no suponga un viraje brusco en su sonido si que nos encontramos ante el que, probablemente, es su disco más accesible. Y bueno, que temas como “Rano Pano”, “Mexican Grand Prix”, “How Te Be A Werewolf”, o “You’re Lionel Ritchie” no los firma cualquiera.

15. M83 “Hurry Up, We’re Dreaming”

Anthony Gonzalez ya había dado buena muestra en el álbum precedesor a este, “Saturdays=Youth”, de su gusto y capacidad para aunar el shoegaze más pop y accesible con el pop de sintetizadores ochentero. En este disco doble aumenta todavía más la dosis de épica y los guiños a la década de las hombreras ya sea en la recuperación de un elemento tan kitsch como el solo de saxo en uno de los temas del año -”Midnight City”- como de recurrir a ecos de su compatriota Jean Michel Jarre (“Intro”). Disco excesivo, con momentos irregulares pero con otros grandísimos.

16. Destroyer “Kaputt”

Dan Bejar ha sido uno de los compositores que este año ha recurrido y recuperado lo que serían “los otros ochenta”. En “Kaputt” la influencia del pop limpio, melódico y elegante de bandas como Prefab Sprout o The Blue Nile queda patente en grandes temas como el que da nombre al disco, “Downtown”, “Chinatown”, o “Blue Eyes”. Ya la portada nos lo deja claro, estamos ante un disco de pop algo liviano (que no insustancial o frívolo), divertido, sutil y elegante. Como los mejores días de verano.

17. SBTRKT “SBTRKT”

Si 2011 pasará a los anales de la música popular por discos como los de James Blake, que acorta distancias entre la electrónica experimental y el soul para las masas, qué decir de SBTRKT (pronúnciese “subtract”). La comparación con su compatriota inglés no es casual ya que aquí hay bastantes guiños a ese sonido lento e intimista, sólo que en manos de SBTRKT el dubstep deriva hacia el baile. Es como si a Caribou se le inflaran las líneas de bajo.

18. Buraka Som Sistema “Komba”

En España tenemos la mala costumbre de vivir de espaldas a Portugal. Ellos lo saben y por eso a veces nos tienen tanta tirria. Tampoco es nuestro país la mejor vía para exportar música alternativa; por eso, tras hacer ruido en otros rincones del planeta, los portugueses Buraka Som Sistema vuelven a dar un puñetazo sobre la mesa con “Komba”. Un segundo disco que está una vez más impregnado de ritmos kuduro, letras en portugués y mucho mucho baile. Muito bom!

19. Girls “Father, Son, Holy ghost”

Los que habíamos escuchado su Ep “Broken Dreams Club” no deberíamos sorprendernos de los desarrollos instrumentales y la madurez que alcanza este segundo disco. El noise y shoegaze de su grandísimo debut ya no aparece por aquí aunque si que hay todavía temas de pop energético (“Honey Bunny”) u optimista (“Magic”), pero lo que domina son los magníficos medios tiempos de largos desarrollos instrumentales que cantan al desamor o la tristeza con el corazón en la mano en canciones como “Vomit”, “My Ma” o “Forgiveness”. Un disco que para algunos quizá resulte de difícil digestión pero si consigues entrar en él reporta grandes satisfacciones.

20. And So I Watch You From Afar “Gangs”

Como un gancho en la barbilla, como una patada en el costado, duro y directo, así es “Gangs”, el segundo trabajo de los casi impronunciables And So I Watch You From Afar (ASIWYFA). Trabajo que sigue bebiendo de las influencias del sorprendente debut homónimo de hace un par de años, pero que pule las aristas para dejar una joya redonda. “BEAUTIFULUNIVERSEMASTERCHAMPION” sirve como entrante de un menú concentrado en tan solo ocho platos, cada uno de ellos con una pegada brutal y un ritmo frenético, todo un señor plato principal con “Gang (starting never stopping)” o “Search:Party:Animal”, o el delicioso postre que pone el broche final “Lifeproof”. Menú exquisito que además pudimos degustar en directo en el FIB 2011. Tres tenedores, señores.

LAS 20 MEJORES CANCIONES

1. The Rapture “How Deep Is Your Love?”

Imagina que subes en el Delorean de Marty McFly, viajas veinte y pico años atrás y te cuelas en un club gay washingtoniano o neoyorquino. Larry Levan está a los platos. ¿Qué escuchas? Probablemente una base hecha con la Roland 808, un ritmo de piano repetitivo y una voz ambigua que canta “let me hear that song”… Un disco-house de lo más retro que en pleno siglo XXI ha sido revitalizado por The Rapure. El que no haya bailado “How Deep Is Your Love?” durante 2011 es que no tiene orejas o se ha enclaustrado en un covento.

The Rapture – How Deep Is Your Love by DFA Records

2. M83 “Midnight City”

Uno de los momentos bailables de “Hurry Up! We’re Dreaming” y, a su vez, el más sobresaliente de los 22 temas que contiene dicho álbum. La voz de Anthony se coloca en un primer plano y la banda agrega instrumentos inauditos en su repertorio como el saxofón, cuyo solo finiquita esta estupendo tema. Pudo ser el número uno, pero se conforma con el dos.

Midnight City by M83

3. Bon Iver “Holocene”

“Holocene” ha sido el segundo single del disco homónimo de Bon Iver y se alza con la tercera posición de las canciones del año. Justin Vernon desnuda su melancolía con esta historia tan personal como críptica.

“Holocene” by Bon Iver by DOJAGSC

4. The Strokes “Under Cover Of Darkness”

Cumplidos diez años de “Is This It”, los de Julian Casablancas se reafirman en la recién estrenada década como expertos creadores de himnos rock. “Under Cover Of Darkness” huele y sabe a puro Strokes: ritmo frenético, guitarras contagiosas y el inconfundible sello “made in NY”.

The Strokes – Under Cover Of Darkness by d_antec

5. The Black Keys “Lonely Boy”

Dos mil once se estaba acabando y a The Black Keys se les ocurrió adelantar “El Camino” con esta pegadiza “Lonely Boy”. El baile que se marca el protagonista de su cachondo videclip ya está siendo imitado en medio mundo. Pese a haber llegado a última hora, esta canción se ha convertido en una de las del año… y todavía le queda guerra por dar.

The Black Keys – Lonely Boy by Disclosure Vintage

6. The Rapture “Sail Away”

Además de la revienta-pistas “How Deep Is Your Love?”, el último álbum de los neoyorquinos se inicia con esta bailable aunque mucho menos festiva “Sail Away”. Una canción que juega en los márgenes del pop, del rock y de la electrónica más elaborada siguiendo la senda tomada por ellos mismos y a la que en los últimos tiempos se les ha unido grupos como MGMT.

The Rapture – Sail Away by modularpeople

7. Destroyer “Bay Of Pigs”

Es imposible que un disco como “Kaputt” aporte una sola canción al listado de las mejores del año… La redacción de El Enano Rabioso ha votado casi por igual a dos de ellas. La primera que se cuela en la lista es “Bay Of Pigs”…

Bay Of Pigs – Destroyer by Miklos Fejes

8. Destroyer “Kaputt”

… y la segunda, la que le da título a este “discón” de Destroyer.

Destroyer, “Kaputt” by blatanti

9. Yuck “Get Away”

Los londinenses bien podrían llamarse “Sonic Yuck”. ¡Menuda explosión de sonido puramente noventero! Un revival que atiende al ruido, a las distorsiones y a las melodías de bandas añejas como Dinosaur Jr, Yo La Tengo y la mencionada “juventud sónica”. “Get Away” es una de las piezas clave en su debut homónimo.

Yuck – Get Away by IndieRockReviews

10. The Joy Formidable “Whirring”

Después de varios singles, 2011 ha recibido con los brazos abiertos al primer álbum de The Joy Formidable. Los parecidos con Arcade Fire son descarados y en “Whirring” aún más. Hit indie que llama a las puertas del mainstream.

Whirring by thejoyformidable

11. James Blake “Limit To Your Love”

12. Battles feat. Matias Aguayo “Ice Cream”

13. I Break Horses “Winter Beats”

14. Foo Fighters “Rope”

15. Schlachthofbronx feat. Gnucci Banana “Coolie Fruit”

16. Lykke Li “Sadness Is A Blessing”

17. Neon Indian “Halogen (I Could Be A Shadow)”

18. Tyler, The Creator “Yonkers”

19. Junior Boys ” Banana Ripple”

20. Fleet Foxes “Grown Ocean”

La barbacoa del Santa Teresa South Pop de Isla Cristina en imágenes

Rafael Tovar — Tue, 13 Sep 2011 08:35:18 +0000

Barbacoa Santa Teresa South Pop Isla Cristina. Rafael Tovar / El Enano Rabioso

Si hay algo que llama la atención del festival Santa Teresa South Pop de Isla Cristina de los chicos y chicas de Green Ufos es la barbacoa del domingo con la cual despiden a los asistentes con el estómago lleno.Antes de que nuestros redactores ultimen la crónica de lo que fue el festival completo os traemos algunas instantáneas de lo que fue la barbacoa de despedida. En el menú Sardinas y Caballa asada, patatas aliñadas y almejas. Una jornada para disfrutar del sol y la buena gastronomía de Isla Cristina.

Nota del Autor: Las fotos tienen una licencia Creative Commons. Consulte el aviso legal de la web para información más detallada. La autoría es de “Rafael Tovar / El Enano Rabioso.com” y así debe ser especificado si desea redistribuir las fotos.

Bailando bajo la lluvia en el Rock en Seine 2011(parte I)

Ross Galagher — Tue, 06 Sep 2011 02:14:07 +0000

Ambiente nocturno. Foto de Nicolas Brunet

Ahí estuvo un año más el Enano Rabioso cubriendo este importante festival.

El Rock en Seine 2011 ha sido una edición exitosa con una asistencia record, 108.000 personas a lo largo de tres días, y soldout colgado para los abonos y pases de viernes y sábado.

El evento, organizado de una manera que roza la exquisitez, tiene muchas peculiaridades que chocarán al festivalero español, las cuáles intentaré comentar y asimismo dar ciertos consejos, que podrán ser útiles para futuras ediciones.

El recinto es un paraje natural situado a las afueras de París, en el Domaine National de Saint-Cloud, considerado monumento histórico. Resulta ser un lugar realmente bonito para hacer un festival, con árboles, caminos de tierra (con algunas piedras) y grandes extensiones de césped para ver los conciertos, siendo aconsejable llevar un calzado cómodo y si puede ser, debido a las lluvias, a prueba de barro.

Lo primero que chocará al festivalero español es que empieza muy temprano, a las 2’30 – 3 de la tarde, y termina sobre las 12 – 12 y media de la noche. Después como alternativa queda abierto un pequeño espacio donde continúan poniendo música aproximadamente hasta las dos de la noche, o una carpa sólo para la gente que está en el camping, hasta las dos y media. De todas formas, el metro, principal método de transporte hasta el recinto desde cualquier punto de París, cierra sobre la una de la noche y es aconsejable cogerlo para ir bien al apartamento o a algún sitio donde poder continuar la fiesta. También es posible volver con un sistema de buses nocturnos pero resulta a priori mucho más incierto en cuanto a horarios y demás.

En el aspecto climatológico, el frío que hace a finales de agosto es considerable cuando va cayendo la noche, con lo cual hay que llevar algo ropa de abrigo, al menos un jersey o sudadera, aunque por el día puedes pasar sin ello. Resulta indispensable un chubasquero, ya que suele llover bastante, alternando con periodos de sol en un ambiente que cambia rápidamente.

Entrada al recinto. Foto de Nicolas Brunet

La entrada al recinto puedes realizarla sobre una hora antes del comienzo de los conciertos. Son bastante diligentes así que normalmente en veinte-treinta minutos a lo más tardar deberías conseguir tu pulsera de tela. Además, otro de los temas más problemáticos en la organización de un festival, como los servicios, aquí está resuelto con varios zonas en los que nunca hay más de diez minutos de cola.

En el tema alimentación-bebida, hay gran variedad. Diversos sitios de crepes, dulces, hamburguesería, cocina francesa, una sección de comidas del mundo, en la que puedes encontrar pizzas, sushi, comida etíope o carne argentina a la brasa a precios eso sí, caros, pero dentro de lo esperable para un festival… no falta de nada verdaderamente. La bebida, asequible (siempre teniendo en cuenta donde nos encontramos) cerveza cuatro euros medio litro, tres euros 33cl de refresco. Y algo casi impensable en España… se paga en euros directamente, nada de tickets.

Destaca la política que tienen con los vasos: de plástico duro, difícilmente rompibles y de carácter reciclable. Te cobran un euro por cada uno que te dan, que luego puedes recuperar acudiendo a ciertos puestos habilitados para ello. Incluso merece la pena llevarse uno a casa de recuerdo. Además, otra característica es que no te prohíben la entrada de bebidas alcohólicas, esto es, si van en botellas de plástico, algo impensable en los festivales españoles.

Concierto para los más pequeños: mini-rock. Foto de Nicolas Joubard.

El festival cuenta con otras grandes iniciativas: una zona para conciertos para niños, diversas zonas de entretenimiento (lectura, juegos…), en los caminos hay carteles de los grupos, diseñados específicamente para el festival, dándole un gran ambiente, y regalos de toda clase (tapones para los oídos, horarios, cd’s con la música de los grupos que promocionan… ). Resumiendo, es un sitio que se nota que está pensado para que el asistente disfrute de la estancia en el recinto y lo más cómodo posible. Por supuesto, si uno no habla francés es posible entenderse con el 99% del personal en inglés.

Este año presentaba además como novedad la introducción de un cuarto escenario, justo a la entrada del festival, el llamado pression live, cuyo horario se iba solapando con el teóricamente escenario secundario, llamado la cascade. El principal (grande escène) a su vez se solapaba con el escenario l’industrie. Era posible ir de un escenario a otro sin perderse más que la primera canción como mucho (o la última del concierto que estuviéramos viendo), excepto quizá en la migración escenario pression live – escenario principal, que en caso de estar cerca de los artistas en conciertos masivos, te podía llevar unos quince-veinte minutos.

Hay mucho que comentar sobre el tema camping. Si se quiere acampar lo primero es conseguir la entrada nada más se pongan a la venta, ya que hay muy pocas plazas, y solo puedes conseguir uno si tienes un abono de tres días. Lo ideal es llegar el mismo día de los conciertos, ya que el festival no te ofrece la opción de acampar antes, tan sólo los días de festival lo cual la verdad conlleva bastantes molestias si los horarios de vuelo no son los idóneos.

La principal muestra de que están muy organizados, quizá demasiado, se hace evidente aquí. Existen tres parcelas, dos muy cerca del recinto y otro un poco más lejos subiendo una cuesta por una senda empedrada (¡cuidado con los resbalones si no llevas buen calzado!). Cada persona tiene su camping asignado (ya que los tickets son nominales) y si quieres cambiarte te tocará pelearte un poco. Además cada ticket es para una plaza en la que pueden dormir dos personas, no cada una con su tienda, por lo que te volverá tocar a pelearte si quieres meter dos tiendas.

Quizá previendo este tipo de cosas, aún con todo vendido, existían una gran cantidad de huecos libres en el camping, y todas las tiendas estaban muy organizadas, con un pasillo entre cada hilera de tiendas y cada uno de los espacios con una bolsa de basura entregada por la organización para que fueras echando allí los desperdicios que fueras generando.

Aquí viene la gran pega: cierra de tres a siete de la mañana, no pudiendo entrar ni salir. Eso quiere decir que si vas fuera a alguna discoteca, te toca recogerte a esa hora para que te dejen entrar. O que si el domingo tienes que coger un vuelo, pongamos a las nueve, lo más seguro es que no llegues, con lo cual tendrías que dejar el sitio antes de las tres y esperar en el aeropuerto. Es una cosa muy a tener en cuenta a la hora de reservar camping y vuelo.

Ambiente RES 2011. Foto de Nicolas Brunet.

El ambiente es festivo, así que si tienes problemas para dormir con ruidos ojito (pero bueno, ¡eso pasa en todos los festivales claro!). Y totalmente necesario saco de dormir para evitar pasar mucho frío, y aunque el suelo sea césped, recomendable el colchón para descansar adecuadamente.

Sobre las duchas, es un tema que también chocará comparando con lo que estamos acostumbrados aquí. Son cabinas individuales, al estilo policlin, con agua caliente (bueno más que caliente, templada, lo cual se agradece muchísimo). Apenas unas ocho duchas para cada sexo en cada parcela de cámping, provocando que haya colas de hasta veinticinco minutos en hora “punta” (nada exagerado, ya que tampoco la cantidad de gente es muy grande).

Por otro lado, el público asistente es, en su mayoría, joven y francés. Nada de invasiones británicas como en otras partes (están todos en el Reading & Leeds, celebrado al mismo tiempo) , destaca por la poca cantidad de gente desfasada y borracha (en comparación), del nulo lanzamiento de vasos (gracias a dios, a un euro el vaso y siendo duro, no hay narices a hacerlo). Un público más paradito quizá que en España, pudiendo encontrarte con familias o incluso gente con sillas y manta de picnic, pero que igualmente se aglomerara para ver a los grandes grupos siendo desaconsejable ir a primera línea si no estás dispuesto a aguantar empujones y apretones en los grandes reclamos (tipo Interpol o Arctic Monkeys) .

Así pues, puedes encontrar también zonas para hacer pogo en los grupos más movidos y sitios donde saltar acompañado por el resto. Además, este año parece que han descubierto el crowd surfing, ya que desde el primer día, que había muy poca gente que lo hacía, hasta el último, hubo un cambio tangible en el que hasta en un concierto tranquilo como puede ser Archive había gente que le daba por dar la brasa para que le subieran.

Por último y resumiendo, un festival muy organizado y encantador, cómodo, con algunas pegas por las restricciones debidas al mismo exceso de organización, eminentemente diurno que puedes disfrutar del modo que gustes, con tiempo para hacer turismo por París por la mañana o seguir de fiesta fuera, familiar, y que puedes disfrutar al máximo si lo haces bien. En definitiva, muy recomendable. Y ahora vamos con los conciertos…

Veinticinco años de “Fiesta”

Jose A. Rueda — Thu, 25 Aug 2011 13:47:35 +0000

The Pogues

En 1986 la banda irlandesa The Pogues compuso en España uno de sus hits más conocidos: “Fiesta”. Pocas veces una canción ha estado rodeada de tantas historias: el fin de los Clash, la mudanza de Joe Strummer a nuestro país, el rodaje de una película en Almería,… Una serie de hechos, casualidades y circunstancias que quedaron reflejados en los versos de “Fiesta”, que si para muchos eran ininteligibles e impenetrables, en las siguientes líneas los desgranamos.

Hace veinticinco años, Joe Strummer dejaba los Clash y se refugiaba en España para, entre otras cosas, buscar la pista de Federico García Lorca. Fijó su residencia entre Granada y Almería, comprándose una casa en San José (parque natural de Cabo de Gata). Su amigo, el director de cine Alex Cox (con el que ya había colaborado componiendo la banda sonora de Sid & Nancy) planeaba organizar una gira solidaria por Nicaragua con el objetivo de recaudar fondos para diversas causas relacionadas con la guerrilla sandinista. En dicha gira, iban a colaborar artistas del mundo del rock como The Pogues, Elvis Costello y el mismo Strummer; pero, cuando estaba todo a punto de empezar no se consiguió el dinero suficiente. Así que Cox decidió ir a España en lugar de Nicaragua y rodar una película con ellos.

De esta manera nació Directo al infierno (Straight to hell), una cinta que se sumó a larga lista de filmes rodados en los parajes de Almería. Un homenaje al spaghetti western protagonizado por Sy Richardson, Dick Rude, Courtney Love y Joe Strummer, además de las apariciones estelares de Elvis Costello, Dennis Hopper y los miembros de The Pogues. Hace unos meses, esta peli también cumplía 25 años y, por tal motivo, la distribuidora lanzaba una edición especial para Estados Unidos y Gran Bretaña. La entidad pública conocida como Instituto de Estudios Almerienses hizo un loable esfuerzo por hacerse con la cinta, para la cual encargó unos subtítulos en castellano. Así, el pasado 17 de junio se proyectaba Straight to hell en exclusiva para Almería. Alex Cox, que hasta hace poco tenía una casa en Tabernas, también colaboró para que el filme llegara a las manos de esta institución almeriense y además se mostró muy interesado en los subtítulos. Por esto, esperamos que algún día Directo al infierno tenga distribución en España; o, al menos, una edición disponible en Internet con subtitulado en nuestro idioma.

"Straight to hell" en 1987 (izquierda) y la reedición de 2011

Los irlandeses The Pogues viajaron hasta Almería para participar con su colega Joe Strummer en el rodaje de la cinta de Alex Cox, para la cual también compondrían parte de la banda sonora (versión de “El bueno, el feo y el malo” incluida). Se alojaron en el Gran Hotel Almería (que aparece en la primera secuencia de la película), situado en la parte baja de La Rambla, cerca del puerto y junto al parque Nicolás Salmerón. En dicho parque solía celebrarse por aquellos tiempos la Feria de la capital almeriense y el rodaje de Straight to hell tuvo que coincidir con ésta…

Shane MacGowan, Jem Finer, Spider Stacy y los demás miembros del grupo se levantaban todos los días a las seis de la mañana para desplazarse hasta el set de rodaje, a unos 30 kilómetros de la ciudad. A la vuelta, y como buenos irlandeses, cenaban a las ocho de la tarde, tomaban algo de beber y se iban a acostar… Hasta aquí todo normal si no fuera porque el ruido de la feria no les dejaba pegar ojo. Phil Chevron (guitarrista de la banda) explica cómo fueron aquellos días: “Durante todo ese tiempo que estuvimos en Almería, habia dos cancioncillas que no dejaban de sonar. Eran como una tortura de agua china. Paraban durante cinco minutos y luego empezaban otra vez. La primera de ellas es la que nosotros hicimos melodía principal de “Fiesta” y la otra provenía de un puesto de venta de muñecas” (en realidad, de una tómbola en la que no faltaban las chochonas. En relación a estas muñecas hay un buen párrafo dedicado). “Así que estas dos canciones se alternaban en nuestras cabezas como una pesadilla horrible e infernal. Más tarde, tuvimos que pagar los derechos de la melodía principal, que resultó ser una polka de Liechtensein” (esta melodía sonaba en un puesto de comida rápida: hamburguesas Uranga).

Y así es como The Pogues compusieron el que por los roqueros almerienses es considerado el himno de su feria (¿qué fiestas patronales pueden presumir de tener una canción compuesta por un grupo de punk irlandés?):

I am Francisco Vasquez García,
I am welcome to Almería.
We have “sin gas” and “con leche”.
We have “fiesta” and “feria”.
We have the song of the “chochona”.
We have brandy and half Corona.
And Leonardo and his accordione.
And “calamari” and “macaroni”.

Soy Francisco Vázquez García.
Soy bienvenido a Almería.
Tenemos sin gas y con leche.
Tenemos fiesta y feria.
Tenemos la canción de la chochona.
Tenemos brandy y media Corona.
Y Leonardo y su acordeón.
Y calamares y macarrones.

Estribillo:

Come all you rambling boys of pleasure
and ladies of easy leisure.
We must say “adiós” until we see
Almería once again.

Vamos todos, chicos perdidos de placer
y chicas de diversión facil.
Tenemos que decir adiós hasta que veamos
Almería una vez más.

There is a minstrel, there you see,
and he stopped one in three.
He whispers in this one’s ear:
“Will you kindly kill that doll for me?”
Now he has won “chochona” in the bingo.
All the town has watched this crazy gringo
as he pulls off the doll’s head laughing
and “miradlo!” throws its body in the sea.

Hay un feriante, allí lo ves,
y paró a uno de los tres.
Y susurró al oído de este:
“¿sería tan amable de matar a esa muñeca para mí?”
Toda la ciudad ha visto como ese loco gringo
le ha arrancado la cabeza a la muñeca riéndose
y, ¡miradlo!, ¡arroja su cuerpo al mar!

La última estrofa la compusieron con el pobre castellano que aprendieron durante su periplo español:

El veinticinco de agosto
abrió sus ojos Jaime Fearnley
pero él bebe (bebió) cincuenta Gin-Campari
y se tendió para cerrarlos.
Y Costello, el rey de América
y (la) suntuosa Cait O’Riordan.
No rompere mes colliones (no me rompáis más los cojones).
Los gritos (se dan) fuera de las casas.

Portada del single "Fiesta"

Con respecto también a estas últimas líneas, hay que aclarar que Jaime Fearnley es James Fearnley, el acordeonista del grupo y único componente de The Pogues que hablaba algo de español. Elvis Costello, “el rey de América”, acababa de lanzar el álbum The king of America y la suntuosa Cait O’Riordan fue la bajista de la banda en los dos primeros discos. Luego se casó con Costello y dejó el grupo.

El 25 de agosto no solo suele coincidir con la Feria de Almería (en honor a la Virgen del Mar, cuya onomástica es el último sábado de agosto) sino también se relaciona con unos versos de Federico García Lorca por el que Joe Strummer sentía especial pasión. El ex-líder de The Clash veía una España mitificada por la literatura de Hemingway y no dudó en mudarse a Granada para empaparse de los ambientes en los que Lorca escribió sus obras maestras. Esta estrofa de “Fiesta” alude al decimocuarto poema del Romancero Gitano, que reza: “el veinticinco de junio / abrió sus ojos Amargo / y el veinticinco de agosto / se tendió para cerrarlos”.

Quedaría por averiguar si Shane y Jem (autores de la letra) también se contagiaron de la poesía del granadino o fue el mismo Strummer el que sugirió que se incluyeran estos versos.

Para terminar, enlazamos “The good, the bad and the ugly” interpretada por The Pogues con imágenes del rodaje de Straight to hell:

Electromar en imágenes

Jose A. Rueda — Mon, 15 Aug 2011 11:54:37 +0000

Los pasados 29 y 30 de julio El Enano Rabioso estuvo en Los Alcázares (Murcia) para contar todo lo que aconteció en Electromar 2011. La segunda parte del reportaje la tenemos aquí: el festival en fotos. Pasen y vean:

Cuidado, material inflamable.

Juanjo Rueda — Thu, 04 Aug 2011 10:16:37 +0000

El 6 de agosto se cumplen 20 años de la publicación del disco “Blue Lines” de Massive Attack.

Material inflamable, eso nos venía a decir la portada. Material inflamable. En la parte posterior del libreto del CD nos encontrábamos con unas cajas de cerillas que eran la prueba: dale al play, deja que prenda el fuego.

En 1990 las islas británicas estaban en plena fiesta, 1989 había sido denominado el “segundo verano del amor” con la cultura rave en pleno auge. La gente vivía en un éxtasis (metafórico y literal) en el que había pasado o estaba pasando del acid house a un jungle o hardcore de beats más rápidos. En este contexto será cuando un grupo llamado Massive Attack nacido de las cenizas del colectivo The Wild Bunch (el Grupo Salvaje), y en una ciudad sin apenas tradición musical (al menos hasta entonces) como era Bristol, empezaría a mostrar sus cartas con su primer single “Daydreaming”. Este grupo estaba compuesto por: Andrew “Mushroom” Vowles, Grant “Daddy G” Marshall, y Robert “3D” del Naja. Además contaba con la participación de gente como Adrian Thaws a.k.a. Tricky Kid, compañero de piso -en esos días- de del Naja.

Con todo estos antecedentes llegamos a 1991. Un año clave para la música, ese año se editarían discos como “Screamadelica”, “Loveless”, o el archiconocido “Nevermind”. Pero antes que todos ellos la llama -esas cerillas- la prendieron este grupo de Bristol que todavía operaba al estilo de un soundsystem como los del hip-hop. Pocos imaginaban entonces que en ese clima, con la electrónica rave de resaca, los shoegazers teniendo su pequeño momento de gloria, y el grunge a punto de estallar, como digo, pocos imaginaban que un disco que iba a mezclar hip-hop de beats lentos, bajos gordos, el scratching, soul, funk, dub jamaicano, y el sampling iba a proporcionar la primera gran obra maestra de la recién nacida década. Hoy resulta natural toda esa mezcla de estilos, más aún, puede resultar sencilla. Pero no, no lo era. El disco contaba con un buen número de colaboraciones que marcaban pistas de todo lo que encerraba: contaba con Horace Andy, mítico cantante de reggae; Neneh Cherry (hija de Don Cherry), colaborando en alguna composición; Shara Nelson que hace una de las interpretaciones vocales de la década en “Unfinished Sympathy”; Tricky Kid, posteriormente abreviado a Tricky y que será una de las figuras de lo que será llamado “sonido Bristol”; incluso teníamos a Geoff Barrow (Portishead) que más de una vez ha contado la anécdota de como hizo de chico del té en este disco.

El disco salió publicado el 6 de agosto de 1991 y desde el primer momento fue visto por gran parte de la crítica como la obra maestra que es. El listado de canciones no admite discusión (de “Safe From Harm” a “Hymn of the Big Wheel”), donde no sobra ni falta nada. Aunque algunos puedan rebajar sus méritos al descubrir los samplers de Billy Cobhan o Wally Badarou para temas como “Safe From Harm” o “Daydreaming”, en general es un disco enorme (si no lo fuera no estaríamos hablando de él) y que pone de manifiesto, con samples como estos, que hacen un potaje -muy rico y consistente- de pasado y presente de la música negra (de Nueva York a Jamaica) para crear algo que en ese momento era el futuro. Plasmado, quizá, en esa cumbre que es “Unfinished Sympathy”, un himno de soul urbano que hace que te rías cuando alguien dice que Amy Winehouse o sus producciones eran el futuro del soul en el siglo XXI.

Después de este disco vendría la etiqueta, para clasificar lo inclasificable: trip-hop. Vendría la copia fácil (Morcheeba) o la búsqueda de ir más allá (Portishead, Tricky y los mismos Massive Attack); vendría la necesidad de agrupar un movimiento y de buscar comparaciones que no han cesado con compañeros de escena (Portishead); vendría la asimilación total de la etiqueta como cliché “cool” para gente que quería ir de moderna y no sabía distinguir entre ambient, chill-out y trip-hop; vendrían las críticas o los altibajos creativos en comparación con este disco (a pesar de que todavía nos iban a dejar un par de discos notables y otra obra capital, “Mezzanine”); vendría la muerte del estilo o de la etiqueta en el siglo XXI… Pero todo esto vendría después de este disco, después de prender esas cerillas hace ya veinte años y dejar que ese material inflamable ardiera en los oídos.

P.D. Como mucha gente que estará leyendo esto, no descubrí este disco en el momento de su publicación. En mi caso tendría unos 10 años en el año en que se publicó y no sería hasta casi diez años después de su publicación cuando este disco entró en mi vida. Pero precisamente por eso, porque en los albores del año 2000, que fue cuando lo escuché, este disco seguía sonando fascinante y novedoso es por lo que en su día tuvo que sonar realmente nuevo. De hecho, hoy día me sigue sonando así. Si no me crees compruébalo aquí.

FIB 2011: Mi primera vez

Rocío Álvarez — Tue, 02 Aug 2011 17:36:43 +0000

Un fiber. Rafael Tovar / El Enano Rabioso

Habitualmente los Fibers hacen su primera aparición por Benicàssim a sus 20s. Cualquiera que se pase por allí lo puede comprobar. En mi caso, no fue así. Yo aterricé en esa maravillosa combinación de playa y música a los 30 lo que creo que me da otra perspectiva del asunto.

Mi llegada allí fue triunfal, en una California Volkswagen recién comprada y restaurada por mi amigo para tan enorme ocasión, llamada Margarita, que me enseñó los encantos de los caminos que llevan al FIB y de los que te sacan de él para llevarte hacia la playa.

Elena, como una Fiber más. Rafael Tovar / El Enano Rabioso

Mi ignorancia previa y predeterminada sobre el FIB (puesto que yo estaba recién aterrizada en el país y me negué a buscar información de los grupos en internet) me permitió mantener en ON todos mis sentidos para capturar toda la estimulación que orbitaba alrededor de mi persona. A saber:

Colchonetas de colores, pero sólo de dos colores, o rosa fluorescente o amarillo fosofrito. Eso significa sólo una cosa: eres guiri.
Zapatos perdidos y chanclas rotas significan: te has metido hasta el fondo y te han machacado los pies hasta romperte los zapatos.
Móviles rotos y dinero perdido sólo significan: estabas tan borracho y emocionado que no te acuerdas de lo que llevabas ni te has enterado de lo que has perdido.

Una fiber escocesa, ¿Se nota?. Rafael Tovar / El Enano Rabioso

Pero lo que más me ha captado la atención, los endogrupos, esos colectivos pululantes que como símbolo de pertenencia al grupo van disfrazados de hawaianas, osos (mira que pasarían calor los osos, pero el grupo es lo primero), indios, dragones, caribeños, nudistas… deseosos de hacerse ver como uno en el FIB. Y cómo no, el grupo mayoritario, el de soy moreno cangrejo a parchones. Esos pobres guiris que, no pudiendo llegar con la cremita a todas las partes de su cuerpo, dejaron partes sin cubrir que tornaron en irregulares y originales formas rosadas que dibujan sus blanquecinos cuerpos.

Fibers sentadas en el Fib Club. Rafael Tovar / El Enano Rabioso

El recinto del FIB tiene vida propia durante esos días. Al igual que en cualquier gran ciudad, hay gente corriendo de un lado para otro pero no para llegar a tiempo al trabajo o a casa de fulanito, sino para ver a este u otro artista o grupo sin perderse al de más allá. Es una prueba clara de que los españoles sí podemos organizarnos y ser productivos con nuestro tiempo, e incluso más que los guiris que tenían suficiente trabajo con mantenerse en pie. Aguantar en el escenario principal hasta el final merece la pena sólo por disfrutar del valls que cierra las actuaciones, rebautizado como el valls de los borrachos, no hace falta que describa la escena un tanto cómica para saber por qué, seguido desde la barrera por el gran triunfador del FIB: el señor Don dinero Mr. Powell. Hay documento gráfico de esto aunque yo no salgo en él.

Fibers con Mr. Powell, el dueño de todo. Oscar Romer. Ignacio Sanchez / El Enano Rabioso

Mi primer FIB también ha sido una prueba de fuego. Vivir 4 días seguidos +1 de viaje en 4m2 con mi querido amigo Rafa, ahora conocido por otros como Tovar, no ha sido nada fácil para ninguno de los dos, hasta tal punto de intensidad que te sientes como una vieja pareja que discute cada vez que hay que decidir si girar a izquierda o derecha pero sales reforzadando la idea de que tienes un gran amigo ahí.

Imágen típica de un concierto en el FIB. Rafael Tovar / El Enano Rabioso

Quizás pienses que llevo mucho escrito y poco dicho sobre la música, que es de lo que va esto. Y es que eso amigas, amigos, lo dejo a vuestra elección porque para gustos, los colores. Aunque si he de decantarme, en esta paleta multicolor para mi sobresalen mi gran descubrimiento al inicio del FIB, “Mañana”, y el cierre vibrante de “Arcade Fire” que te deja en vena la dosis necesaria para esperar al FIB 2012.

La movida de los 10

Jose A. Rueda — Wed, 27 Jul 2011 22:52:19 +0000

Lori Meyers, entre lo indie y lo mainstream / Marichispa

«Las discográficas de hoy destinan el dinero que antes gastaban en enseñar a cantar a Bustamante para que Lori Meyers viajen a Los Ángeles a grabar un disco con Sebastian Krys. Estamos ante nuevos tiempos de la música en nuestro país: el muro que separaba lo mainstream de lo alternativo se ha vuelto a desplomar».

Parece mentira que ya hayan pasado diez años y a nadie se le haya ocurrido ponerle un nombre a la década comprendida entre 2001 y 2010. ¿Los años cero? ¿Los 00 (dígase “cero cero”)? En fin, el caso es que en esta segunda década del tercer milenio que estrenamos en 2011 ya hay quien hace balance de la década anterior y las conclusiones son exactamente las mismas que en aquellos años 2000 ó 2001 cuando pensábamos en los 90. No existía entonces suficiente perspectiva como para reconocer las características y los denominadores comunes de lo esencialmente “noventero”. No éramos capaces de advertir la estética o el sonido propio de los 90. Hoy día, sin embargo, sabemos perfectamente qué es lo “noventero”. Es más: está de moda. Hace pocos años, hacer noise significaba estar anticuado… Ahora, sin embargo, están saltando a la palestra nuevas bandas que apuestan por el sonido más añejo de lo que normalmente denominamos indie (pop o rock, pero indie). Es más, festivales como Primavera Sound han nutrido los carteles de las últimas ediciones con bandas de la época como Sonic Youth, My Bloody Valentine, Pixies o Pavement.

Pero lo indie no es ni más ni menos que una forma de gestionar la música pop-rock que desde el boom de los Beatles solo ha interesado a las grandes compañías discográficas por un claro objetivo: hacer dinero. El rocanrol era una via para llenar los bolsillos de las comadrejas de la industria musical, y tuvieron que llegar los Sex Pistols para denunciarlo a modo de berridos punk. De esas fechas (finales de los 70) data el nacimiento de las pequeñas casas de discos que valoraban la creatividad musical por encima de la efectividad comercial. Ya entonces se oía en Inglaterra el término indie.

Sex Pistols, izando la bandera "punk"

Pero el palabro que englobó a todo el movimiento musical anglosajón durante los años posteriores al punk fue “new wave“. Esta nueva ola vino reforzada por las protestas ante el panorama político del Reino Unido que vivía el duro gobierno de Margaret Thatcher. Nada desdeñable era la situación gubernamental en España, recién salida de una dictadura y asomando la cabeza al otro lado de las fronteras que hasta aquellos días habían estado cerradas a cal y canto. Si Los Brincos y Los Bravos importaron en rocanrol de los Beatles y los Rolling, la nueva ola española (que enseguida sería bautizada como “la movida”) importó el punk y el post-punk británico y todo el elenco de románticos que les sucedieron.

Todo era una analogía del movimiento musical anglosajón. Discos Radiactivos Organizados (DRO) fue la discográfica creada por Aviador DRO (aquellos kraut-rockeros cañís) para lanzar sus primeros discos así como los de Siniestro Total, Glutamato Ye-Yé, Parálisis Permanente o Alphaville. Pudo ser la versión patria del sello de Manchester Factory Records, y Germán Coppini siguió los pasos de aquel Ian Curtis que cambió el punk de Warsaw por la melancolía de Joy Division cuando él abandonó Siniestro Total para formar Golpes Bajos.

Golpes Bajos, pioneros románticos en la piel de toro

Nada era original. Todo era copia. Pero la creatividad era máxima e incuestionable. Y el público lo valoró tanto que la industria discográfica en asociación con los medios de comunicación se encargaron de encumbrar a aquellas bandas hasta el olimpo de las estrellas del rock nacional. Radio Futura, Gabinete Caligari, Nacha Pop, Loquillo,… Pero no todos corrieron tal suerte: Décima Víctima, La Dama Se Esconde, Derribos Arias o La Mode no fueron alzados al estrellato y tuvieron que seguir soportando las penurias del underground. Pero aún así las barreras no eran muy altas y la posibilidad de salir en aquellos programas de TVE (“La Edad De Oro”, “Caja de ritmos”, “La Bola De Cristal” o “Auambabuluba Balambambú”) siempren estaba ahí.

Los 80 fueron grandes porque los mass-media quisieron que fueran grandes. Cuando esos grupos ya no tenían nada nuevo que ofrecer; cuando los mánagers habían exprimido todo el jugo que había en unas estrellas presionadas para ser tales, la música en España murió y solo nos quedó el underground… Pero a las discográficas no les interesaba aquello. Era más rápido y fácil contratar a chicos o chicas guapas, músicos buenos, compositores con talento, expertos en mercadotecnia y… ¡voilà!: fórmula del éxito infalible.

Así llegamos a los 90: los años de la creación de productos. Las multinacionales retomaron el control de la industria musical y las bandas del underground ya no gozaban de la admiración de la que gozaban las de los primeros 80. Los restos de aquella “gloriosa” movida seguían copando las listas de éxitos, cada vez más dirigidas por intereses económicos que por los propios votos democráticos del público musical español. Loquillo, Alaska o los post-radiofutura Juan Perro disimulaban su carencia de creatividad en unos álbumes que compartían estanterías con cantantes melódicos de influencia italiana como Sergio Dalma o un jovencísimo Alejandro Sanz. El pequeño payaso de la tele se dedicó a hacer el ídem en la industria musical y barrió las listas con la infumable “Te huelen los pies” (estoy hablando del ahora magnate de la comunicación Emilio Aragón).

Surfin' Bichos, llegó el ruido

Un nuevo momento punk era necesario y mientras que en Inglaterra y Estados Unidos despuntaban los Pixies, Sonic Youth o Jesus & Mary Chain, en nuestro país explotó el indie entre 1989 y 1992 con un montón de grupos imberbes entre los que se encontraban Surfin’ Bichos o Los Planetas. Pero estas ruidosas bandas no eran del agrado de las grandes compañías de discos, a no ser que los autores de la pegadiza “Mi hermana pequeña” accedieran a ser marionetas de RCA para copar “Del 40 al 1″ con canciones similares. Pero Los Planetas no se doblegaron y, tras fichar por la multinacional, siguieron haciendo música a sus anchas y si no llega a ser por su innegable tirón entre el público alternativo de la época, hubieran sido despedidos de la discográfica como fueron despedidos El Niño Gusano de Warner.

El indie por lo general estaba siendo ignorado, y eso que hubo momentos superventas de las primeras bandas que cantaban en inglés (Australian Blonde, Sexy Sadie y, sobretodo, Dover) y del piruleta-pop de Los Fresones Rebeldes. Pero los años 90 fueron pasando con ese duende detrás de la oreja que nos susurraba aquello de que “cualquier tiempo pasado fue mejor”. ¿Tan grande fueron de verdad los 80? ¿Tan baja cayó la creatividad musical en este país en los años posteriores? No, y rotundamente no. Lo único que cayó bajo fue la dignidad de los capos de la mafia musical, que ahogaron la creatividad que se desarrollaba en el mundo alternativo para alienarnos a base de pachanga, canciones del verano y caritas bonitas escupiendo romantiqueo fácil.

Los Planetas: la era de la independencia

Las bandas del fenómeno independiente español que sobrevivieron a tal panorama lo hicieron por méritos propios y sin las comodidades de las grandes estrellas. Grupos como Sr Chinarro, Los Planetas o Nosoträsh maduraron tanto en los escenarios como en los estudios de grabación y nos legaron su mejor discografía en los años posteriores a 2000 (a excepción de “Una Semana En El Motor De Un Autobus”, aparecido en 1998 y considerado casi por unanimidad como el mejor álbum de Los Planetas). Pero si algo ha caracterizado al pop-rock español de los 00 ha sido por lo mismo que los 90: el muro infranqueable entre lo indie y lo mainstream.

¿Y cómo se presentan los casi recién estrenados años 10? Con crisis, como todo el mundo sabe. Crisis financiera y crisis discográfica. No se venden discos porque la gente los descarga de Internet. Miguel Bosé no vende las cientos de miles de copias que vendía hace 10 años, ni hay dinero para las promo que hacía hace 5… ¿Resultado? Apenas hace conciertos. Sin embargo, unos desconocidos roqueros gallegos que admiran a My Bloody Valentine y llevan por nombre el título de una canción de New Order se suben a una furgoneta y recorren toda España presentando un álbum en el que aseguran que “llevar navaja siempre es conveniente” o “portaos bien, hijos de puta. Jesús os mira desde las alturas”. Está claro que Triángulo De Amor Bizarro jamás verá un videoclip suyo en Los 40 TV, pero tras las dificultades de su primera etapa, los coruñeses han acabado tocando en festivales como Primavera Sound y Benicàssim los cuales congregan a más de 70.000 personas al día. Está claro: ahora el indie vende y el mainstream, no. No es de extrañar que hoy día las discográficas destinen el dinero que antes gastaban en enseñar a cantar a Bustamante para que Lori Meyers viajen a Los Ángeles a grabar un disco con Sebastian Krys. Los granadinos siguen siendo indies, por cuanto que son independientes: nadie dirige su trabajo ni manipula sus canciones. Pero su música llega a bastante público: al alternativo y al que no lo es tanto. Lori Meyers están contentos porque dan conciertos, y eso es lo que a ellos les da de comer. Y las discográficas están contentas porque venden discos (pocos, pero algo venden). Y, al contrario que los productos que antes manufacturaban, ya no gastan tanto en compositores, coreógrafos, estilistas,… Si algo bueno nos enseñó “Operación Triunfo” (¡mira! Ya he encontrado un icono de la década de los 00) es que para crear un artista de éxito hace falta mucha gente y, por tanto, mucho dinero. Y si ese dinero invertido no se recupera, se van a la mierda Chenoa, Manu Tenorio, y Naïm Thomas…

Lori Meyers (en Universal Music) o Supersubmarina (en Sony-BMG) componen sus propias canciones, gestionan sus propios conciertos y sacan discos cuando realmente sienten necesario sacar un disco. ¿Y las discográficas? Las grandes casas de discos los apoyan. No les queda otra. Por un lado, apoyan al nuevo indie, y por otro, siguen presionando a colectivos como la maloliente SGAE, formada por músicos a cuya creatividad les llegó un día su hora, para inventarse alguna forma de exprimir céntimos… aunque sea robando.

Vetusta Morla: liderando la novísima ola / Ignacio Sánchez

Los más inteligentes de todos, sin duda, son Vetusta Morla. Tras explotar el contador de visitas de MySpace, las majors del sector musical pujaron por ellos. Los de Tres Cantos burlaron las tentadoras ofertas para seguir con la autogestión de la que no cesan de presumir. No en vano, es esa actitud indie (casi punk) la que los ha acercado al público alternativo, mientras que su música (a medio camino entre unos Standstill menos experimentales y un Iván Ferreiro guiñando a Los Piratas de “Manual para los fieles”) los empuja a lo más alto de las listas de ventas en España.

Una lista de ventas en la que también aparece Russian Red que, sin dejar de cantar en inglés, ha dejado las PYMES de lo musical para trabajar con Sony y, pese a ello (y pese a un desafortunado comentario en una entrevista en el que se posicionó políticamente como de derechas) no ha perdido a un público alternativo que la aclamó en el último FIB. En este festival también actuó la mexicana Julieta Venegas, cuyo salto temporal al mainstream parece no cerrarle las puertas a eventos como el veterano de Benicàssim.

Antònia Font y Manel son otros dos ejemplos de indies que se han codeado con Pablo Alborán, Pitbull o Shakira en una lista de ventas que ya no conoce a los productos que, por desgracia, han marcado toda una década como King África, Sonia & Selena, Coyote Dax, Raúl, Chayanne,… y toda la innumerable saga de triunfitos.

Estamos ante nuevos tiempos de la música en nuestro país. El muro que separaba lo mainstream de lo alternativo se ha vuelto a desplomar. El underground es un hervidero de creatividad menos ignorado que hace apenas un lustro. Los más “pop” (que no los mejores) asomarán la cabeza desde las cloacas. Y, aunque no lo hagan, sus nombres ya aparecen en revistas no tan especializadas y en programas que se emiten en horarios en los que la gente suele estar despierta.

Se sobrevalorarán unos grupos y se menospreciarán otros. Se crearán nuevas etiquetas. Nacerá (si no lo ha hecho ya) una nueva clase social melómana que copará festivales y conciertos. Gustará el panorama, y no… Pero, mirémoslo por el lado bueno: los independientes habremos ganado la batalla. Quizá no por mucho tiempo (solo hasta que el monstruo de la industria despierte con nuevos y viles planes) pero exactamente así fueron aquellos años de la movida de los 80.

Esta es la nueva movida. La movida de los 10. ¿La disfrutamos?

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