Van Morrison, Garbage o Tom Jones entre sus novedades.
Tras un primer avance allá por el mes de diciembre, ya podemos ver el cartel al completo de Noches del Botánico para este 2026. Una edición muy especial, y es que el festival madrileño cumplirá una década de vida y lo celebrará con un cartel que incluirá artistas de la talla de Van Morrison, Tom Jones, Nile Rodgers & Chic, Jean-Michel Jarre, ZZ Top o Rick Astley. Pero no solo de grandes clásicos se nutrirá esta edición, y es que la heterogeneidad de estilos volverá a estar presente en la programación: desde Garbage, pasando por Big Thief, Elvis Crespo, Rubén Blades, Biffy Clyro, Él Mató a un Policía Motorizado, Two Door Cinema Club, OMD, Yerai Cortés o el homenaje al Omega de Enrique Morente y Largatija Nick, encargado de inaugurar esta edición tan especial.
Especial atención a artistas como Rigoberta Bandini o Love of Lesbian, quienes ofrecerán tres conciertos durante tres noches consecutivas, o al éxito de venta de entradas de algunos de los shows anunciados hace dos meses, y es que ya hay 9 conciertos con el cartel de entradas agotadas: Rick Astley, ZZ Top, Zaz, Belle & Sebastian o Diana Krall.
Un total de 54 conciertos y más de 60 artistas que se darán cita del 3 de junio al 31 de julio en el icónico Real Jardín Botánico Alfonso XIII de la Universidad Complutense de Madrid, refrescando las calurosas noches del final de la primavera y el comienzo del verano en la capital.
Las entradas para las nuevas fechas confirmadas estarán disponibles a partir del martes 17 de febrero, a las 12:00 h del mediodía, y se podrán adquirir exclusivamente a través de nochesdelbotanico.com y en los puntos de venta de El Corte Inglés. La venta física en El Corte Inglés estará disponible 24 horas después del lanzamiento online.
Cartel Noches del Botánico 2026
Entradas ya a la venta.
Tan solo un año después de visitarnos con motivo de la gira que celebró el 15º aniversario de su homónimo primer disco, The Pains Of Being Pure At Heart volverán a España con otra extensa gira que arrancará el 26 de junio en Tarragona y finalizará el 4 de julio en Terrassa. Nueve fechas para disfrutar de nuevo del pop de los estadounidenses.
Gira de The Pains Of Being Pure At Heart en España en 2026
26 de junio: TARRAGONA (Sala Zero) – Entradas
27 de junio: VALÈNCIA (Sala Moon) – Entradas
28 de junio: MÁLAGA (Teatro Cervantes) – Entradas
29 de junio: SEVILLA (Malandar Music Club) – Entradas
30 de junio: GRANADA (Planta Baja) – Entradas
1 de julio: MADRID (Lula Club) – Entradas
2 de julio: ZARAGOZA (La Lata de Bombillas) – Entradas
3 de julio: MURCIA (Sala REM) – Entradas
4 de julio: TERRASSA (Espai Vapor) – Gratuito
Desde Barcelona, Celestial Bums llevan más de una década explorando los límites de la neo-psicodelia, el shoegaze y el dream pop. Considerados pioneros del género en España y convertidos en banda de culto dentro de la escena europea, su música traza viajes íntimos y cósmicos a través de paisajes sonoros envolventes y profundamente emocionales. Con Minutes From Heaven, su nuevo álbum que saldrá este próximo 13 de febrero, la banda firma el capítulo más personal y liberador de su trayectoria.
Desde vuestro debut en 2012 se os ha considerado una banda en constante transformación. ¿Cómo sentís que ha cambiado Celestial Bums a nivel creativo y humano a lo largo de estos años?
En el plano artístico y creativo, como bien dices, somos un grupo en constante transformación. En cada nuevo disco intentamos que nuestra esencia encuentre otros ropajes para poder manifestarse; nuestro ADN siempre está presente. A veces ocurre, como en nuestro primer álbum homónimo (2012), con canciones de diez minutos en un viaje más profundo e hipnótico; o como en Ascend (2016), donde el rock psicodélico y los muros de sonido cobran mucha fuerza. Después llegaría Sleep Inside a Horse (2020), con un sonido más nítido y abierto, anteponiendo los detalles a las capas de sonido y a la masificación de arreglos.
En el plano personal y humano, el cambio también ha sido importante. Hemos experimentado grandes transformaciones en nuestras vidas, y esto nos ha llevado a replantear muchas cosas: desde la composición y la grabación hasta la estructura y el formato de la banda a la hora de defender el directo. Pero lo misterioso de Celestial Bums es que, a pesar de las dificultades personales y los obstáculos que podemos encontrar ahí fuera, de una manera u otra la banda encuentra fisuras en el sistema para filtrar su música y su mensaje. Hay una fuerza que va más allá de nosotros que nos empuja a continuar.
Minutes From Heaven se presenta como vuestro trabajo más íntimo y personal. ¿En qué se diferencia este disco de los anteriores a la hora de componer y producir las canciones?
Como comentábamos, cada disco se ha hecho en circunstancias distintas, y este también ha sido el caso. La sensación es que en Minutes From Heaven el proceso, en conjunto, ha sido más espontáneo, más libre y ha fluido con mayor facilidad que en otras ocasiones.
A la hora de componer un posible nuevo disco teníamos claro que debía ser algo libre de prejuicios y fijaciones externas. No siempre es sencillo. Decidirnos a hacerlo fue una necesidad, pero conllevaba explorarnos a nosotros mismos sin saber cuáles iban a ser los resultados. No ha sido necesariamente un proceso corto, como imaginábamos al principio, pero los temas han surgido con más claridad y de forma más directa.
A nivel de producción, esta se ha quedado en casa. Hemos tomado las decisiones que considerábamos oportunas y, diría, nos hemos escuchado más que otras veces. Únicamente Bobby Hecksher, de The Warlocks, se involucró en el proceso de producción y nos dio su valiosa opinión, que por supuesto tuvimos en cuenta.
El álbum fue escrito durante un periodo de profunda transformación personal para Japhy Ryder. ¿Hasta qué punto lo emocional y lo vital marcaron el sonido y las letras del disco?
El proyecto había pasado por un periodo de menor actividad, y eso dio lugar a transformaciones vitales en otros ámbitos. Uno tiene que aprender a digerir esos cambios y no olvidar cómo quiere seguir escribiendo su propia vida ni qué decisiones debe tomar para lograrlo. Expresar cómo te sientes, descubrir qué resuena en tu interior… Para Japhy, hacer todo eso a través de una melodía o una letra es una forma esencial de autoconocimiento y alivio.
Vuestra música siempre ha orbitado entre la neo-psicodelia, el shoegaze y el dream pop. ¿Creéis que este nuevo LP define de forma definitiva vuestro universo sonoro o es solo una nueva estación en el viaje?
Muy probablemente nuestro universo sonoro primordial nació con una impronta, una huella que, a lo largo de nuestros trabajos, ha seguido siendo muy reconocible. En este sentido, alcanzamos una madurez sonora desde nuestros inicios; de hecho, ese fue el gran punto de partida que nos unió a todos. Comprendimos bien la esencia de un estilo que por aquel entonces aún era bastante desconocido a nivel nacional, y éramos plenamente conscientes de ello.
Por lo tanto, podríamos decir que nuestro nuevo trabajo, más allá de lo sonoro, plantea un universo más emocional y personal.
Habéis girado extensamente por Europa y compartido escenario con bandas clave del género. ¿Qué ha cambiado en vuestra forma de tocar en directo después de tantos kilómetros y experiencias compartidas?
Es un gran aprendizaje poder girar por Europa; uno aprende mucho observando cómo el otro se desarrolla en el escenario y también fuera de él. Resulta muy interesante situarse como observador y espectador de los músicos y bandas con los que compartimos cartel: se aprende muchísimo.
Es maravilloso poder salir de casa y encontrarte con un público y lugares nuevos. Es una experiencia profundamente inspiradora.
En vuestras canciones hay un equilibrio muy marcado entre la calma introspectiva y la catarsis distorsionada. ¿Ese contraste nace de forma consciente o es algo que surge de manera natural en el proceso creativo?
Creo que, al igual que nuestro sonido, en nuestra propia naturaleza oscilamos entre esos dos aspectos. Nos sentimos muy cómodos en los temas de medio tiempo, buscando constantemente una belleza envolvente que, a su vez, contenga momentos de ruptura.
Podemos decir que ese contraste del que hablas es necesario para expresarnos y que surge de manera natural durante el proceso.
Muchas críticas destacan que es en directo donde se revela vuestra verdadera intensidad. ¿Cómo afrontáis la adaptación de un disco tan introspectivo como Minutes From Heaven al escenario?
El directo es donde realmente somos felices y donde podemos expandirnos sin las limitaciones técnicas del estudio de grabación. En ese sentido, en nuestros nuevos conciertos volvemos al formato de quinteto, con tres guitarras sobre el escenario. Teníamos claro que, si regresábamos al directo, queríamos hacerlo con todas las consecuencias.
Eso nos da un extra de intensidad que nos gusta aportar en el live.
Mirando hacia adelante, ¿qué os gustaría que el oyente se lleve después de escuchar Minutes From Heaven de principio a fin, tanto a nivel emocional como sensorial?
Tenemos que aprender, como artistas, que una vez que el disco sale a la luz no podemos pretender controlar lo que el oyente debe sentir o percibir. Resulta muy ilusionante dejarse sorprender: aquellas ideas que dábamos por cerradas quizá se transforman cuando, del otro lado, surge una nueva visión de la canción.
Puede tratarse de una melodía que no era protagonista y que se descubre a medida que aumentan las escuchas, o de una frase de la letra que el oyente recibe y que conecta directamente con sus emociones, tanto a nivel emocional como sensorial.
Prosigue la evolución irrefrenable de Familia Caamagno y lo hace a través de una nueva muestra de inquietud por saber cómo girar sobre sí mismos, no perder su esencia y, al mismo tiempo, señalar hacia nuevos territorios.
Así, tal como queda plenamente refrendado desde el primer corte de su nuevo LP, “Disco comarcal” nos sumerge en las matemáticas post-disco patentadas por Franz Ferdinand a comienzos de siglo. Y, la verdad, es que el resultado no podría ser más revitalizante. Tanto como lo son nuevas perlas para su repertorio como “Bomba de calor”, en la que incluso recuperan el brío de los primeros (y mejores) The Strokes.
Por su parte, en “Día de festa” empapan la ortodoxia The Smiths en licor café a la gallega. Y es que, precisamente, la seña de identidad más valiosa del grupo de Sigüeiro es vampirizar sus referentes anglosajones dentro de una dialéctica eminentemente autóctona. O lo que es lo mismo, más universal por estar arraigada a una panorámica fácilmente reconocible, donde, más allá de utilizar el gallego como idioma pop, reproducen una sensación eminentemente atlántica de trazo rural a través de la que brotan verdaderas gemas como “Segnor do pasado”, en la que incluso nos hacen creer que el espíritu de los The Clash del 79 sigue vivo en estos días de micro nichos y demás superficialidades algorítmicas.
No, en el caso de los Caamagno, su discurso emana una sensación irrefrenable de crear comunidad con sus celebraciones, casi como el sueño húmedo de sonar como una versión Stax Records de la patente power-pop. Dicho de otra manera, para esta ocasión, ocho maneras de darle una vuelta al concepto himno a base de arreones de pura energía, tal como queda refrendado en “Miragre económica”, con la que se cierran estos 25 minutos de pura fibra. Los mismos con los que subrayan por qué cuando hay que mirar hacia Galicia, mejor evitar a The Rapants y demás sucedáneos del hype insustancial, e ir directamente al latido que bombea bajo las coordenadas de lo que debería ser entendido siempre como rock and roll.
Única fecha en España en su gira europea.
Sumergidos en una época desbordantemente productiva (en agosto lanzaron No Rain, No Flowers), The Black Keys anunciaron hace pocos días el lanzamiento de un nuevo trabajo, el 14º de estudio en su carrera. Bajo el título de Peaches! el dúo formado por Dan Auerbach y Patrick Carney nos regalará, en palabras de Auerbach, su “disco más natural desde su debut en 2002 con The Big Come Up”. Un álbum de versiones que verá la luz el próximo 1 de mayo y tiene en “You Got to Lose”, tema de George Thorogood and the Destroyers, su primer adelanto.
Con motivo de este nuevo disco el grupo se embarcará en una nueva gira que los traerá a Europa a finales de agosto, aterrizando en nuestro país el 13 de septiembre. El Movistar Arena será el único recinto que pisen en España dentro de su gira, en el que será el regreso de The Black Keys a un recinto de la capital 14 años después.
Las entradas para esta fecha de The Black Keys en Madrid estarán a la venta el 13 de febrero a las 10h en www.livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés, aunque el jueves 12 de febrero se abrirán preventas especiales tanto para los clientes del Banco Santander como los usuarios de Live Nation a partir de las 10:00h. El precio de las entradas será de 65 euros más gastos de distribución.
A pesar de las fabulosas críticas recibidas por “Reversia”, no cabe duda de que tras varias escuchas del segundo LP de Salvana, se han quedado cortas las loas hacia su abrumadora mística shoegaze. O lo que es lo mismo, un huracán eléctrico de belleza reparadora. El mismo para el cual se sirven del libro de instrucciones básico de las dinámicas sónicas de dicho estilo, pero que ellos llevan a un intimidante grado emocional gracias a himnos en la nevera con la intensidad cegadora de “Espiral”, la propulsión atómica de “Alas Rotas” o dentro de la pausa slowcore desde la que enhebran “Último vals”.
Pero antes de llegar a estos picos de inspiración radiante, las cartas ya están echadas desde que el álbum arranca con “Letargo”, toda una declaración de intenciones sobre lo que nos vamos a encontrar a lo largo de los 41 minutos de distorsión en modo Slowdiv gracias a hitos de la cósmica noise como “Desierta” y “Metamorfina”. Precisamente, ambos cortes son la muestra principal de una capacidad innata del cuarteto barcelonés para sacarse de la manga singles con gancho pop como pocos grupos pueden hacer hoy en día.
En la instrumental “…Sin signos violencia”, muestran una panorámica en cinemascope del vibrato MBV que ellos adaptan a su propia caligrafía. La misma desde la que también se sumergen en los oníricos mares procelosos que surcan cara gramo de la también instrumental “Brumas”. Quizá sea en dicho tema en el que están más cerca que nunca de la arquitectura noise barroca que Cocteau Twings integraron como nadie dentro de la dialéctica dream-pop. Sin duda, una muestra simpar de los poderes abrigados por Salvana para jugar con los desequilibrios entre calma y tempestad. Los mismos que tallan en monolitos de energía pop que cuestionan la imbatibilidad de sus propios referentes, véase Slowdive, Ride la familia del sello Captured Tracks, pero también a Blacanova, seguramente, el grupo nacional de ortodoxia shoegaze más brillante hasta la fecha, a quienes desafían su legado con el disco shoegaze nacional más brillante de lo que llevamos de década. Poca broma.
La venta general se abrirá el viernes 13 de febrero.
El 21 de marzo del año 2006 Band of Horses publicaron Everything All the Time, su álbum de debut con el que consiguieron que su folk-rock llegara a millones de oyentes, y no solo gracias a la archiconocida “The Funeral”. “The Great Salt Lake”, “Monsters” o “Wicked Gil” son algunas de las canciones que nos enamoraron en su momento y que veinte años después siguen estando vigentes.
En este 2026, coincidiendo con este redondo aniversario la banda de Ben Bridwell se embarcará en una gira mundial que hará escala en Europa con la llegada del otoño. Entre todas las fechas anunciadas Barcelona y Madrid pondrán el broche a este tour de aniversario casi a finales de octubre.
Fechas de Band of Horses en España
21 de octubre: BARCELONA (sala Razzmatazz)
22 de octubre: MADRID (sala La Riviera)
La venta general para estos dos conciertos de Band of Horses en España se abrirá este viernes 13 de febrero a partir de las 10:00h en Livenation.es y Ticketmaster. Sin embargo, los clientes del Banco Santander podrán acceder a un preventa desde mañana mismo, martes 10 de febrero, a las 10:00h, abriéndose otra preventa el miércoles 11 a la misma hora para los usuarios de Live Nation. El precio de las entradas será de 50 euros más gastos.
Sting colabora en el vídeo de presentación.
Si el 2025 terminó con el inesperado anuncio de una pausa indefinida de Ca7riel & Paco Amoroso y la postergación de un supuesto nuevo disco titulado Top of the Hills, ahora el dúo argentino parecen activar de nuevo su carrera con la confirmación, ahora sí, de su segundo álbum que llevará por título Free Spirits.
La sorprendente noticia la ha dado a conocer nada más y nada menos que Sting a través de un vídeo de 7 minutos, colgado en las redes del dúo, donde se erige como CEO y fundador del Free Spirits Wellness Center, donde habría conseguido rehabilitar a los argentinos para realizar este trabajo, donde él mismo colaborará. Un disco que previsiblemente tendrá 12 temas y que verá la luz el 19 de marzo.
“Este disco no es solo un lanzamiento. Es la primera iniciación global en nuestro método, el primer paso para convertirse en un verdadero espíritu libre. Por primera vez en 35 años, los espíritus libres se revelarán al mundo”. (Cita de Sting)
Una estupenda campaña de marketing para uno de los álbumes más esperados de este 2026 tras el éxito inesperado que obtuvieron con Baño María (2024) y sobre todo con su actuación en Tiny Desk.
Abonos a la venta a 45 euros.
Apenas un par de semanas después de anunciar la fecha de su próxima edición, el festival madrileño Blockparty desvela su cartel al completo. Un cartel donde prima la presencia de bandas internacionales y que tiene en las estadounidenses Die Spitz como su gran baza. Y es que con su debut Something to Consume (Third Man Records, 2025) han conseguido llamar la atención con su sonido que salta entre la contundencia del metal y la rabia del punk.
Los californianos Uni Boys y Fast Kids, proyecto donde encontramos a Mike Brandon (The Mystery Lights) y a Noah Kohll (Color Green), ponen el broche al apartado internacional de un cartel que contará con la eficacia de Mujeres y su interminable lista de hits coreables, y su paisanas Sandré, expertas en crear pildorazos de punk bailable.
Una edición que promete ser de las más divertidas de su corta historia y que se celebrará en el recinto de Madrid Río el sábado 6 de junio. Tras poner los primeros abonos a un precio especial, ahora se pueden comprar a través de Ingresse a partir de 45 euros.
Cartel Blockparty Arganzuela 2026
Se publicará el 1 de mayo.
Weird Nightmare, el proyecto de Alex Edkins (ex-METZ), confirma la publicación de su segundo álbum titulado Hoopla. Un trabajo que volverá a contar con el apoyo de Sub Pop, como su debut de 2022, y que tras el single “Forever Elsewhere”, publicado el pasado mes de octubre, tiene en “Might See You There” un nuevo adelanto.
Este tema es definido por el músico canadiense como una “pieza pegadiza y crujiente”, contando con los coros de Julianna Riolino. Según Edkins “la canción trata sobre volver a mi ciudad natal y sentirme inundado por la nostalgia. El aburrimiento y el aislamiento de un pueblo pequeño casi parecen un regalo en el mundo hiperconectado de hoy. Recuerdo con cariño pasar horas en el sótano aprendiendo a tocar todo el disco Let’s Go de Rancid con mis amigos”.
Diez temas grabados en los estudios Machines with Magnets, del productor Seth Manchester, que han sido producidos entre Edkins y Jim Eno, batería de Spoon.
Weird Nightmare – “Might See You There”
Tracklist de Hoopla
1. Headful of Rain
2. Might See You There
3. Baby Don’t
4. Forever Elsewhere
5. Never in Style
6. Pay No Mind
7. If You Should Turn Away
8. Little Strange
9. Bright City Lights (ft. Julianna Riolino)
10. Where I Belong
Foto de portada por Colin Medley.