Gira por tres ciudades poco habituales.
Fontaines D.C. volverán a nuestro país este próximo verano tras su paso por la edición de 2025 del Primavera Sound. Los irlandeses, convertidos en auténticas estrellas visitarán tres ciudades para nada habituales dentro del panorama de giras internacionales: Cádiz, Alicante y Pamplona. Una suerte para estas localidades y un detalle para una formación que tras su celebrado Romance (2024) ha visto como dos de sus canciones, “A Hero’s Death” y “Romance”, aparecen en la banda sonora de la película “Peaky Blinders: el hombre inmortal”, estrenada este marzo
Conciertos de Fontaines D.C. en España
8 de agosto: CÁDIZ (Baluarte de la Candelaria)
11 de agosto: ALICANTE (Puerto de Alicante)
13 de agosto: PAMPLONA (Ciudadela)
Las entradas para estas tres fechas saldrán a la venta el próximo viernes 29 de mayo a las 11 horas. Con anterioridad, el jueves 28 de mayo a las 11 horas se pondrá en marcha una preventa también para los tres conciertos a través de la promotora Houston Party, teniendo que apuntarse en el siguiente enlace. El grupo también abrirá una preventa para todos aquellos que se apunten a su lista de correos a partir del miércoles 27 de mayo a las 9 horas.
Este año lanzarán nuevo disco.
Los granadinos Apartamentos Acapulco celebran los diez años de “Scarlett”, uno de sus singles más celebrados. El single, que apareció originalmente el 23 de mayo de 2016, vuelve convertido, como ellos nos avisan, en algo distinto: “una celebración de todo ese tiempo, una revisión necesaria y una deuda pendiente”.
En palabras de la banda “Scarlett siempre ha sido una de las canciones más importantes de nuestra historia y sentíamos que no existía una grabación de estudio capaz de representar realmente lo que la canción significaba para nosotros. Esta nueva versión nace precisamente de ahí: de la necesidad de encontrar por fin un sonido, una mezcla y una interpretación que sí hagan justicia”.
El lanzamiento llega acompañado además de una edición especial en vinilo de 7 pulgadas llamado 10 años del enamoramiento y otras historias. Este edición física incluye otra versión inédita de Scarlett junto a Charly Gang, primer bajista de la banda y la persona que dio nombre a la canción, además de una cara B (también inédita) llamada Fuego, con la colaboración de Joaquín Pascual, uno de los artistas más admirados e influyentes para la banda. Una edición física que por cierto se encuentra ya completamente agotada tras vender todas sus copias en preventa.
Os recordamos que la banda publicará nuevo álbum del que ya pudimos escuchar hace un par de meses “Santos Mártires”.
Apartamentos Acapulco – Scarlett
Gira de Apartamentos Acapulco
20 de junio: LINARES (Hospital de los Marqueses de Linares) entradas
21 de agosto: ALBURQUERQUE (Contempopranea)
18 de septiembre: MÁLAGA (Sala Marte) entradas
2 de octubre: BILBAO (Bilborock)
3 de octubre: MADRID (Sala El Sol) entradas
13 de noviembre: LLEIDA (Sala Tocata) entradas
14 de noviembre: BARCELONA (Sala Vol) entradas
27 de noviembre: LUGO (Sala Clavicémbalo) entradas
28 de noviembre: OVIEDO (Lata de Zinc) entradas
11 de diciembre: TARRAGONA (Sala Zero) entradas
12 de diciembre: ZARAGOZA (La Lata de Bombillas) entradas
18 de diciembre: VALENCIA (16 Toneladas)
Portada por Guillermo Arias.
Días atrás salí de Murcia con la ceja levantada. Viva Belgrado habían dejado allí una actuación de esas que no terminan realmente hasta que el cuerpo consigue asimilar la bofetada que acaba de recibir. Hubo potencia, nervio, precisión y una forma de entender el directo que no parecía depender solo de armar mucho ruido, sino de algo más serio: pulsión, control. Así que la pregunta era inevitable: ¿qué pasaría con todo eso en Córdoba, su ciudad, dentro de una sala pequeña, sin escapatoria, y delante de los tuyos? Así que hubo que ir a comprobarlo a la Sala Hangar. Y la respuesta no tardó mucho en aparecer.
Me encontré una sala llena, unas 180 o 200 personas, aforo completo y un aroma muy distinto al de cualquier festival. Allí no vi público de paso, ni curiosos despistados, ni gente pillando la primera fila esperando a que empezara otra cosa. Vi fans. Público joven, camisetas negras, caras de ilusión, algún emo resistiendo con honor, algún gótico perdido —o quizá encontrado— y esa concentración de fieles que no van a descubrir una banda, sino a saborearla.
Fin del Mundo abrió la noche con parte de su gente delante. Se las notó algo nerviosas, quizá demasiado pendientes de la posterior actuación de Viva Belgrado, pero también agradecidas con ese pequeño núcleo de fans entusiasmados que las recibió con cariño. Hubo fragilidad, sí, pero también sensibilidad peculiar y ensoñadora que les caracteriza y que funcionó cuando las canciones encontraron aire.
Margarita Quebrada tuvo la difícil papeleta de cerrar después de que Viva Belgrado hubiera arrasado la sala. Quedaba menos gente y el ambiente demolido por la descarga anterior, pero aun así me gustaron: melódicamente sólidos, con buenas descargas de energía y un vocalista entregado que empujó el concierto con oficio y ganas. No era fácil salir ahí después del incendio, y salieron. Pero estaba claro desde el inicio que la sala pertenecía a Viva Belgrado. Era una noche de confirmación.
Y ahí estuvo, para mí, la clave: Viva Belgrado no hicieron en Córdoba el típico concierto de vuelta a casa. No escuché discursitos, ni sentimentalismo local, ni palabrería agradecida chupipandi. Ninguna concesión a la simpatía, cero. Ningún “qué bonito estar aquí” convertido en coartada emocional, cero. Y esa fue una reflexión que me iba cristalizando de vuelta al hotel: el mejor homenaje a su ciudad fue tocar como si no estuvieran en su ciudad.
Sin rebajar un milímetro la fuerza, sin dulcificar el discurso, sin convertir la cercanía en complacencia. A los fans de casa no les dieron una versión amable ni doméstica. Les dieron el golpe entero, ese golpe en la nuca típico de la banda. En una sala pequeña, además, ese golpe a bocajarro cambia de naturaleza. Al aire libre, la energía de Viva Belgrado al fin y al cabo encuentra una rendija: cielo, distancia, aire, un plan de fuga por el que escapar. En Hangar no. Allí sentí que el sonido no encontraba salida. Rebotaba contra paredes, techo, cuerpos y pecho. No se expandía: se comprimía; en esa sala, la rendija eras tú.
Por eso viví el concierto como una implosión. No sonaban simplemente fuertes; sonaban encerrados contigo. El volumen no era una masa informe, fue potente claro, con filo. Una pared, sí, una pared bien levantada y gruesa. Sin barro. Presión. Volví a encontrarme con una banda técnicamente impecable, muy rodada, con esa seguridad de quien ya no necesita justificarse. Hubo algún pequeño problema técnico, pero lo resolvieron con discreción, sin drama y sin romper el pulso. Viva Belgrado iban a lo suyo: encadenar temas, sostener la tensión y descargar.
Cristina fue, para mí, el gran centro físico de la noche. Si en Murcia me pareció escondida y huidiza, más absorbida por el bloque, en Córdoba la vi dar un paso al frente. Se plantó en el escenario como diciendo: esto es lo que hay; las hostias, si podéis, a mí. A Cándido lo vi cómodo sin tener que ser el centro de gravedad. Agazapado en las sombras, menos frontal, apretando la garganta y empujando desde dentro. A veces apartarse medio paso no es desaparecer: es dejar que el animal asome de otra forma más visceral. El batería a lo suyo, con una misión bastante sencilla y directa: aporrear sin parar aunque ardiera el edificio. Sin pedir permiso, empujando el concierto hacia delante pasara lo que pasara. Y Jaime, guitarra, se sumó a la fiesta con la misma lógica: sin estridencias, sin aspavientos, también semioculto, concentrado y sin concesiones.
Con esos roles perfectamente asumidos, y en la intimidad y cercanía de un escenario en miniatura, Viva Belgrado funcionaron como bloque de granito, fluidos, compactos, asfixiantes. Todo parecía al servicio de una maquinaria que no buscaba caer simpática, sino funcionar como se debe funcionar.
Solo vi un pequeño paréntesis de relajación cuando las integrantes de Fin del Mundo subieron al escenario para ese juego compartido, un gesto simpático entre bandas que por un momento bajó el drama, aflojó el músculo y abrió una pequeña brecha de humor y complicidad entre artistas. No rompió la noche. La aireó. Y casi se agradeció, porque después Viva Belgrado retomaron la pulsión como si nada: vuelta al puño, vuelta al ruido, vuelta al dragón.
Eso fue Hangar para mí: una sala pequeña convertida en una olla a presión. Una banda tocando ante los suyos sin rebajarse por estar ante los suyos. Una noche sin abrazos de hermanamiento, pero con algo más valioso: respeto duro. Puño y Dragón. Puño por la fuerza, por la descarga, por esa manera de tocar sin aflojar la mano ni pedir permiso. Por el sonido comprimido, por Cristina levantando el bajo como si fuese un cuchillo y dejándolo caer clavándose en la sala. Dragón, por la banda actuando como una criatura descomunal encerrada en una habitación minúscula: respirando fuego, devorando el aire, moviéndose por instinto, sin parar de golpear. No hubo caricia local ni postal de regreso. Hubo una forma más honesta de volver a casa: sacar al animal entero. Viva Belgrado no acariciaron Córdoba, le dieron el golpe entero, directo al estómago, sin retirar la mano.
Galería del concierto de Viva Belgrado en Córdoba
Hablamos por Zoom con Iñaki López, cantante y compositor de Kokoshca, sobre Divino Tesoro, el nuevo disco de la banda. Durante la conversación charlamos sobre la evolución del grupo, el paso del tiempo, el rock, las nuevas generaciones y la forma en la que Kokoshca ha conseguido mantenerse como una de las bandas más personales de la escena indie nacional.
Teniendo en cuenta que acabáis de publicar un nuevo álbum. ¿Cómo ha sido vuestro proceso creativo, como nacieron las canciones, cómo fueron creciendo? ¿Y cómo han envejecido con el tiempo?
Bueno, era un ejercicio extraño que no habíamos hecho nunca, que era básicamente revisitar canciones de hace 15 o 18 años. Llevábamos tiempo dándole vueltas a hacer una especie de recopilatorio, pero veíamos que no tenía mucho sentido a nivel técnico, porque mezclar canciones más recientes, que están bien grabadas y suenan bien, con otras más antiguas que, por falta de medios, sonaban peor, era complicado.
Entonces dijimos: “Joder, hay una época inicial de nuestra vida que quizá tuvo menos visibilidad porque era todo más underground”. Editábamos con un sello, Birra y Perdiz, que hacía tiradas de 150 CDs grabados en discos vírgenes. Era un circuito muy pequeño, pero también muy estimulante. Ahí conocimos a gente como Antonia, de Los Punsetes, o Germán Carrascosa y Alegría del Barrio.
Pensamos que era guay recuperar esas canciones porque muchas nos seguían gustando. Es verdad que también hemos ido creciendo, tanto como personas como artistas, pero seguimos reconociéndonos en ellas. No sé si estoy respondiendo o me estoy pasando, pero bueno, como está grabado, esto es lo que queda.
Todo perfecto, Iñaki. La nueva versión de «El Búho», como primer adelanto, tiene un rollo bastante ochentero; recuerda un poco a The Cure o Décima Víctima. ¿Teníais ese sonido en mente o surgió de forma natural?
¿Ah, sí? Pues la verdad es que no lo habíamos pensado así. Ya entiendo lo que dices: hay un sintetizador que hace un sonido muy betacam y que puede recordar a cierta música ochentera que nos gusta mucho. Pero, en realidad, siempre hemos pensado que es un rock and roll muy sincero. Cuando la compusimos, hacia 2013 o así, teníamos más en mente a New York Dolls.
Un gran grupo. Más punk.
Sí, más punk. Siempre hemos tirado más hacia el punk, aunque al final muchas de esas bandas también tenían mucho de pop. De hecho, Robert Smith decía que les llamaban góticos por la estética de sus videoclips, que tenían un punto oscuro o de terror, cuando en realidad sus canciones eran súper pop.
Los vídeos de The Cure eran increíbles. «Close to Me», por ejemplo, con ellos metidos en un armario cayendo por un precipicio, me parece una auténtica maravilla. Divino Tesoro no es solo un recopilatorio, también aporta una nueva perspectiva sobre vuestra trayectoria. ¿Qué os hizo volver atrás en vez de hacer un álbum nuevo?
Bueno, un poco lo que te estaba diciendo. Habíamos acabado hacía poco La juventud y teníamos en mente, por el juego de palabras, hacer un EP que se llamase Divino Tesoro. Pero esta idea llevaba tiempo rondándonos. Nos costó saber cómo darle forma: si teníamos que regrabar las canciones o dejar las originales, cuáles meter y cuáles no. Pero cuando finalmente lo hicimos, entendimos que también era guay volver a esas canciones con la libertad de cambiar una estructura si hacía falta, o dejarla igual si estaba bien. Un poco la libertad de hacer lo que quisiéramos.
Coincidió también con un momento en el que quizá tenemos más visibilidad y pensamos que había canciones que molaban mucho y que conocía la gente que estaba desde el principio, pero que otra gente igual no había escuchado nunca. Y nos apetecía darles un poco de salida otra vez.
Siempre habéis tenido ese punto entre lo social, la vida cotidiana, los sentimientos y el humor. Canciones como «El Mal» (que es muy cachonda pero también muy política) por ejemplo. ¿Cuáles son las preocupaciones de Kokoshca en este momento?
Bueno, están los temas universales, que serían la vida, el humanismo, el amor y esas cosas. Y luego está el momento actual, el del tecnofeudalismo y todo este rollo, este cambio geopolítico en el que tienen mucha importancia estos nuevos ricos de Silicon Valley, que están cambiando nuestra manera de relacionarnos y también nuestra manera de sentir a través de los dispositivos y del poder.
Con los años os habéis convertido en una banda influyente dentro de la escena indie patria. El año pasado os vi en las fiestas de la Mercè, en Barcelona, y me llamó la atención la cantidad de chavales que había entre el público. ¿Cómo os sienta seguir conectando con nuevas generaciones y ver que sigue asistiendo gente joven a vuestros conciertos?
Pues muy guay, la verdad. Sí que existe ese temor de que tú vas creciendo y que sea el público de tu edad el que te siga acompañando. Pero también me sorprende y me agrada mucho que venga gente joven, que cante las canciones y que conecte con ellas. Es muy agradecido.
Yo siempre he pensado que la clave para que un grupo tenga una carrera larga es encontrar una nueva generación de oyentes con cada disco. Está el público fiel que os sigue desde hace años, pero también hace falta sangre nueva constantemente. Y vosotros lo habéis conseguido: en cada etapa habéis sumado nuevo público, y eso es lo que mantiene viva a una banda durante tanto tiempo. Al final, incluso grupos como The Rolling Stones siguen sacando discos después de décadas de carrera porque han sabido mantenerse conectados con distintas generaciones.
Sí, sí. La verdad es que no lo había analizado tanto. Lo de encontrar nuevas generaciones con los discos sí, pero aplicado a nosotros no lo había pensado así. Y sí, es verdad que pasa.
También es guay porque, al final, cualquier persona, aunque tenga su propia personalidad o su propia visión del mundo, comparte muchas de las mismas preocupaciones. Entonces está bien encontrar gente nueva que se acerque a las canciones y conecte con ellas. Y también creo que todo el sonido más guitarrero, con grupos jóvenes que han seguido un poco esa estela y que además son fans declarados de Kokoshca y de otros grupos, ha ayudado a visibilizar ese entorno. Y eso está guay.
Es magnífico. El disco salió en el Record Store Day. Resulta curioso que el formato físico haya vuelto con fuerza en plena era del streaming. ¿Qué lugar ocupan hoy el vinilo y las tiendas de discos para vosotros?
Yo creo que es una contestación natural, no solo hacia lo físico. La gente quiere tener objetos. Hay gente que se compra un disco y ni siquiera tiene tocadiscos. Pero creo que hay algo contestatario en eso, o simplemente algo natural.
Quiero decir, cuando inventen una pastilla para que los hombres no pierdan pelo —que seguramente será pronto—, igual lo diferente acaba siendo ser calvo. Pues esto es un poco lo mismo: cuando el mainstream es el streaming, seguir teniendo un objeto como un vinilo le otorga otro valor al oyente. Me refiero a toda la relación de comprarlo, tenerlo, ir a una tienda de discos o a una firma. Es un tejido más orgánico y más de comunidad que quizá el aislamiento del streaming.
Las tiendas de discos ya no tienen la importancia como prescriptoras que tenían en los 80 o los 90, donde nosotros ni siquiera estábamos. Pero han sido capitales para las escenas musicales. Cuando no había internet, la gente iba a la tienda de discos de no sé quién porque había traído discos de Londres o cosas difíciles de encontrar. Es una generación anterior a la mía, pero siempre han sido lugares importantes para construir comunidad. Y eso también nos molaba por una parte: otorgarle valor al disco como objeto. Divino Tesoro tiene una edición un poco más cuidada que otras, con una carpeta que se abre así, con dos puertas, dos portadas… Queríamos darle valor también al recorrido histórico y a toda esa gente que lleva tanto tiempo ahí, ganándose la vida con mucho esfuerzo, porque las tiendas de vinilos tampoco es que den precisamente mucho dinero.
Durante muchos años me dejé seducir por el streaming, pero con el tiempo he vuelto al vinilo y al formato físico. Poco a poco he ido recuperando una colección y la verdad es que disfruto mucho más de la experiencia de escuchar música en casa así. Hay algo especial en tener los discos físicamente y también en el componente de coleccionismo, que había olvidado durante más de una década. Al final, volver a comprar música en formato físico ha sido, de alguna manera, volver a los orígenes.
Quiero decir que todo eso puede coexistir perfectamente con el streaming, que también puede ser maravilloso. De repente quieres escuchar un disco de Fela Kuti o cualquier otra cosa, lo buscas y lo tienes ahí, y eso está muy bien. No estoy en contra de eso. Pero, como dices, el ritual de poner un disco, levantarte a mitad para cambiar la cara… todo eso le otorga otro valor a la experiencia. Más allá de las tendencias actuales o de plataformas como TikTok, donde todo parece reducido a 30 segundos para destacar una canción. Es otra cosa completamente distinta.
Después de una carrera tan larga ¿la necesidad de crear música sigue siendo tan importante como el primer día para vosotros?
A ver, buena pregunta. La necesidad, yo diría que sí sigue estando. La manera de hacerlo quizá cambia, porque cuando empiezas todo puede ser más puro, más inocente o más fresco, como quieras llamarlo. No tienes más expectativas que aceptar esa necesidad de hacer cosas.
Como dice Amaia, nosotros empezamos un poco por aburrimiento. Yo intento romantizarlo y pensar que había una necesidad interior muy fuerte, pero la realidad es que tampoco teníamos expectativas. Éramos de la época de MySpace: subíamos un par de canciones, a alguien le gustaban y no sé muy bien cómo acabaron llegando a Madrid y al sello del que te hablaba antes.
Quizá ahora hay más oficio y también es verdad que entras más en los tiempos y en el ritmo de la industria. Pero la necesidad de expresar algo sigue ahí. No es tanto “tengo que explicar esto o me muero”, sino que es una manera de mirar el mundo que está contigo las 24 horas.
La diferencia es que ahora quizá todo es más pautado y antes era más libre. Pero sí, yo creo que sigue siendo una forma de vida. No es exactamente igual ni permanece intacta, pero sigue estando ahí.
Como músicos, evidentemente no sois los mismos que al principio. Con los años llegan la experiencia, los conciertos, el rodaje y el trabajo con distintos productores, y eso hace que una banda evolucione y madure. Nadie nace aprendido. También pasa mucho que parte de la crítica o del público idealiza los primeros discos de ciertos grupos y se queda anclada ahí para siempre. Ha ocurrido con bandas como The Strokes, donde mucha gente sigue señalando el debut como la cima absoluta de su carrera, independientemente de todo lo que hayan hecho después. En vuestro caso, habéis tenido la suerte —o quizá el mérito— de escapar un poco de esa visión tan reduccionista. Vuestra carrera no se ha quedado atrapada en una sola etapa, sino que habéis sabido evolucionar sin perder identidad, y eso es algo que no todas las bandas consiguen.
Son masivos, claro. La cosa es que, bueno, también entiendo que, como The Strokes fueron tan exitosos, todo eso se magnifica mucho más. Nosotros, como hemos sido un grupo más desconocido, quizá no pasa tanto. Y luego también está la crítica, que al final era la de un fan inicial al que quizá no le gustó tanto esta revisitación. Pero bueno, es una cosa extraña, porque realmente no estaba criticando canciones nuevas, sino esta nueva visión de las canciones.
Hablando de envejecer… En vuestro anterior trabajo había muchas referencias al paso del tiempo («Cuando callen estos viejos…»). ¿Sentís que poco a poco vais acercándoos a esos “viejos” de los que hablabais?
Sí, bueno, hay cierta ironía en esa canción, «La juventud». Intentábamos ser una especie de médium o de contenedor desde nuestra madurez, por decirlo así, desde nuestra edad actual, que son ya 40 o 42 años, y proyectar esa idea más teenager de la juventud, pero también riéndonos un poco de ella. Porque en ese disco también hablamos de que existe una edad biológica y una edad mental. Y de que la mirada de cada persona, como decía Kenji Mizoguchi, sigue intacta aunque pasen los años.
Sí, claro que ya somos esos viejos. Pero no los viejos que no dejan hablar a los jóvenes o que viven anclados en otra época. No somos esos. Somos viejos molones, que es muy diferente. Está el viejo tradicional y luego está el viejo molón. Vosotros sois viejos molones y yo también. Pero también existe el joven viejo, el típico chaval de 20 años que ya parece un señor. El viejo joven, el viejo chiste.
El viejoven (risas). Siempre habéis sido un grupo bastante comprometido, con un trasfondo político y social en vuestras letras. ¿Sentís que esto sigue siendo una parte central de la banda hoy en día?
A ver, yo creo que nunca hemos sido un grupo panfletario o especialmente político, como sí pueden ser otras bandas. Pero sí que hemos tenido una mirada crítica y bastante atenta hacia todo lo que pasa alrededor.
Bandas como The Clash siempre me han parecido increíbles, pero las letras de Joe Strummer eran mucho más directas, casi como un panfleto político o anarquista. El punk, al final, tenía mucho de eso: un mensaje frontal, sin demasiados rodeos. Vosotros, en cambio, sois más sutiles en vuestra manera de abordar ciertos temas. Hay una intención y una mirada crítica, pero nunca desde un discurso tan explícito o tan directo sobre lo que el oyente tiene que pensar.
Sí, yo creo que somos un grupo político, aunque no al uso. Quizá más humanista, más atento a todas esas visiones políticas que tienen que ver con la vida de la gente. Entonces, si veo que nuestras ciudades están llenas de obras y que están echando a la gente de sus barrios y todo este rollo, pues claro que eso me afecta. Y sí, yo qué sé, vamos a manifestaciones y todo eso. Así que sí, sí somos políticos.
Y en general, ¿creéis que el rock sigue siendo una voz de la calle? ¿O ese papel lo están ocupando ahora otros géneros, como el reguetón?
Bueno, yo creo que el reguetón sí lo fue en su momento. Ahora ya no sé si lo es tanto, quizá porque ya se ha convertido en mainstream. Creo que ahora mismo la voz de la calle está más en el reguetón, el rap y toda la música urbana, el drill y todo ese rollo. Pero el rock and roll también sigue teniendo algo de eso. Al final cualquiera puede hacer rock and roll: son tres acordes, algo popular, algo del pueblo. Y yo creo que eso sigue vigente. De hecho, me parecen géneros que, tanto el rock and roll como el rap, tienen esa cosa muy simple y a la vez muy popular, muy directa y muy guay, que consigue llegar a mucha gente. Esa es mi visión. Igual estoy equivocado y sí está muerto, no lo sé. Pero yo creo que no.
Yo todavía conservo la esperanza de que el rock and roll vuelva a tener el peso que tuvo en los años noventa, cuando las bandas de guitarras dominaban las listas y marcaban el pulso de la industria musical. Ojalá en algún momento vuelva a suceder algo así, porque sería una gran noticia para quienes seguimos creyendo en ese espíritu del rock.
Yo no sé si volverá como en los noventa, pero sí creo que es algo cíclico. También, hablando con Luis, de Sonido Muchacho, me decía que las guitarras vuelven. Y si te fijas, ahora mismo hay mucha gente tocando con guitarras otra vez. No sé si eso va a significar volver a ver a Nirvana o algo así siendo número uno, obviamente. Pero sí, creo que hay espacio para todo.
Y ya para terminar, tengo una última pregunta. En realidad me la sugirió mi amigo David, que fue quien me llevó a vuestro concierto y que además es muy fan de la banda. Me dijo: “Hazles esta pregunta”. Así que voy a apropiármela un poco. Para alguien que os descubra hoy por primera vez a través de Divino Tesoro, ¿qué creéis que va a encontrar en el disco?
Bueno, a ver, buena pregunta, David. Yo diría que quien nos descubra por primera vez con Divino Tesoro va a encontrar lo que fuimos y lo que somos. O sea, nuestra esencia. Son canciones de nuestras primeras etapas que ahora hemos cambiado un poco o revisitado, pero que siguen mostrando muy bien quiénes somos. Igual algunas son más ingenuas o distintas a las que hacemos ahora, pero son parte de nosotros totalmente.
Próximos conciertos de Kokoshca
Viernes 5 de junio: MÁLAGA (Red Friday) – entradas
Sábado 6 de junio: SEVILLA (Malandar) – entradas
Jueves 11 de junio: MADRID (Copérnico) – entradas
Viernes 24 de julio: SAN SEBASTIÁN (Jazzaldia) – entradas
Foto de portada por Rubén Almonacid.
Como cada año, la segunda quincena de mayo nos trae POR FIN lo que llevábamos esperando desde la salida del cartel del Primavera Sound 2026: el plano y los horarios.
Fuente de alegría y de enfados. De solapes y de nuevas playlists para terminar de preparar el festival. Nuestro consejo es que aproveches la propia app del Primavera Sound para hacerte las rutas, es una de las mejores maneras de no tener que imprimir y tenerlo todo a mano cada día cuando te pierdas mil veces.
No ha sido un año muy dramático en cuanto a solapes y parece que este año tocará no alargar demasiado las sobremesas y entrar prontito al recinto. Se recuperan los conciertos en el Auditori (<3) y en el mapa aparece alguna cosilla nueva más (¿hola? ¿escenario Disney con un cabezón de Mickey que no sabemos cómo traducir?)
Si todavía tienes dudas con los horarios te recordamos que tenemos una lista de bandas menos obvias que pueden pasar a ser tus favoritas.
Y si no tienes entrada, recuerda que en la app de AccessTicket está la reventa legal de abonos y entradas de día, sin bots ni cosas raras.
Tic tac, tic tac, nos vemos en la cuesta del Parc del Fórum.
Única fecha en España.
Mike D, miembro fundador de Beastie Boys, actuará en Barcelona, en La [2] de Apolo el próximo martes 16 de junio, dentro de su gira europea que hará escala en tan solo 8 ciudades.
Tras el fallecimiento de su compañero Adam Yauch en 2012, Mike y Adam Horovitz se centraron en documentar la historia del grupo a través de la biografía oficial (Beastie Boys Book) y su posterior adaptación cinematográfica en un documental dirigido por Spike Jonze y estrenado un par de años después (Beastie Boys Story).
En esta nueva etapa el artista de Nueva York comienza su carrera en solitario teniendo en “Switch Up” su carta de presentación. .
Las entradas anticipadas de este concierto de Mike D en Barcelona se pueden comprar a través de Fever a un precio de 30 euros más gastos.
Aún quedan unas últimas confirmaciones por anunciar.
Pocos días después de sumar nuevas confirmaciones el Low Festival presenta la distribución por días para la que será su primera edición en Torrevieja. El festival, que se celebrará los días 31 de julio, 1 y 2 de agosto en el Parque Antonio Soria, presenta una programación marcada por grandes nombres internacionales (The Hives, Editors o Kasabian), referentes nacionales (Love of Lesbian, Sidonie o Iván Ferreiro) y algunas de las propuestas más destacadas de la escena actual (Barry B, Alcalá Norte o Depresión Sonora).
Las entradas de día se pueden comprar desde 37,99 euros más gastos de distribución, con un cupo muy limitado, a través de su web. Además, habrá un descuento especial también limitado para personas empadronadas en Torrevieja.
Cartel Low Festival 2026
Entradas ya a la venta.
Cuando el madrileño ciclo Sound Isidro está dando sus últimos coletazo empezamos a descubrir cuáles serán las propuestas de su hermano MAZO para la segunda mitad de 2026 y el arranque del 2027.
Casi 40 artistas tanto nacionales como internacionales, que atraviesan diferentes géneros y generaciones, estarán protagonizando la que será la edición más ambiciosa y extensa del ciclo. Entre ellos destacan los alemanes The Notwist (en la foto de portada), quienes en marzo publicaron el sobresaliente News from planet zombie, Parquesvr presentando Mitos y Leyendas en La Riviera, Crocodiles, BODEGA, el diablo de shanghai, Vapors of Morphine, Dora Band (nuevo proyecto entre Kinder Malo y Pimp Flaco) o Papá Levante.
Las entradas anticipadas de todas las fechas se pueden comprar a través de DICE.
Programación ciclo MAZO 2026/2027
2 de julio: Rolando Bruno @ Wurlitzer Ballroom [entradas]
12 de julio: Acid Tongue @ Wurlitzer Balroom [entradas]
31 de julio: FEDERALE @ Maravillas Club [entradas]
4 de septiembre: Sonido Gallo Negro @ Clamores [entradas]
7 de septiembre: BODEGA @ El Sol [entradas]
12 de septiembre: Pete Molinari @ Wurlitzer Ballroom [entradas]
17 de septiembre: RUBIO @ Sala B [entradas]
18 de septiembre: Pedro Ladroga @ Copérnico [entradas]
18 de septiembre: Daniela Díez @ Siroco [entradas]
24 de septiembre: Papá Levante + restinga @ BUT [entradas]
24 de septiembre: NEURA @ Siroco [entradas]
2 de octubre: Black Maracas @ Sala B [entradas]
3 de octubre: el diablo de shanghai @ Copérnico [entradas]
8 de octubre: For Your Information @ El Sol [entradas]
9 de octubre: Boyanka Kostova @ El Sol [entradas]
15 de octubre: Kid Mount @ Maravillas Club [entradas]
16 de octubre: AySay @ Cadavra [entradas]
16 de octubre: Pastora @ BUT [entradas]
17 de octubre: Guzmen @ Siroco [entradas]
19 de octubre: Songhoy Blues @ Sala Villanos [entradas]
21 de octubre: Crocodiles @ Clamores [entradas]
22 de octubre: La Rate Timide @ Siroco [entradas]
23 de octubre: De Fem @ Maravillas Club [entradas]
23 de octubre: Me Acuerdo de Todo @ Cadavra [entradas]
29 de octubre: Santa Rita @ Wurlitzer Ballroom [entradas]
30 de octubre: PANTERA BLUE @ Maravillas Club [entradas]
31 de octubre: Dora Band (Kinder Malo + Pimp Flaco) @ Copérnico [entradas]
31 de octubre: Kelley Stoltz @ Clamores [entradas]
5 de noviembre: Vapors of Morphine (ex Morphine) @ Copérnico [entradas]
6 de noviembre: Casapalma @ El Sol [entradas]
6 de noviembre: Error 97 @ Copérnico [entradas]
14 de noviembre: Técnicas y Procedimientos @ Siroco [entradas]
18 de noviembre: The Notwist @ Sala Mon Live [entradas]
20 de noviembre: Parquesvr @ La Riviera [entradas]
21 de noviembre: TRONKAS! @ El Sol [entradas]
21 de noviembre: Sedientos de Cumbia @ Maravillas Club [entradas]
10 de diciembre: Cecilio G @ BUT [entradas]
12 de diciembre: Kid Kapichi @ El Sol [entradas]
El 3 de junio arranca su décimo aniversario.
La Zona Momentos Alhambra de Noches del Botánico regresa con una programación repleta de propuestas artísticas variadas y sugerentes en el décimo aniversario del ciclo de conciertos.
El cartel de 2026 despliega una programación diversa y alineada con el espíritu artístico de cada jornada. Durante el mes de junio pasarán por este escenario nombres como Lucía Espín, Deivhook, Julia Cry, Marcos French, Postcode, Sara Zozaya, De Rancho, Junnio, Elem, Ruto Neón o Sao, junto a Cristina Len, Tregua, Miss Blanche o Juandi Zafra, además de los DJ sets de Oski y Dichas.
En la segunda parte del festival, la programación continúa con sesiones como las de Fernando Navarro, Manuel Maside y DJ Miguel A. Sutil, y actuaciones de Decode, Sunset Noir, Dmasso Live, Dry&Wet, Atempo o Anouck The Band, además de propuestas como Biela, Because Yes, Carlota Urdiales, Lima Shakes, Alejandro Escalera Trío, Três, Sabor y Tumbao o Funky Times. A lo largo de toda la edición, Juan Melov volverá a ejercer como DJ residente, hilando la experiencia con sus sets versátiles.
Ubicado en uno de los espacios más reconocibles del Real Jardín Botánico Alfonso XIII de la Universidad Complutense de Madrid, este escenario se ha consolidado, edición tras edición, como punto de encuentro para el descubrimiento musical dentro del festival. Desde la apertura de puertas a las 19:30 h, el público puede sumergirse en una experiencia sonora continua que invita a llegar antes, quedarse después y vivir la música sin prisa, descubriendo nuevos sonidos y prolongando cada noche hasta el cierre.
Noches del Botánico celebrará en este 2026 su décimo aniversario con un cartel que recoge una variedad de interesantes propuestas: desde Tom Jones, pasando por Garbage, ZZ Top, Biffy Clyro, Van Morrison, Two Door Cinema Club, Rick Astley, OMD o Jean-Michelle Jarre entre otros muchos.
A través de nochesdelbotanico.com y en los puntos de venta de El Corte Inglés se pueden comprar todavía las entradas de los conciertos que aún no han agotado sus localidades.
Adelanto de su nuevo trabajo.
Después de un año de silencio Cupido regresan con “Troleo”, un tema donde cuentan con la colaboración de l0rna y que anticipa la que será la nueva etapa del grupo madrileño.
Es así como se anuncia la llegada de Amor Compartido, un disco construido a partir de colaboraciones y pensado como expansión de su universo sentimental, pop y generacional. En este sentido “Troleo” juega en otro terreno respecto a trabajos anteriores. La base es mucho más contundente, menos synth pop y más rock, casi como si Cupido estuviesen escribiendo una crónica sobre guitarras gigantes y musculosas.