El viernes 20 de marzo se abrirá la venta general de entradas.
Tras más de año y medio de gira por todo el mundo, Sigur Rós confirman dos fechas en España como parte de la última etapa del ‘The Orchestral Tour’, donde la banda islandesa se ha arropado por orquestas locales de 41 músicos para dar vida a su último álbum ÁTTA, que vio la luz en 2023, amén de otros grandes clásicos.
Estos últimos conciertos de la gira comenzarán el 31 de agosto en Edimburgo y a nuestro país llegarán pocos días después: el 11 de septiembre a Barcelona y el 15 a Bilbao. Citas en las que estarán acompañados por el director Robert Ames junto a la Orquestra Simfònica del Vallès y la Bilbao Orkestra Sinfonikoa, respectivamente.
Fechas de Sigur Rós en España
11 de septiembre: BARCELONA (Auditori Fòrum CCIB)
15 de septiembre: BILBAO (Palacio Euskalduna)
Las entradas para los conciertos de Barcelona y Bilbao estarán a la venta este viernes 20 de marzo a las 10:00h. Para Barcelona a través de doctormusic.com y entradas.com, y para Bilbao en doctormusic.com y euskalduna.eus. Los precios oscilarán entre los 64,40 euros y los 178,25 euros para Barcelona y para Bilbao entre los 82,50 euros y los 170,50 euros. Sin embargo, los fans del grupo que pertenezcan a su club podrán acceder a una preventa especial desde el miércoles 18 de marzo.
Últimamente me había acostumbrado a asistir a conciertos con un cierto tirón, quiero decir, a ver a bandas con más o menos nombre que fácilmente te llenan una sala media de la capital. Por circunstancias de la vida me había alejado de los pequeños grupos, tanto nacionales como internacionales, que comienzan a abrirse hueco y que, jugando con el factor de la novedad, suelen recompensar con buenos momentos. Y este es el caso de los escoceses Humour. El tener al Primavera Sound organizando sus fechas en España hizo que tuviera un cierto interés por ese post-punk con cierto deje hardcore del que hablaba la nota de prensa, y lo que en Learning Greek encontré me hizo acudir, sin dudarlo, a la sala Wurlitzer Ballroom.
Sobre las tablas los de Glasgow saben trasladar a las mil maravillas todas las bondades de su adictivo debut. Con pocas concesiones y respiros, Andreas Christodoulidis y el resto de la banda se dedicaron a exprimir el pequeño escenario de la céntrica sala capitalina, chocándose los unos con los otros, intercambiándose sus sitios, en definitiva, dotando de dinamismo al directo. Era su primer concierto en España y el grupo no estaba dispuesto a desperdiciarlo. Sin banda telonera que hubiera calentado un poco el ambiente previo, Humour comenzaron sin dejarse los mejores temas para el final.
Arrancaron con “Aphid”, ese corte que me hace recordar a los extintos Forward Russia! Con “Neighbours” y “Memorial” el grupo nos mostró las dos vertientes que tienen para crear singles redondos: bien a base de acercarse al post-harcore melódico, o bien con melodías pegadizas y un tono más pop/rock. Todo rápido, con ritmo, con sudor, que siempre es más fácil convencer si se muestra empeño.
Los temas iban cayendo como golpes en el rostro de un boxeador, siendo “Learning Greek” una especia de tiempo muerto en el que poder darle un trago a la cerveza para continuar con el recital. Es ahí el grupo comenzó a virar algo más a su época anterior con temas de sus EPs previos como “pure misery” o “yeah, mud!”, llegando incluso a mostrarnos temas nuevos que habiendo surgido en estas últimas semanas de gira. Han pillado una buena ola y parece que no quieren bajarse de ella. Ojalá que así sea porque con temas como “Plagiarist”, con el que cerraron tras casi una hora de bolo, merece la pena no perderles el rastro y celebrar estas giras tan necesarias.
Galería del concierto de Humour en Madrid
La Sala Berlanga de Madrid ha acogido la XI edición del Premio Ruido, el galardón al mejor disco nacional del año votado por los más de 300 profesionales que integran la Asociación de Periodistas Musicales (PAM). El elegido ha sido ‘Todas las cosas buenas’ (2025) de Rufus T. Firefly, que se ha impuesto a los últimos trabajos de artistas como Rosalía, Guitarricadelafuente, Valeria Castro, Pumuky, shego y Repion, entre otros.
El ya octavo álbum de estudio del grupo explora una etapa más ecléctica y madura en su sonido. La banda liderada por Víctor Cabezuelo y Julia Martín-Maestro amplifica en sus 14 canciones su habitual gusto por las texturas inmersivas y ese sonido entre psicodélico y emocional. Un trabajo producido por Manuel Cabezalí, que combina momentos introspectivos con pasajes más expansivos.
La gala, conducida por la periodista Alex Gara, arrancó con los propios Rufus T. Firefly interpretando “Camina a través del fuego”, y sirvió para reivindicar un año especialmente fértil para la música española, reuniendo a prensa, artistas y profesionales del sector. Durante la velada se repasaron los doce discos finalistas y se interactuó con algunos de los nominados allí presentes, como Pumuky, Frente Abierto y FUET!
Vivimos la doble colaboración especial sobre el escenario entre Repion y Rufus T. Firefly interpretando “Viernes” de las primeras y “Canción de Paz” de los segundos. La última formación en subir al escenario fueron las también nominadas shego, que aprovecharon para estrenar su nuevo single “amiamiga” con la que inician una nueva etapa.
El encargado de entregar el Premio Ruido a Rufus T. Firefly fue el veterano periodista Julio Ruiz. Víctor Cabezuelo quiso dedicárselo a “la gente que hace música y periodismo con el corazón y no con la cartera”. El Premio Ruido está organizado por PAM y The Live Club y patrocinado por AIE, La Fundación SGAE y AGEDI. La gala contó con un programa especial en directo de El Resto es Ruido de Radio 3.
Foto de portada por Nabscab.
Lima Negra es una banda de Granada que mezcla rock con ritmos latinos y una clara atmósfera nocturna. El proyecto surge después de que sus integrantes pasaran por otros grupos y sintieran la necesidad de empezar una nueva etapa: cantar en español y buscar un sonido más personal, más libre.
Su primer disco, Peligros, publicado a través de Montgrí reúne canciones con guitarras crudas, ritmos que invitan a moverse y letras que hablan de amor, caos y de esas historias que suelen aparecer de madrugada. Un debut que combina la energía del rock con un imaginario urbano y algo oscuro muy propio.
Venís de otros proyectos musicales. ¿En qué momento sentisteis que era el momento de arrancar algo nuevo y darle forma a Lima Negra?
Vivíamos en Londres, en Kentish Town, en una casa donde reinaba el caos, siempre había singulares personajes rondando por la casa y aquello parecía un bar más que una vivienda. En esas fiestas que se organizaban en casa poco a poco fuimos poniendo música que era totalmente ajena a nuestro radar. Comenzaron a sonar artistas como Daniel Magal, Chavela Vargas, bandas como Triana o Mano Negra. Así de forma natural al día siguiente con el bajón físico y emocional comenzamos a escribir las canciones de Peligros.
En vuestro primer disco, Peligros, se mezclan el rock con ritmos latinos y una atmósfera bastante nocturna. ¿Cómo fue tomando forma ese sonido?
Nosotros trabajamos en bastante detalle las maquetas, como un trabajo previo al estudio, y una vez en Producciones Peligrosas con Jose al mando, se empeñó en bajar al sonido de raíz y hacerlo sonar actual. En cada canción quizá tardábamos una semana en encontrar el enfoque que deseábamos y luego lo desarrollábamos, fue un proceso muy largo pero también muy gratificante. Creo que el rock y el punk son nuestra esencia, quienes somos, y en Peligros demostramos el juego que puede dar eso, saludando a otros géneros como el flamenco, la música urbana, y habernos sumergido en todo eso proceso nos influye muy positivamente en nuestro desarrollo personal como artistas.
En muchas de vuestras canciones aparecen noches largas, amor, caos o personajes un poco al límite. ¿De dónde nacen esas historias: de vivencias propias, de la imaginación o de mirar lo que pasa alrededor?
De la imaginación desde luego que no. Por suerte o por desgracia hablamos de lo que nos pasa, de como perdemos gente a la que amamos por idiotas, de diferentes escenarios en los cuales no queremos estar pero siempre nos encontramos, como si forma maquiavélica allí el destino nos colocase. Nos quejamos pero sin eso no seríamos nada. Cuando no pasa nada, en seguida nos las apañamos para provocarlo. Somos nuestras vivencias. Por ejemplo en Maria Isabel contamos la historia autodestructiva de una amiga que reinaba las noches de Camden. Son letras agridulces, crudas, pero bellas, humanas, reales.
Cambiar al español también cambia la forma de escribir. ¿Cómo ha influido el idioma en la manera en que os expresáis como banda?
Ha sido un descubrimiento maravilloso. Dominamos el inglés bastante bien pero no deja de ser algo prestado. Escribir en nuestro idioma nos permite expresar con mayor lucidez ciertos rincones oscuros de nuestra alma. Dependiendo de que tipo de canción estés escribiendo no hay problema con el idioma, pero el perfil de canción que tenemos en Peligros no hubiese sido posible hacerlo en inglés.
El disco tiene algo muy cinematográfico. Si Peligros fuera una película, ¿qué historia contaría?
Pepi, Luci, Bom, y otras chicas del montón.
Granada tiene una escena musical muy potente desde hace años. ¿De qué manera os ha marcado la ciudad en vuestro sonido o en vuestra forma de trabajar?
Yo creo que en mucho. Juan y yo solos no hubiésemos podido sacar este álbum tal y como está plasmado, hubiese salido otra cosa, no se si mejor o peor, probablemente peor, pero no lo que tenemos. Nos hemos rodeado de un equipo artístico indescriptible que han aportado la esencia musical de lo que se escucha en este álbum, todo ello comandando por Jose que ha sabido en todo momento que es lo que quería y como conseguirlo. Los músicos que han participado en la grabación nos dejaban con la boca abierta cada vez que pasaban con el estudio. Ahora son todos colegas y muchos de ellos tocan en directo con nosotros.
¿Cómo está respondiendo el público cuando tocáis las canciones de Peligros en directo? ¿Hay algún tema que se haya convertido ya en favorito?
Hasta ahora, Pena y dolor y Día de muertos, básicamente porque ya estaban ahí como singles antes de la salida del álbum, todavía no hemos tocado después del lanzamiento, pero estamos seguros que la gente que se anime a venir será porque se ha escuchado el álbum y se saben los temas. Los próximos conciertos son el 24 de abril en Madrid en Hangar 48 para Sound Isidro y en Barcelona el 28 de mayo en Sala Vol, así que desde aquí hacemos un llamamiento a que se apunte todo el mundo al universo Lima, garantizamos una tremenda resaca.
Ahora que el primer disco ya está en la calle, ¿qué viene para Lima Negra? ¿Nuevos sonidos, colaboraciones o más kilómetros de carretera?
Pues viene todo eso! Lima Negra es un proyecto abierto, sin especificar géneros, el primer álbum suena así, veremos por donde van los tiros en el segundo. Ya tenemos grabada una colaboración con una artista que nos super flipa y también nos flipó cuando quiso hacerla, aunque todavía nos guardamos el secreto de quien es… y horas de carretera (y manta), tiene pinta de que nos quedan bastantes, pero eso mola, en UK somos expertos en atracar las áreas de servicio cuando estamos de gira, hambre no pasamos.
Próximos conciertos de Lima Negra
24 de abril: MADRID (Hangar 48) – ciclo Sound Isidro
28 de mayo: BARCELONA (La Vol)
Entradas a la venta a partir del 13 de marzo.
Los estadounidenses Drug Church pasarán por nuestro país a finales del mes de septiembre como parte de su nueva gira europea. Tras su debut en España en la edición del 2024 del Resurrection Fest, los de Albany estarán actuando en Donostia, Madrid y Barcelona en una gira organizada por el Primavera Sound, quien parece haberle cogido el gustillo a montar bolos de bandas más cercanas a la escena hardcore rock que a la “indie”.
Sea como fuere solo quedar por saber si cuando lleguen a nuestro país tendrán nuevo disco que presentar o PRUDE (Pure Noise Records, 2024) seguirá siendo su último LP.
Fechas de Drug Church en España
Sábado 26 de septiembre: DONOSTIA (Dabadaba)
Domingo 27 de septiembre: MADRID (Nazca)
Lunes 28 de septiembre: BARCELONA (La Nau)
Las entradas para los conciertos de Madrid y Barcelona estarán a la venta en Fever a un precio de 22 euros más gastos de distribución a partir del 13 de marzo a las 11:00h, mientras que las de Donostia estarán disponibles a través de DICE.
Cuando uno se enfrenta a Humble, el nuevo disco de Atzur, conviene tener presente que el dúo todavía está definiendo su propio territorio. Su debut, Strange Rituals (2023), ya apuntaba una dirección bastante clara: pop alternativo con ambición épica, mucha electrónica y una evidente inclinación por la intensidad emocional. Este segundo trabajo no rompe con aquella fórmula, pero sí la desarrolla con mayor seguridad y un sonido más amplio.
Incluso el propio nombre del grupo ayuda a entender su imaginario. “Atzur” remite a ese azul profundo del cielo —un concepto asociado históricamente a la pureza, la protección o la firmeza— y esa idea parece atravesar también su música: una mezcla de fragilidad y resistencia, de vulnerabilidad luminosa y pulsión épica.
El título tampoco es casual. Humble gira en torno a una idea bastante reconocible: la tensión entre mostrarse vulnerable y, al mismo tiempo, defenderse en un entorno que muchas veces empuja a lo contrario. No es un disco conceptual en sentido estricto, pero varias canciones comparten ese clima de lucha interior y de reconstrucción después del golpe.
El single de presentación «Now I’m Happy», un tema expansivo que funciona como puerta de entrada al universo del dúo. Sobre una base electrónica sólida, la canción levanta un estribillo inmediato que deja clara la intención del disco: equilibrar emoción y energía.
La canción que da título al álbum, «Humble», cambia ligeramente el tono. Aquí el grupo apuesta por un sonido más nervioso y juguetón, con una producción cercana al hyper-pop. El tema juega con cierta ironía alrededor de la idea de “ser humilde”, cuestionando las expectativas externas con un enfoque sarcástico y pegadizo.
En «Psychodrama» aparece el lado más teatral de Atzur. La producción acentúa la tensión emocional y construye una atmósfera casi cinematográfica, muy en línea con ese dramatismo que parece formar parte de su identidad desde el principio.
«Chaos» retoma la energía del disco con un enfoque más directo. Es uno de los momentos más accesibles del álbum y demuestra que el dúo sabe construir canciones que funcionan igual de bien en una escucha tranquila como en el contexto de un concierto.
En una línea similar aparece «Hate Me», uno de los singles más potentes del elepé. Aquí Atzur apuestan por un pop electrónico directo. La canción gira en torno al conflicto emocional y a esa relación complicada con la mirada de los demás: afirmarse aunque eso implique incomodar. Un tema con pegada que encaja perfectamente dentro del universo de Humble.
Hacia el final aparece «A Gentle Kind of Ruthlessness», probablemente uno de los momentos más contenidos del conjunto. Aquí bajan un poco las revoluciones y se mueven en un terreno más íntimo, con una electrónica suave que deja espacio a la voz.
Lo cierto es que estamos ante un trabajo muy convincente que confirma el enorme potencial del dúo. Humble no solo consolida su propuesta, sino que los sitúa entre los nombres más interesantes del pop alternativo nacional actual. Un elepé ambicioso, emocionante y con personalidad propia que, sin duda, merece un lugar destacado entre los mejores álbumes nacionales de 2026.
Según se informa, la promotora Live Nation ha llegado a un acuerdo provisional con el Departamento de Justicia de los Estados Unidos para intentar poner fin a la demanda federal antimonopolio que le fue interpuesta, evitando de esta manera la disolución de la empresa.
Este acuerdo, según fuentes, implica varios cambios estructurales importantes en el negocio de Live Nation, entre ellos la imposición de límites a los contratos de exclusividad a largo plazo que Ticketmaster ha utilizado para vincular a los recintos a su plataforma y permitir que estos también asignen una parte de sus entradas para su venta en plataformas de la competencia.
Live Nation también estará obligada a vender más de 13 de los anfiteatros que posee y gestiona en el país norteamericano, y limitará las comisiones por servicio de las entradas vendidas en los anfiteatros de Live Nation al 15 % del precio de la entrada.
El acuerdo también exige a Ticketmaster que abra parte de su plataforma a empresas de venta de entradas rivales, permitiendo que terceros vendedores, como SeatGeek o Eventbrite, puedan publicar entradas directamente a través de Ticketmaster.
El acuerdo también exige a Live Nation el pago de millones de dólares en concepto de daños y perjuicios a los estados que se unieron al Departamento de Justicia en la demanda contra la empresa en mayo de 2024, que, según se informa, oscilan entre 200 y 300 millones de dólares.
El acuerdo, que aún está pendiente de la aprobación de un juez federal, tampoco supondría necesariamente el fin del litigio contra Live Nation, ya que varios fiscales generales estatales han declarado que tienen intención de continuar con sus demandas incluso si el Departamento de Justicia llega a un acuerdo.
«Seguiremos luchando por este caso sin el Gobierno federal, para que podamos garantizar justicia para todos los perjudicados por el monopolio de Live Nation», afirmó la fiscal general de Nueva York, Letitia James, en un comunicado en respuesta a la noticia del acuerdo.
Hasta ahora, The Wall Street Journal informa que 10 de los 39 estados que se unieron a la demanda del Departamento de Justicia contra Live Nation han aceptado el acuerdo marco.
Bajo la administración Biden, el Departamento de Justicia, junto con 39 estados y el Distrito de Columbia, demandó a Live Nation en 2024, acusando a la empresa de ejercer un control monopolístico sobre la industria de los eventos en directo en Estados Unidos. La demanda fue el resultado de una investigación de varios años en la que el Departamento de Justicia examinó si Live Nation había cumplido el decreto de consentimiento que firmó como parte de su fusión con Ticketmaster en 2010, así como cuestiones relacionadas con las políticas de precios dinámicos y reventa, los acuerdos que obligaban a las salas a utilizar la plataforma de Ticketmaster y los contratos exclusivos con artistas en gira y la gestión de salas.
Por su parte Live Nation lleva mucho tiempo defendiendo que la frustración de los fans con la industria del entretenimiento en directo es errónea, ya que los artistas son los principales responsables de fijar los precios de las entradas y la mayor parte de los gastos de gestión van directamente a los recintos.
El pasado 6 de marzo, el cantautor malagueño El Kanka inauguró su nueva gira en el Cartuja Center CITE de Sevilla dentro del ciclo Festival Insólito, y lo hizo como mejor sabe: convirtiendo un concierto en una reunión entre amigos. El recinto, lleno para la ocasión, fue el punto de partida de una gira que presenta su nuevo disco La calma, aunque el repertorio también dejó espacio para algunos de los himnos más queridos de su carrera.
La puesta en escena apostó por la sobriedad: pantallas verticales, iluminación cálida y una escenografía limpia que permitía centrar la atención en lo esencial. Sobre ese escenario, El Kanka apareció casi desde la penumbra para abrir la noche con Será mejor que sepas lo que estoy planificando, marcando desde el inicio el tono narrativo y cercano que define sus directos.
El concierto avanzó alternando canciones recientes con clásicos que el público coreó sin reservas. Temas como La apuesta, Para eso canto o Guapos y guapas fueron calentando el ambiente, mientras que Los compadres ofreció uno de los momentos más emotivos de la noche, precedido por una breve reflexión del artista sobre la amistad y el paso del tiempo.
Parte del encanto del malagueño reside en su capacidad para desdibujar la distancia entre escenario y platea. Más que un recital al uso, su directo funciona como una conversación constante: bromas improvisadas, comentarios cómplices y pequeñas historias que transforman cada canción en una escena compartida. Esa cercanía se hizo especialmente palpable en pasajes más desnudos del concierto, cuando la voz y la guitarra bastaban para sostener la emoción del público.
El tramo final añadió también el habitual toque teatral del artista, que mezcló humor, reflexión y un guiño escénico antes de los bises. El cierre llegó con Canela en rama, coreada por todo el auditorio y convertida en una celebración colectiva que dejó al público cantando el célebre verso: “No estamos locos, que sabemos lo que queremos”.
Dos horas después del inicio, el concierto terminó confirmando lo que ya es casi una tradición en sus directos: que las canciones de El Kanka funcionan menos como un repertorio y más como un espacio de encuentro donde la ironía, la ternura y la vida cotidiana se dan la mano.
Galería del concierto de El Kanka en Sevilla
Setlist
Será mejor que sepas lo que estoy planificando
La apuesta
Para eso canto
Yo prefiera
Los compadres
Andalucía
Vengas cuando vengas
Para vivir
Ansiedad
Benditos
Volar
Eres
Pensando en ti
La calma
Querría
Sí que puedes
He dicho que no
Limpieza general
Por tu olor
Para quedarte
Le pasa solo al resto
Qué bello es vivir
Sabéis quiénes sois
Canela en rama
Con motivo del lanzamiento de su nuevo disco “Un cantautor debe morir” entrevistamos a O’Cristo.
Cristobal, el proyecto de O’Cristo se consolida con un nuevo álbum que está a punto de lanzarse ¿Cómo van esos nervios?
Con muchas ganas ya de que salga, la verdad. Terminé de grabarlo hace casi un año, pero se alargó el proceso de mezcla, las colabos y luego toda la parte no musical (diseños, fotos, vídeos… etc.). Creo que además es un disco que merece la pena escuchar completo, o al menos varias canciones seguidas, para pillar la onda. Y solo dura media hora por lo que te lo puedes volver a poner si te has quedado con ganas de más jeje.
Estoy seguro, porque intuyo las dificultades y esfuerzos que supone hoy pelear por hacerse un hueco y “salir adelante” en esto de la música, que la batalla de grabar un disco se parece bastante a lo que sufrió Sísifo ¿Cuánto hay de arte, compromiso, esfuerzo, suerte, apoyos externos, etc. en esto de lanzar un nuevo largo?
La parte de componer y grabar es la bonita, es la que hace que todo merezca la pena y lo que pone la maquinaria en marcha. Te mentiría si te dijera que me ha costado hacer este disco. Lo compuse y lo grabamos bastante rápido, me pilló una racha bastante creativa. Lo difícil es todo lo que viene después… dar con un equipo al que le guste el disco y quiera trabajar contigo, perseguir a los medios, promocionarlo en redes, hacer portadas/fotos/vídeos con poco presupuesto… En un proyecto emergente como este, todo se hace por amor al arte, por suerte con algunos apoyos externos de gente que cree en el proyecto.
Tu primer adelanto, “Conmigo y contra mí”, marcó el tono del proyecto mezclando tu raíz andaluza, estética lo‑fi y una producción con Turian Boy ¿Cómo surgió toda esta combinación y por qué decidiste que fuera la puerta de entrada al álbum?
Fue una de las primeras canciones que grabamos y marcó un poco la línea estético-musical del álbum, así que nos cuadraba que fuera la primera en salir. En el disco hay, a grandes rasgos, tres tipos de canciones, las que están basadas en el groove y el toque lo-fi, las que tiran más hacia el folk americano y las que tienen un sonido más indie pop etéreo y chill.
En “Subir las apuestas”, segundo adelanto, das un giro más vitalista y psicodélico junto a Kike de Vera Fauna ¿Qué aportó esta colaboración a tu universo creativo y qué opinas del pelotazo que han pegado los buenos de Vera Fauna con su último disco?
Vera Fauna son mis andaluces favoritos y me alegro infinito de lo bien que les está yendo con el nuevo álbum, se lo merecen 100%. Me hizo mucha ilusión que Kike quisiera subirse (nunca mejor dicho) a este tema porque justo es la única canción alegre y vitalista del disco y creo que conecta mucho con algunas de sus canciones.
Los adelantos comparten guitarras procesadas, una sensibilidad lo‑fi y esa mezcla entre psicodelia suave e indie pop con colaboraciones de alto nivel ¿Dirías que esta paleta sonora resume la identidad del álbum o los temas restantes abrirán nuevos sonidos o direcciones creativas?
Creo que los singles de adelanto resumen bastante bien toda la paleta sonora y lírica del disco. Si acaso, hay un par de canciones que tiran más hacia el folk alternativo que serían ese nuevo matiz que la gente podrá descubrir cuando salga el álbum completo.
En varias entrevistas y notas de lanzamiento se menciona que estás redefiniendo lo que puede ser un “cantautor contemporáneo”, jugando con la electrónica, la raíz sureña y la experimentación ¿Cómo entiendes hoy ese concepto de cantautor y qué distancia marca este disco respecto a tus trabajos previos?
Ahhh! La verdad es que el título del disco es un poco irónico. En todos los proyectos que he tenido siempre han hecho mucho hincapié en la calidad de las letras, en que eran letras de cantautor (aunque musicalmente el proyecto fuera por otros derroteros). Es cierto que con este disco he intentado hacer letras más directas y comprensibles con las que el oyente pueda conectar más fácilmente (al menos en algunas canciones, en otras creo que no lo he conseguido jeje). El título es una forma también de quitarle peso al contenido tan “trascendental” de las letras.
Me flipan de tus letras lo emocional, la reivindicación social, pero todo aparece envuelto en un entorno delicado pero directo ¿Cómo afecta tu proceso personal y emocional al modo en que compones y produces?
Al principio mis letras eran bastante autobiográficas pero con el paso de los años he aprendido a escribir desde la ficción, o desde situaciones que son reales pero que no me han pasado a mí (o me pasaron hace muchos años y ahora las utilizo para convertirlas en otra cosa). También a veces parto de cierta escritura automática, aunque por supuesto algunas canciones siguen siendo 100% autobiográficas y parten de un sentimiento concreto.
Tus producciones son muy de atelier, muy detallistas y, diría, que hasta minimalistas ¿Qué te atrae de ese enfoque tan detallista en contraste con letras cada vez más directas e íntimas?
El detallismo extremo de la producción es 100% obra de Alex (TURIAN BOY), productor del disco que se pegó un trabajo descomunal para llevar cada canción a otro nivel a base de detalles, glitches, ruiditos…
La repercusión de la apuesta de O’Cristo va creciendo y con mucho incremento en las escuchas digitales ¿Cómo influye la recepción digital en la manera en que decides qué adelantos publicar y cómo presentarlos?
Para elegir los singles le pasé el álbum completo a 5 personas de confianza y les pedí que me seleccionaran cada uno sus 4 canciones favoritas. Aunque luego amañé un poco los resultados de la encuesta para incluir alguna de las favoritas mías jejeje. Cuando eres tú quien ha hecho las canciones es difícil tener perspectiva para saber cuáles son las mejores.
Ahora que se acerca el lanzamiento del disco, ¿Qué esperas que el oyente descubra al escuchar las canciones que aún no has mostrado, especialmente después de estos tres adelantos tan distintos entre sí? ¿conciertos o festivales donde te vamos a poder disfrutar este 2026?
Justo queda por mostrar la vertiente más folk del disco, que son baladas más bonitas y tranquilas. Por ahora presentaré el disco en sala en Sevilla (27 marzo) y Madrid (11 abril) con una nueva banda y un nuevo directo. Ojalá el disco guste y surjan más oportunidades de tocarlo en directo.
Presentará su nuevo disco Ambiguous Desire.
La británica Arlo Parks regresará a nuestro país el próximo otoño con motivo de su nueva gira “Desire”, la cual realizará a propósito del próximo lanzamiento de Ambiguous Desire, su tercer álbum, el 3 de abril.
Un trabajo ambicioso del que la cantante ya nos ha dejado un par de adelantos y que presentará en Madrid y Barcelona a mediados del mes de noviembre.
Conciertos de Arlo Parks en España en 2026
10 de noviembre: MADRID (sala La Riviera)
13 de noviembre: BARCELONA (sala Apolo)
La venta general para estas dos fechas de Arlo Parks en España se abrirá el viernes 13 de marzo a las 10:00h en Livenation.es y Ticketmaster. Sin embargo los clientes del banco Santander y usuarios de Live Nation podrán acceder a una preventa a partir del jueves 12 de marzo a las 10:00h. El precio de las entradas será de 38 euros más gastos.
