Quedan tres meses, 90 días, para que dé comienzo el Primavera Sound 2026 en el Parc del Fórum. Del 3 de marzo de hoy al 3 de junio, el miércoles de la jornada inaugural en San Adrià del Besós son, en realidad, 92 días, así que os traemos una playlist con las mismas canciones para amenizar la espera. Os recordamos que todas las modalidades de tickets están ya agotadas PERO que dándote de alta en la lista de espera de su app de venta de entradas, AccessTicket, puede que te hagas con la que te interese sin el mercadeo de otras reventas no oficiales. Creednos: funciona.
Nuestra lista, por supuesto, no va de grandes cabezas de cartel. Si algo define siempre al Primavera Sound son los tesoritos ocultos en la línea media y en la letra pequeña, y eso es lo que te traemos hoy.
Pinceladas de por qué determinados grupos de cada día (seis de cada jornada oficial, para ser exactos) te harán dudar tanto en los solapes que querrás partirte en dos. Servicio público desde El Enano Rabioso.
Tranquilas que, según se acerque la fecha, también haremos lo mismo con las bandas del siempre inabarcable Primavera a la Ciutat.
Jueves, 4 de junio
- Geese/Cameron Winter: Fanfarria, notas agudas, memes infinitos. La banda del año y su frontman, juntos y por separado ese jueves (el único solape que es imposible que suceda) (creo).
- Skullcrusher: Obsesionadas en esta casa con su disco del año pasado, la cara más etérea del folk se materializará ante nuestros ojos.
- PAUS: Ahora que las bandas portuguesas están, poco a poco, invadiendo nuestro país, una de las más veteranas en hacer todo el ruido posible (recuerda que llevan dos baterías) vuelve al festival para presentar su nuevo trabajo.
- Agriculture: Sabrás que son ellos si le das a la playlist en aleatorio porque perderás uno de los tímpanos. Aquí nos gusta el hardcore y el ruido. A ellos, no veas.
- Florence Road: ¿Una banda de irlandesas haciendo indierock con guitarras noventeras? Puedes apostar tu culo a que no sabemos todas esas canciones.
- Oklou: Dudo que, si has salido en el último año con ánimo de bailar, no hayas bailado una de nuestra musa discotequera. Nuestro propósito es ver amanecer mientras ella nos devuelve a lo mejor de las verbenas dosmileras, deditos cruzados.
Viernes, 5 de junio
- Role Model: No tengo claro que en España haya llegado su nombre tan arriba como en otros lugares del mundo, pero esta es tu oportunidad de subirte al carro de este chico que le ha echado purpurina y brillibrilli al country y sólo puede mejorar tu día.
- Water from your Eyes: Si yo pasé de hater a lover de esta banda, tú puedes entrar como lover directamente. Indie del de verdad, del que a mediados de los dosmiles nos volvió locas a todas.
- Annahstasia: Pudimos verla en el C2C de Turín (y oírla, sobre todo) y prepárate para que te inunde la emoción. Una de las voces más especiales y suaves del cartel.
- .bd. : La escena nacional está de enhorabuena este año porque han aparecido bandas que suenan a cosas que no están trilladísimas y ellos son el ejemplo perfecto de voladura de cabeza, instrumental y vocalmente.
- Mark William Lewis: Su voz grave hará que broten flores de debajo de las losas del Parc del Fórum. Podría vendértelo como un cantautor londinense pero te darás cuenta de que eso se le queda corto. Mucha imaginación y juego en algo que podría parecer simple.
- NewDad: Para nosotras, cabezas de cartel, pero vamos, indudablemente. Una banda perfecta desde la portada de los discos hasta la ejecución en directo. Guitarras, estribillos y alegría de vivir.
Sábado, 6 de junio
- Touché Amoré: Nos gusta el hardcore, en general. Nos gusta el suyo, en particular. Podrás desgañitarte de rabia pero salir con una sonrisa, jurao.
- Anna von HaussWolff: Pinta a que dará el mismo espectáculo de emoción y locura en el Auditori que dió Chelsea Wolfe hace un par de años. Cosas de lobas.
- Gelli Haha: Uno de los discos debut más divertidos y entretenidos del año pasado. Pop desenfadado del que te conviene hacerte fan desde ya para pasártelo el doble de bien sabiéndote las canciones.
- KNEECAP: A estas alturas sólo me queda recordarte con ellos que, uno, te da tiempo a aprender algo de gaélico irlandés y, dos, lleves casco, hombreras, coderas y betadine. Suerte.
- Sudan Archives: Lo que es capaz de hacer Brittney Parks con su violín eléctrico debería estudiarse en los conservatorios. Pocas veces me lo he pasado mejor en un concierto ni he bailado tanto. De nada.
- Ninajirachi: Se merece cerrar la última noche con la exageración que caracteriza a su sonido. Digital hasta el alma, divertida, bailable. No caben en una playlist las ganas que tenemos de que llegue el momento y dar los 10.000 pasos del día sólo en su concierto.
Como tienen que ser 92 para que cuadre, te dejo con dos canciones que me muero por ver en directo, aunque sean mucho más conocidas. Por un lado el regreso al festival de mi muso Father John Misty, en mejor forma que nunca. Por otro, mira, la vuelta de The XX es algo en lo que preferimos no pensar mucho pero es algo en lo que pensamos muchas veces, bien On hold que nos dejaron, efectivamente.
Te dejamos con los links para la playlist tanto en Tidal como en Spotify y que los 90 (y 2) días que quedan para el Primavera Sound 2026 se te hagan más cortos.
Con una propuesta que entrelaza electrónica y emoción Atzur se ha consolidado como una de las propuestas más singulares del panorama alternativo. Su universo sonoro se mueve entre la intensidad y la sensibilidad, con una narrativa muy cuidada que se percibe tanto en la música como en lo visual.
Ahora regresan con Humble, su segundo disco: un trabajo que expande su sonido y reafirma su personalidad artística. Con este lanzamiento como punto de partida, les planteamos ocho preguntas para adentrarnos en esta nueva etapa.
HUMBLE es un título que llama la atención desde el primer momento. Cuando habláis de humildad, ¿de qué estáis hablando exactamente? ¿Por qué sentíais que ahora era el momento de reapropiaros de esa palabra y darle la vuelta?
Rechazamos el concepto de humildad cuando se utiliza como arma de manipulación. La humildad que debilita, que reduce. Cuando descubrimos que el que había sido nuestro manager nos había estado estafando, fue en ese momento cuando dijimos “basta”. Vamos a hacer las cosas a nuestra manera.
Tras vuestro debut, Strange Rituals, da la sensación de que con este segundo disco hay un salto claro. ¿Dónde notáis más esa evolución: en el sonido, en el concepto, en lo personal… o en todo a la vez?
Todo a la vez. Nuestra música es algo vivo. Nosotros cambiamos y evolucionamos, y todo cambia y evoluciona con nosotros y a nuestro alrededor. Con HUMBLE, el salto sonoro es más grande, más arriesgado, más sin miedo, más libre. No nos escondemos detrás del concepto.
El disco suena enorme, expansivo, casi pensado para grandes escenarios. Y, sin embargo, sois solo dos. ¿Cómo construís esa sensación de grandeza en el estudio?
Trabajamos siempre con el directo en el foco. Cada detalle cuenta: el espacio, la reverb, el silencio justo antes del drop… La dinámica en las canciones es clave. Ser dos es una ventaja porque no hay ruido externo. Si algo nos emociona a los dos, se queda, si no, fuera.
En HUMBLE os movéis con naturalidad entre el pop alternativo, la electrónica, el reguetón o incluso el hyperpop más épico. ¿Cómo sabéis hasta dónde tensar cada canción sin perder lo que os define? ¿Os sentís cómodos viviendo en ese riesgo constante?
No lo vemos como un riesgo, sino como libertad creativa. La canción (o la visión) guía siempre por encima de todo. El límite no es el género, es la honestidad. Las emociones definen las canciones sin importar en que idioma o género se traduzcan.
«hate me» es uno de los momentos clave del álbum y casi una declaración de principios. ¿Qué hay detrás de esa frase “Even if you don’t love me / new people will love me”? ¿Cómo surgió la idea de mezclar el verso en castellano con ese ritmo más cercano al reguetón?
La mezcla de idiomas siempre ha sido algo natural. Desde las primeras canciones siempre hemos mezclado español e inglés. Somos un dúo que habla 5 idiomas a nivel materno. Para «hate me» la canción lo pidió en ese momento. El beat de reguetón era perfecto: tiene ese algo corporal. Queríamos que doliera… pero bailando.
Hay mucha vulnerabilidad en el disco, pero expresada desde ángulos muy distintos: el duelo, la fragilidad, la euforia casi catártica. ¿Qué pasa con todo eso cuando lo lleváis al directo? ¿Cómo se gestiona esa intensidad sobre el escenario?
Gestionarlo es cuestión de entrega. No puedes protegerte. Sales, te rompes un poco y confías en que el público te sostiene. Y siempre lo hacen.
Venís de girar por Europa central y del este, con varios sold outs, y ahora empezáis la etapa española. ¿Habéis notado diferencias entre el público de fuera y el de aquí? ¿Cómo imagináis estos conciertos en Barcelona, Bilbao, Valencia, Madrid, Sevilla y Oviedo?
Totalmente. De hecho, nos ha sorprendido muchísimo la entrega fuera. En Europa central y del este hemos vivido audiencias increíbles: gente cantando todo, gritando, bailando… Más que diferencias de actitud, sentimos matices en la energía. Cada ciudad tiene su propia forma de vivir el concierto, pero cuando algo conecta, conecta igual en cualquier idioma. La etapa española la imaginamos igual de intensa. Más que comparar, queremos sumar. Que cada fecha sea una celebración distinta, pero con la misma sensación: comunidad, euforia y cero distancia entre escenario y público.
Justo antes de arrancar la gira, tocaréis en el 20º aniversario de Ticketmaster España, después de haber sido elegidos entre más de 300 propuestas. ¿Qué supone para vosotros actuar ante profesionales de la industria en un evento así, de la mano de The Spanish Wave?
Somos un proyecto 100% independiente. Estar ahí, en un evento así, demuestra que hacer las cosas a tu manera también puede abrir puertas. Que nos hayan elegido entre más de 300 propuestas valida el trabajo silencioso de años. No es suerte, es constancia. Al final, si conectas de verdad, da igual quién esté delante. Público es público. Y nosotros no sabemos hacer otra cosa que ir “all in”. Estamos muy agradecidos a Ticketmaster España y a The Spanish Wave por confiar en nosotros y darnos esta plataforma.
Continuación de Gestiones Fáciles de 2022.
Los barceloneses Sandré ya tienen listo el que será su tercer álbum. Paciencia Infinita será el título que lleve este trabajo que se publicará a través de Calaverita Records el próximo 29 de mayo, y como primera toma de contacto el grupo nos deja escuchar “Empatía no”, una canción nacida a partir de una idea de Marc, batería del grupo, tras escuchar en boca de un mediador la frase: “No es posible ser empático gratis”. A partir de ahí, la banda construye una letra que aborda la dificultad de resolver conflictos cuando una de las partes exige constantemente pero no está dispuesta a ceder nada a cambio.
Sandré – “Empatía no”
Próximos conciertos de Sandré
28 de febrero: BARCELONA (sala Upload) – entradas agotadas
6 de junio: MADRID (Blockparty) – entradas
29 de agosto: TORREMOLINOS (Canela Party) – entradas
Foto de portada por Jordi Oms.
Las entradas para sus dos conciertos en salas de España están agotadas.
Kneecap presentan un nuevo single de Fenian, su esperado nuevo trabajo que verá la luz el 24 de abril vía Heavenly Recordings. Así, tras “Liars Tale”, lanzado a comienzos de febrero el trío de Belfast nos muestran ahora “Smugglers & Scholars”, corte que irrumpe sobre un riff de bajo de tres notas inspirado en el hip hop de Detroit que la banda escuchó en su juventud y que según nos explican “rememora los tiempos revolucionarios en Irlanda, impulsada por la esperanza de cuando la clase trabajadora, los académicos y la gente de bien se unieron para tomar medidas en busca de un futuro mejor”.
Kneecap – “Smugglers & Scholars”
Fechas de Kneecap en España
Os recordamos que Kneecap estarán actuando en España a comienzos de junio, con dos fechas en salas de Bilbao y Madrid anunciadas hace pocos días. Pues bien, estas dos citas ya tienen todas las entradas vendidas, así que si tienes la tuya guárdala como oro en paño.
Sábado 6 de junio: BARCELONA (Primavera Sound)
Lunes 8 de junio: BILBAO (Santana 27)
Martes 9 de junio: MADRID (La Riviera)
Foto de portada por Tom Beard.
Tercer avance de su álbum de debut.
La joven banda madrileña Carrera Blanca encara los días que quedan hasta el 20 de marzo, día en el que lanzarán el que será su primer álbum, y lo hacen mostrando otro adelanto. Así, tras “¿¡¿Qué voy a hacer?!?” y “Aliado” con Adela por Dios, llega “Harakiri”, un corte donde la banda reflexiona sobre el deseo y el desamor hacia una persona que se ha ido. Una ruptura de corazón hecha canción.
Indie-pop de guitarras con aire desenfadado que brotó de la cabeza de la cantante Diana Montero mientras conducía. Al aparcar le mandó un audio al resto de la banda “para ver si se podría hacer algo con eso”.
Carrera Blanca – “Harakiri”
Próximos conciertos de Carrera Blanca
17 de abril: Madrid (Sala Changó) – entradas
8 de mayo: Oviedo (La Lata de Zinc) – entradas próximamente a la venta
23 de mayo: Barcelona (Sala Taro) – entradas
13 de junio: Zaragoza (La Lata de Bombillas) – entradas próximamente a la venta
6 de noviembre: Murcia (La Yesería) – entradas próximamente a la venta
Foto de portada por Paula Rubio.
El grupo se encuentra teloneando a Bad Omens por Norteamérica.
Los enigmáticos PRESIDENT dan un paso más en su breve carrera fichando por un gran sello como Atlantic Records, donde encontramos a Coldplay, Charli XCX, Ed Sheeran, FKA twigs o Fred Again… por citar a algunos de sus nuevos compañeros.
Este fichaje viene acompañado de “Angel Wings”, un nuevo single que sigue la estela del escaso material publicado por la banda británica (tan solo el EP King of Terrors que presentaron en España a comienzos de febrero). Según comenta el grupo este tema “refleja la búsqueda de la redención espiritual y la determinación de empezar de nuevo, marcando el comienzo de un nuevo capítulo. En esencia, la canción habla de aferrarse a las personas que más importan, sin dejarse afectar por los detractores”.
Los planes más actuales para PRESIDENT siguen siendo darle rodaje a su escueto directo. De este modo el grupo está inmerso en una gira por Estados Unidos y Canadá teloneando a Bad Omens.
PRESIDENT – “Angel Wings”
Entradas a la venta el jueves 26 de febrero.
Parecía que solo los asistentes del Resurrection Fest iban a poder disfrutar del directo de Limp Bizkit en nuestro país este año, pero no. El propio festival ha confirmado que la banda de Fred Durst ha querido sumar una cita especial en el Movistar Arena de Madrid, la cual supondrá el regreso del grupo a la capital catorce años después tras los sucesivos aplazamientos de los conciertos previstos de 2020 a 2022.
Una oportunidad única de disfrutar del directo de la banda de Jacksonville el 1 de julio, ahora que parece que la fiebre por el nu metal ha vuelto a nuestras vidas. Además de Limp Bizkit, por el recinto del céntrico pabellón madrileño pasarán P.O.D., otros supervivientes de aquella generación y la angelina Romy Maxine Flores con su proyecto DeathbyRomy que transita entre el dark pop, alt‑pop, trap, rock y elementos electrónicos.
Las entradas para este concierto de Limp Bizkit en Madrid se pondrán a la venta este próximo jueves 26 de febrero a las 10:00h a través de la web del Resurrection Fest.
Hay artistas que pisan el escenario para confirmar lo que ya sabemos de ellos. Y luego está Nacho Vegas, que sube a las tablas para tensionar su propio relato, para ponerlo en crisis y reconstruirlo delante del público. En la sala Custom, ante unas 600 personas el asturiano presentó Vidas Semipreciosas como algo más que un nuevo capítulo discográfico: como una declaración de principios. No hizo falta colgar el sold out para que la temperatura emocional de la sala rozara el límite.
Desde los primeros compases de “Alivio” quedó claro que la noche no iba a girar en torno a la nostalgia. La banda —compacta, precisa, cómoda tanto en la contención como en la descarga eléctrica— dibujó un paisaje sonoro donde conviven la aspereza y el detalle minucioso. Vegas, lejos de sobreactuar el dramatismo que muchos asocian a su figura, optó por una interpretación sobria, casi quirúrgica. Su voz, más asentada que en giras pasadas, manejó los silencios con una autoridad que convirtió cada pausa en un gesto político.
Porque si algo atraviesa esta gira es la idea de dignificar lo vulnerable. “Nuevos planes, idénticas estrategias” y “El don de la ternura” funcionaron como ejes conceptuales: canciones donde el desencanto no se traduce en cinismo, sino en una lúcida exposición de las grietas del presente. En directo, esos temas adquieren una musculatura distinta, menos introspectiva y más colectiva. El público no escucha: acompaña.
El repertorio avanzó sin concesiones fáciles. No hubo picos prefabricados ni intentos de manipular la emoción. “La plaza de la Soledá” y “Crujidos” aparecieron integradas en el discurso actual, no como piezas de museo. Incluso cortes de combustión más lenta, como “Los asombros” o “Les ales”, encontraron su sitio dentro de una narrativa que hablaba de pérdida, pero también de comunidad.
Uno de los momentos más reveladores llegó con “La gran broma final”. En disco es una reflexión amarga; en vivo, se transforma en un espejo compartido. Vegas permitió que la canción respirara, que el público se apropiara de ella. No hubo grandilocuencia, solo una certeza: las historias individuales, cuando se cantan al unísono, se vuelven relato colectivo.
La recta final del set principal mostró al Vegas más incisivo. “Morir o matar” y “Tiempos de lobos” tensaron la atmósfera con una energía casi eléctrica, mientras “Mi pequeña bestia” equilibró la balanza entre ironía y desgarro. Y entonces llegó “Bravo”, la versión del cubano Luis Demetrio, interpretada sin ornamento, como un gesto de respeto hacia la tradición latinoamericana de canción política. Fue uno de esos instantes donde el concierto deja de ser promoción y se convierte en posicionamiento.
El bis confirmó la tesis de la noche. “Ser árbol” y “Seis pardales” sonaron íntimas, casi domésticas, pero nunca frágiles. Y el cierre con “La pena o la nada” evitó el estallido épico en favor de algo más difícil: una emoción sostenida, madura, consciente de que la intensidad no siempre necesita volumen.
Lo que ocurrió en Sevilla no fue una exhibición de catálogo ni una celebración autocomplaciente. Fue la puesta en escena de un artista que ha aprendido a habitar sus contradicciones sin resolverlas del todo. En tiempos de estímulos rápidos y consignas huecas, Nacho Vegas propone algo más incómodo: escuchar, pensar y, sobre todo, sentir sin anestesia. Y esa, en 2026, sigue siendo una forma de resistencia.
Galería del concierto de Nacho Vegas en Sevilla
Setlist:
Alivio
La plaza de la Soledá
Nuevos planes, idénticas estrategias
Crujidos
Fíu
El don de la ternura
Los asombros
Deslenguarte
La gran broma final
Les ales
Morir o matar
Mi pequeña bestia
Tiempos de lobos
A ver la ballena
Bravo
Encore:
Ser árbol
Seis pardales
La pena o la nada
En verano nos iba a visitar dentro del festival Pirineos Sur.
La nueva gira de José González, anunciada para presentar su nuevo disco Against The Dying Of The Light, tendrá nuevas fechas en España. La promotora Last Tour es la que se encuentra detrás de esta mini gira que pasará por cuatro ciudades: Barcelona, Valencia, Murcia y Sevilla. Con estas serán cinco las citas que el sueco ofrezca en nuestro país a lo largo del año para mostrar las bondades de su nuevo disco que se publicará el 27 de marzo bajo el sello City Slang.
El anuncio de estos conciertos coincide justo con el adelanto de “A Perfect Storm”, un nuevo tema que en palabras de González “trata sobre cómo nosotros mismos estamos creando las condiciones para un futuro cada vez más turbulento. A diferencia de los riesgos naturales, estos son provocados por el ser humano y, por tanto, no son aleatorios”.
Conciertos de José González en España en 2026
Jueves 9 de julio: LANUZA (Festival Pirineos Sur) – entradas
Miércoles 28 de octubre: BARCELONA (Paral·lel 62) – Festival Empremptes
Jueves 29 de octubre: VALENCIA (La Rambleta) – Piñata Festival
Viernes 30 de octubre: MURCIA (Mamba!) – Noches del Malecón
Sábado 31 de octubre: SEVILLA (Cartuja Center CITE) – Insólito
La venta general de los cuatro conciertos anunciados para finales de octubre comenzará el viernes 27 de febrero a las 10:00h en lasttour.org.
Foto de portada por Ellika Henriksson.
MOMO es un proyecto de rock-punk nacido en Valencia y capitaneado por Marcos (Mafalda). Suenan directos, sin rodeos, y su música está pensada para sudarla en el escenario. Son canciones que transforman la rabia del día a día, la precariedad y el cansancio generacional en algo compartido, pero sin caer en el victimismo.
Canciones para un día de mierda, su primer disco, mezcla energía, actitud y sentimiento de comunidad con una idea muy clara: aunque a veces todo se tuerza, la buena gente acaba imponiéndose.
El título Canciones para un día de mierda suena a desahogo, pero también a plantarse y resistir. ¿En qué momento personal nace este disco? ¿Qué estabas necesitando sacar fuera cuando escribiste estas canciones?
MOMO para nosotras es un sitio seguro donde poder expresar nuestra música con la única responsabilidad de divertirnos y hacerlo lo mejor posible. Después de 15 años de Mafalda esto es justo lo que necesitaba. Eso, y juntarme con unxs artistas con tanto talento como Victoria, Jose, Carlos y Saúl. No buscamos otra cosa que hacer la música que nos gustaría escuchar, evitando radio fórmulas y dándole al público algo diferente. Teníamos claro que el disco podía ser cualquier cosa menos aburrido. Por desgracia hoy en día a la bandas les da miedo arriesgar, se lanza tanta música todos los días que es muy difícil diferenciarse.
El álbum rehúye la autocompasión y apuesta por la fuerza, el pogo y la urgencia. ¿Tenías claro desde el principio que querías ir por ahí o esa energía fue saliendo sola mientras componías?
Teníamos claro que si volvíamos a apostar por la música era para hacer algo contundente y picante, algo que te hiciera despertar por dentro emociones que solemos tener dormidas, rabia, amor incondicional, ganas de luchar y de romperlo todo, inconformidad.
En las letras aparecen la precariedad, el agotamiento y la frustración de toda una generación, pero también los afectos y el apoyo mutuo. ¿Cuidarnos entre nosotros se ha convertido, hoy más que nunca, en un gesto político?
Venimos de una larga época donde muchas bandas han evitado apostar por mensajes explícitos y la “metáfora” en las letras ha sido el vehículo para tratar temáticas que a mi parecer deben ser más contundentes y dolorosas. Creemos en la música como un elemento transformador de la sociedad a nivel político y aunque hemos vivido recientemente la subida de bandas con temática de “Izquierdas” a un nivel grandísimo esto no se ha traducido en la sociedad. Mensajes vacíos no llevan a nadie a plantearse nada.
Temas como “Paren el mundo” o “¿La buena gente siempre gana?” tienen algo de himno. Cuando escribes, ¿piensas ya en cómo van a explotar en directo o es el escenario el que termina de darles su verdadero sentido?
Sin duda somos una banda de directo. Pensamos en el directo en cada paso y una de nuestras recompensas reside en buscar esa energía en la gente en nuestros conciertos, esa complicidad. Cantar y bailar canciones debería ser algo emocionante y liberador, buscamos que la gente vibre fuerte siempre que se pueda.
MOMO nace como proyecto musical, pero también como refugio para ese “ejército de raros”. Cuando te sientas a escribir, ¿a quién le estás hablando realmente? ¿Quiénes son esas personas?
Creo que las personas nos conformamos pero que no queremos hacerlo y creo que a pesar del miedo a diferenciarnos y pelear por un cambio en el status quo de la sociedad, realmente hay un ejército dormido de personas “raras” esperando el momento adecuado para explotar y romperlo todo para crear algo mejor. Les hablo a ellas.
El disco inaugura Alcazaba Records, que se define más como un espacio ético que como un sello al uso. ¿Qué significa para ti levantar ese “castillo donde solo entra la buena gente”?
Para nosotrxs es un orgullo que Alcazaba alce el vuelo casi con MOMO y que sigan naciendo proyectos underground antifascistas y que apuestan por la originalidad y el amor a la música. Queremos rodearnos de esa gente que todavía no piensa solo en el dinero o en la rentabilidad, quedan muy muy pocas.
A nivel sonoro es un álbum compacto, sin rellenos ni rodeos. ¿Cómo fue el proceso de grabación? ¿Qué aportaron Jose Sempere y Víctor Llinares para que el resultado suene así de sólido?
Jose fue el productor del disco aparte de guitarrista de la banda, él aportó una barbaridad de elementos y una visión muy diferente a lo que estaba acostumbrado, al final tocar tantos años en Mafalda nos hizo caer sin querer en las mismas dinámicas y en las mismas discusiones y creo que eso provocó que bajara la calidad de nuestras composiciones. Víctor por otro lado masterizó el disco y fue un lujo trabajar con él, realmente entendió el sonido que buscábamos.
Ahora que el disco ya está fuera y rodando: cuando todo parece torcerse, ¿qué te gustaría que sintiera alguien al ponerse los cascos y darle al play a MOMO?
Quiero que sientan emociones salvajes, quiero que les dé morbo lo raro, la atracción de lo diferente. Quiero que la gente apoye a las bandas Underground, que vayan a sus conciertos y que sientan el movimiento político y musical como suyo, que formemos parte de algo grande y transformador de nuevo, diablos añoro las tribus urbanas y las luchas políticas que les acompañaban.