Venta general a partir del 16 de mayo.
Yungblud regresará el próximo otoño a nuestro país con motivo de la gira de presentación del que será su cuarto álbum Idols, previsto para el 20 de junio.
Descrito como una ópera rock moderna, el álbum desafía los géneros y nace de un viaje de reinvención, rebeldía y autoexpresión radical. Un trabajo con el que el artista británico aterrizará el 11 de octubre en el Palacio Vistalegre de Madrid. Una única fecha en España para la cual se abrirá la venta general de entradas el 16 de mayo a las 10h en Livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés a partir de 45 euros más gastos. Sin embargo los clientes de Santander Music podrán acceder a una preventa especial el 15 de mayo a partir de las 10h, pudiendo entrar en la misma los usuarios de Live Nation a partir de las 14h.
Los de Bilbao están inmersos en su gira de presentación con más de veinte conciertos anunciados
Los que los descubrimos en directo sabíamos que eran tremendos, y nos quedamos con ganas de más. ¿Para cuándo otro concierto de EZEZEZ? Mientras surgía la ocasión, escuchábamos sus primeros trabajos, especialmente Katuzaldia (2023), donde nos quedaba claro que lo suyo era pura personalidad y carácter. Su sonido era tan auténtico que siempre iba a más con cada escucha.
Pero bueno, sólo era cuestión de esperar. Un año después (mes más, mes menos) llega el tercer trabajo de EZEZEZ, Kabakriba (2025), una auténtica colección de instantes brillantes. Doce canciones que disuelven los límites de los géneros y van más allá. El funk, el punk, el pop, incluso el jazz establecen una suerte de conversación entre estilos, en la que dejan claro que hay más elementos de conexión de los que podríamos imaginarnos.
Una ruptura que va más allá y que no se queda solamente en lo lúdico. El reflejo de lo que les rodea está en sus letras. Con la primera escucha se nos pega el sonido y con las siguientes nos remueven al tiempo que repasamos lo que dicen. Nos encontramos con esa especie de conflicto que nos creamos porque parece que no podemos reflexionar y gozar del arte. Pero da igual: la tiranía del dinero, la dicotomía entre la autoexigencia y la rapidez con la que se disuelve el momento, la lucha de clases mientras que se convierte en un enfrentamiento casi maniqueo… Todo eso puede estar mientras EZEZEZ nos invitan a pensarlo con una sonrisa, con un cierto halo de optimismo.
Y por cierto, la gran incógnita que surge cuando lo leemos: ¿qué significa Kabakriba? Se trata del acrónimo de “Katuzaldia Baino Kriatura Bakanagoak”. “Criaturas más extraordinarias que Katuzaldia”, un título que lo dice todo: la idea de EZEZEZ es ir a más, mucho más allá de lo que ya habían hecho.
Próximos conciertos de EZEZEZ
Foto de portada: Adrián Lorenzo
Arranque se una serie de conciertos por nuestro país.
The Ballet, el alter ego musical del neoyorquino Greg Goldberg, arrancará este viernes su gira por España con un concierto en el Fotomatón de Madrid acompañado por Evripidis and His Tragedies, proyecto del artista griego Evripidis Sabatis, afincado en Barcelona.
The Ballet autoeditó sus dos primeros álbumes: Mattachine! (2006) y Bear Life (2009), trabajos que llamaron la atención de las leyendas de los sellos independientes Fortuna Pop!, quienes lanzaron su tercer álbum, I Blame Society (2013). Después de FortunaPop! cerrado, The Ballet se asoció con Fika Recordings, quienes lanzaron su cuarto y quinto álbumes: Matchy Matchy (2019) y Daddy Issues (2023). Goldberg está trabajando actualmente en el sexto álbum de The Ballet, arreglado íntegramente con el sintetizador Roland Jupiter Xm, titulado “Nothing Straight.”
Por su parte Evripidis cumple este año 20 años de carera musical, y lo celebra con un show donde se entrega a un liberador sonido sintético, presente en su último LP Neos Kosmos y sus siguientes singles, capaz tanto de arrasar la pista de baile como de emocionar en los momentos más íntimos.
Las entradas anticipadas de este concierto de The Ballet en Madrid están a la venta en Mutick a un precio de 12 euros más gastos, siendo su precio final en taquilla de 15 euros.
Fechas de The Ballet en España
9 de mayo: MADRID (Fotomatón) – entradas
10 de mayo: MÁLAGA (La Comedia) – entradas
15 de mayo: BARCELONA (Meteoro) – entradas
27 de junio: VALENCIA (Bar Centro Excursionista) – entradas
Se celebrará del 28 al 30 de agosto.
El festival Gigante cierra el cartel de su próxima edición que tendrá lugar los días 28, 29 y 30 de agosto en la Explanada Municipal del Paseo del Ocio de Guadalajara. A los Crystal Fighters, Mando Diao, La La Love You o Alizzz confirmados en los últimos meses, la cita manchega suma una última nómina de artistas capitaneada por los madrileños Carolina Durante, en la primera fila de la ola indie con su tercer álbum Elige tu propia aventura.
Venturi, Casino Montreal, Michael Foster, Chicle o Alondra Bentley son otros de los nombres anunciados para un festival que tiene a la venta sus abonos a 55 euros más gastos, mientras que los VIP están disponibles a 90 euros más gastos.
Cartel Festival Gigante 2025
Tras habernos ofrecido con “Ruta de escape”, uno de los trabajos periodísticos novelizados más fascinantes de estos últimos años, el también abogado, especializado en derecho internacional, Philippe Sands retorna con una muestra de, incluso, mayor ambición que la comentada previamente. Y lo ha hecho utilizando los mismos cauces a la hora de armar la estructura narrativa que en su anterior libro. Por un lado, un ensayo de investigación altamente sesudo. Por el otro, un thriller, con aura de novela de espías, que atrapa con ansiedad al lector.
Sands se sirve de los ángulos muertos de su rompecabezas armado en torno a la relación entre el dictador Pinochet y el oficial de las SS, refugiado en Chile, para utilizar la ficción como reflexión a la hora de dar sentido a los cabos sueltos de una investigación a que, al igual que en “Ruta de escape”, está acompañada de un añadido visual de pruebas y fotos recabadas a lo largo de su inmersión en esta historia, lo cual proporciona un arrebatador tono documentalista a una narración que, por otro lado, fluye con la intensidad de una novela de largo recorrido. Todo ello también gracias al estilo magnético con el que Sands hila descripciones y hechos, como si estuviéramos delante del mega informe definitivo de un caso, el cual tampoco tiene un final cerrado, ni pruebas concluyentes para todas las teorías aquí plasmadas. Precisamente, la incertidumbre de lo que no sabemos con certeza, y el hecho de convertir al lector en jurado, es lo que otorga más terror a lo que nos cuenta Sands, quien nos pasea por su laberinto del horror hasta ese punto cardinal conocido como “Calle Londres 38”, de Santiago de Chile.
Asimismo, el título escogido para poder nombrar a lo que, desde su misma publicación, se ha convertido en uno de los ejemplos más atractivos de lo que, en su momento, Truman Capote llevó a su máxima expresión como “novela de no ficción” a través de un punto y aparte como “A sangre fría”, y que Sands ha conseguido ensalzar con uno de los libros más relevantes de este género en los que llevamos de siglo.
Entradas a la venta esta misma semana.
La tan ansiada gira mundial de Bad Bunny para 2026 toma forma. Si hace unos meses el cantante puertorriqueño confirmaba que este año no cruzaría el charco, hoy ha tenido a bien anunciar a través de Instagram las primeras fechas de su Debí tirar más fotos World Tour que comenzará a finales de este 2025 en República Dominicana y que, tras pasar por distintos países americanos, Australia y Japón, aterrizará en Europa a finales de mayo, siendo Barcelona la primera de las paradas de Benito en el viejo continente durante dos meses, finalizando la gira el 22 de julio en Bruselas.
Bad Bunny ofrecerá en España 3 conciertos: uno el 22 de mayo en el Estadi Olimpic Lluis Companys de Barcelona y otros dos en el Estadio Riyadh Air Metropolitano de Madrid los días 30 y 31 de mayo, siendo estos los primeros que realiza en nuestro país desde el 2019, año en el que actuó en festivales como el Sónar y el Río Babel.
Conciertos de Bad Bunny en España en 2026
Entre medias de las tres fechas anunciadas, por el momento en nuestro país, aparece una el 26 de mayo en el Estadio da Luz de Lisboa, por si sus seguidores quisieran dar el salto al país vecino.
Viernes 22 de mayo: BARCELONA (Estadi Olimpic Lluis Companys)
Sábado 30 de mayo: MADRID (Estadio Riyadh Air Metropolitano)
Domingo 31 de mayo: MADRID (Estadio Riyadh Air Metropolitano)
La venta general de entradas para estos conciertos de Bad Bunny en España se abrirá este viernes 9 de mayo a las 12:00h a través de Live Nation y Ticketmaster, aunque los usuarios registrados en la web de la promotora podrán acceder a una preventa desde el 8 de mayo a partir de las 13:00h.
Si nos fijamos en los precios publicados en X de su concierto en Arnhem (Paises Bajos), el precio de las entradas en nuestro país rondarán la horquilla de entre 93 y 171 euros.
EDITADO (08/05/25) (09/05/25): Finalmente serán 10 las fechas que Bad Bunny ofrecerá en Madrid y solo 2 en Barcelona, después de ir añadiendo conciertos en la capital a medida que se iban agotando las entradas de los ya anunciados.
Viernes 22 de mayo: BARCELONA (Estadi Olimpic Lluis Companys)
Sábado 23 de mayo: BARCELONA (Estadi Olimpic Lluis Companys)
Sábado 30 de mayo: MADRID (Estadio Riyadh Air Metropolitano)
Sábado 31 de mayo: MADRID (Estadio Riyadh Air Metropolitano)
Martes 2 de junio: MADRID (Estadio Riyadh Air Metropolitano)
Miércoles 3 de junio: MADRID (Estadio Riyadh Air Metropolitano)
Sábado 6 de junio: MADRID (Estadio Riyadh Air Metropolitano)
Domingo 7 de junio: MADRID (Estadio Riyadh Air Metropolitano)
Miércoles 10 de junio: MADRID (Estadio Riyadh Air Metropolitano)
Jueves 11 de junio: MADRID (Estadio Riyadh Air Metropolitano)
Domingo 14 de junio: MADRID (Estadio Riyadh Air Metropolitano)
Lunes 15 de junio: MADRID (Estadio Riyadh Air Metropolitano)
Tres años, ese es el tiempo mágico que tiene que pasar para que Elena Nieto publique un nuevo disco de Yawners. Si Just Calm Down llegó en 2019 y Duplo en 2022, en este año ha hecho lo propio Superbucle, un trabajo más maduro, más cercano y donde la compositora salmantina pierde el miedo del todo a expresarse en castellano.
Nos citamos a través de videollamada con Elena pocos días después del lanzamiento de este disco (perdón por el retraso en la publicación de la entrevista) para charlar sobre los nuevos temas, la industria, las comparaciones y los sueños para el futuro.
Entrevista a Yawners
Han pasado pocos días desde que salió el nuevo disco. No sé si es suficiente para testear cómo se ha recibido y si eres friki en el sentido de ponerte a ver si alguna canción tiene 20.000 escuchas, por ejemplo.
Pues la recepción del disco la he sentido bastante bien. A ver, el disco lleva fuera tres días, entonces pues ya te digo que no ha dado tiempo a valorar mucho. pero yo creo que ya había un poco de expectativa por la gente que me sigue. El feedback que he recibido ha sido muy guay de prensa también. Y con respecto a los números y si soy friki, pues te diría que soy todo lo contrario, pero un poco por salud mental. Porque si te pones a mirar Spotify y no sé qué, te vuelves loca. Y al final no creo que sea positivo estar como un poco obsesionada con eso, ¿sabes? Lo buena que es una canción o el esfuerzo que le has dedicado no lo tiene que dictar las escuchas que tenga. Así que yo, por mi parte, prefiero no mirarlo y ya está.
Hace tres años charlamos contigo sobre Duplo (leer entrevista) y nos contaste como que su el título tenía que ver un poco con la duplicidad de caminos que coger en la vida. Ahora por buscarle un poco el sentido a Superbucle, ¿de dónde viene? ¿El sentido es que le da 100.000 vueltas a las cosas y eres una rallada de la vida?
En realidad Superbucle es una historia que va de la canción 1 a la canción 11 y y narra una serie de acontecimientos que comienzan con “Un día genial” y terminan con “Un día horrible”. Y bueno, simplemente lo que he querido plasmar es que muchas veces la vida no es más que un bucle, porque a todos nos pasan muchas veces cosas muy parecidas. Entonces, bueno, también intento enfatizar la idea de que a lo mejor hoy yo tengo un día genial, pero tú estás en un día horrible. Entonces hay que ser empático con el prójimo y ser conscientes de que un día estás arriba, pero al día siguiente puedes estar abajo. Así que yo que sé, como que hay que echarle un cable al de al lado, porque a lo mejor en el día de mañana eres tú quien lo necesita, ¿sabes? Ese es un poco el trasfondo.
Aunque llevas poco tiempo con el disco nuevo, no sé si el bucle este de quedar con gente, hacer entrevistas. ¿La promo es un bucle que te gusta, o te lo tomas como parte del trabajo que hay que hacerlo y sin más? ¿Se puede llegar a disfrutar el quedar con gente, hacer entrevistas…?
Yo creo que está guay porque es interesante conocer la perspectiva de otra persona un poco más en profundidad que en una conversación normal, porque a veces, curiosamente, te das cuenta de cosas que hay en el disco que a lo mejor tú misma ni siquiera te habías dado cuenta en el sentido de interpretaciones que pueden surgir. Entonces siempre es guay y positivo, pues conocer otros puntos de vista, ¿sabes? Y a ver, no te negaré que es cansado. Hoy llevo siete entrevistas. Pero bueno, es un es una cosa que ya va de la mano con sacar un disco y se hace y ya está. No pasa nada.
El disco es verdad que tiene variedad de sonido dentro del denominado “pop rock indie”. Tiene canciones que recuerdan mucho a otros discos más guitarrera como “Merienda cena” o “Dolor de pecho”, “1 de enero”. Hay otras que tienen otro aire como “Las horas pasan”. Es un trabajo superheterogéneo. ¿Lo buscabas o fue saliendo? Es decir, no sé si al principio tuviste la intención de crear un trabajo variado o a medida que fuiste haciendo el disco te fueron saliendo esos sonidos.
Fue bastante improvisado, por así decirlo, y poco premeditado. Sí que es verdad que al ser mi tercer disco ya me apetecía hacer algo diferente. A medida que han ido pasando los años, yo también como músico y como productora, pues he ido mejorando y evolucionando, así que creo que ha sido un poco un conjunto de causas y creo que al final el disco ha quedado como muy heterogéneo, pero a la vez la base y la esencia de lo que yo he hecho siempre se mantiene, así que estoy contenta con la evolución y con el resultado.
Parte de este nuevo sonido, aparte de venir por ti, no sé si trabajar con gente tan distinta como Santi García, Emili Bosch, Juan Pedrayes o Marcel Valdés influyen. ¿También han aportado ellos como su granito de arena?
Sí, sí, sí, desde luego. Lo guay de trabajar con productores es que las canciones cobran una nueva dimensión siempre. Mola mucho que te den como una perspectiva fresca, ¿sabes? Porque yo, por ejemplo, como las canciones las preproduzco todas en casa, le pego muchas horas y le doy muchas vueltas a las decisiones musicales, entonces mola mucho que de repente alguien escuche la canción de nuevas y te dé una idea que de repente te descoloca un montón, pero que mola mucho y al final la cosa queda así. Y eso solo lo puedes conseguir trabajando con otra gente, evidentemente.
En cuanto al tema de las letras, por haber escuchado los otros dos discos, en este siento como que son algo más personales o por lo menos se sienten un poco más tangibles, más como en primera persona. Tenía aquí la nota de lo que siempre se dice “has madurado”. No sé cómo lo ves tú.
Sí. A ver, siempre he escrito letras muy personales, pero creo que en este disco son más literales y creo que es más fácil leerlas y pillar el mensaje, ¿sabes? Y aparte, como siempre escribo de temas muy cotidianos, por así decirlo, en este caso se juntan las dos cosas y no sé, creo que son en resumen, letras como muy cercanas.
Sí, no sé, me parece muy bonito el mensaje este de llamar a tu padre para salir a pasear, como que es más fácil identificarse con cierto mensaje que cada uno puede llevar a su vida.
Sí, sí.
Otra cosa que ha cambiado un poco en el disco, que a lo mejor te han preguntado, es el tema de la imagen. En los dos primeros jugabas siempre con planos cortos tuyos en la portada y ahora estás sentada medio camuflada en, no sé si es una sala de cine…
Sí, es un cine.
No sé si has optado por un cambio sin más o te propusieron eso y tú lo buscabas.
Sí, ha sido buscado. También me apetecía con este disco transmitir un poco una estética más seria. Creo que en los otros dos se percibe un rollo más naif a lo mejor, y tampoco quería perder el concepto del retrato. Sí que es verdad que con los otros dos es un primer plano de la cara y en este, pues salgo alejada y yo sola en medio de un montón de butacas. Pero tenía la sensación de que, a pesar de que la otra opción que ya venía haciendo es posible que fuera más icónica, a lo mejor para este disco necesitaba que el concepto del disco fuese un poco más hilado con la portada, ¿sabes? Y de ahí pues toda esta decisión.
¿El disco luego lo has grabado con Joan (Cala Vento)?
Sí, la batería la grabó Joan.
Con el paso de los discos le has dado la vuelta al idioma. De tener solo 1 tema en español, “La escalera” en el debut, en Duplo fue mitad y mitad, y ahora pues solo tienes 1 en inglés. ¿Te está resultando más fácil contar tus historias de esta manera? ¿Podrías volver a escribir un álbum entero en inglés o no hay vuelta atrás?
Creo que se juntan dos factores y es que el primero que cada vez me visto más cómoda escribiendo en castellano e inevitablemente, a medida que he ido haciéndolo, pues me he ido sintiendo mejor y luego que como en este disco hablo de cosas muy personales y de manera muy literal y de mi entorno más inmediato, pues mis amigos, mi familia, creo que ya naturalmente las letras me han salido en castellano por el simple hecho de que las situaciones que describo se han desarrollado en castellano. Me parecería un poco raro hacerlas en otro idioma y creo que por eso me han salido así. Pero ya te digo que no ha sido nada premeditado.
Tu primer disco salió en 2019 y acabas de publicar el tercero. Llegados a este punto de tu carrera y si miras para atrás, ¿cómo ves la evolución? ¿Consideras que estás en un buen momento o piensas que a lo mejor podrías haber conseguido mucho más?
A ver, yo estoy agradecida por todo lo que me ha pasado y todas las oportunidades que me han venido. Creo que es un poco peligroso darle demasiadas vueltas a el qué podría haber pasado, a dónde podría haber llegado, sobre todo en la posición en la que estoy yo, en la cual mi proyecto no es ni pequeño ni grande, digamos, ¿no? Es un proyecto intermedio. Es decir, que tengo margen para crecer, pero también tengo mucho margen para decrecer, ¿sabes? Entonces, yo qué sé, sí estoy satisfecha. He hecho cosas muy chulas, trabajo con sellos muy guays en España y fuera de España, he hecho giras muy guays… No sé, al final hay que quedarse con eso y creo que es mejor no compararse con nadie y ya está. Hacer lo que te gusta y hacerlo lo mejor que puedes.
Pero, a lo mejor es un poco inevitable compararse con un compañero de la escena…
Total, superinevitable.
El decir, “mira a Fulanito, qué bien le va y a mí no tanto”.
Total. Se lleva bien a ratos, a ratos pues no se lleva también, pero son pensamientos que intento ahuyentar porque no trae nada bueno. ¿De qué te va a servir? De nada.
Hilando un poco esto, “La escalera” se quedó como el gran single del primer disco y no sé si eso puede generar o te ha generado el hecho de decir “tengo que sacar otro single, otro temazo”, o esto es una cosa que ni te la planteas y ni siquiera pierdes el tiempo en darle vueltas a la cabeza, visto que hay grupos/artistas que parece que solo componen singles.
No, porque la realidad es que opino que cuando intentas buscar algo tan premeditadamente pierdes bastante autenticidad. Todas las canciones que he compuesto han sido de manera orgánica y creo que eso es parte de lo genuino de un proyecto. Cuando ya empiezas a intentar hacer algo para que funcione mejor o para llegar a más gente, desde mi punto de vista, pierdes autenticidad y la cagas un poco. Entonces, bueno, en mi caso no sé, a lo mejor me iría bien si hiciese eso, pero paso, ya está.
Te quería preguntar un par de cosillas de cómo ves la industria. Ahora que cada día salen miles de canciones, cuando antes parecía que los lanzamientos eran los viernes, parece que hay que ir haciendo la trece catorce como para llamar la atención. Como tu single “1 de enero”, que salió precisamente ese día tan raro. No sé cómo ves esta voracidad, el ritmo tan exagerado que hay.
A ver, claro. Hay muchos lanzamientos y también hay muchos artistas, porque la creación de música sí que es verdad que se ha democratizado un montón en el sentido de que ahora puedes hacer en tu casa un montón de cosas sin necesidad de ir a un estudio. Pufff… claro, yo que sé, a lo mejor si no existiesen todas esas herramientas yo tampoco estaría donde estoy, ¿sabes? A pesar de que muchas veces las critico, entonces es como una navaja de doble filo un poco complicada, porque las dinámicas de la industria de la música han cambiado muchísimo desde, yo creo, que Spotify empezó a ser la plataforma número uno, ¿hace diez o quince años probablemente? No sé, creo que es muy difícil hacer un análisis, pero te diré que mi sensación es un poco desesperante, ¿no? Como verte que llevas dos años trabajando en algo y lo sacas y a la vez salen otras 20.000 cosas y tienes que remar un poco contracorriente para que no se quede un poco en el olvido, que no se quedará, ¡eh! Pero eso es un poco la sensación.
Con tantos estímulos en la industria no sé si te parece que los artistas hoy en día, además de componer, tienen que crear, por ejemplo, las animaciones de sus temas para Spotify, llevar al día sus redes… estar siempre conectados. Un ejemplo pueden ser Cala Vento, que tienen su sello (Montgrí), su ticketera… Se ha quedado un poco atrás la idea de un artista a lo suyo, a crear música, y ahora parece que el artista tiene que llevar todo. En tu caso, ¿te puedes rodear de gente que te echa una mano, te lleva a ciertas cosas o estás tú sola y para adelante?
Yo a grandes rasgos estoy yo sola y para adelante. Sí que es verdad que trabajo con una agencia de contratación que me llevan la contratación de los conciertos y un sello que me edita la música, pero hay que estar a mil cosas y es un poco una mierda. Estar en redes sociales, luego si grabas un videoclip ya tienes que preocuparte de hacer contenido y adaptarlo para Instagram, para Twitter, para TikTok, para YouTube, para YouTube Shorts, para Spotify, para… no sé, para mil mierdas, ¿sabes? Y tienes que hacerlo porque si no lo haces te quedas para atrás y no puedes competir con con el resto de lanzamientos o de contenido en general que hay en internet, que es una barbaridad. Entonces, claro, hoy en día hacer música y si quieres que llegue a la gente, pues no es solo hacer música, es hacer música y otras 25 cosas más. Pero bueno, supongo que es lo que hay. Es que tampoco puedes escapar de eso si quieres tener cierta trascendencia, porque nadie te obliga a hacerlo, evidentemente, pero si yo grabo mi disco y no hago un montón de contenido, pues a lo mejor no se entera nadie que lo he sacado (risas).
Ya voy terminando y te dejo descansar. El tema de la gira de cara a los nuevos conciertos no sé si vas a seguir el formato trío que empezaste con Duplo, porque con el primero disco ibas en formato dúo. Ahora, ¿seguirás contando con Tomás y con Teresa?
Pues ahora justo he cambiado de músicos de directo porque Tomás se ha ido a vivir a Mallorca, pero bueno, es probable que vuelva, ya iremos viendo, y Teresa, como está con sus otros dos proyectos que son Aiko el grupo y Repion tiene el calendario totalmente lleno y no puede acompañarme, que me da mucha pena porque hay muy buen rollo. Pero bueno, si no se puede, no se puede. Y ahora voy a ser yo en formato trío con dos chicos que me van a acompañar y mi idea en un futuro, si fuese posible, sería ampliar a formato cuarteto para ir con otra guitarra a mi lado, que eso me encantaría, pero ya se sabe que a nivel logístico pues complica las cosas y también a nivel económico, la verdad sea dicha.
¿Pero tienes algo cerrado ya en formato cuarteto?
No, no, no. Yo te estoy diciendo mi paja mental.
Tienes por ahora unas poquitas fechas por España, pero siempre has tenido fechas por Europa y ahora no tienes ninguna. No sé si las anunciará, saldrá o ya está.
Se está cocinando todo. Tanto una gira de salas por España como por Europa.
Luces, sombras y catarsis en la Copérnico.
La primavera madrileña ofrece siempre sus contradicciones: calles abarrotadas por las fiestas del Dos de Mayo y, a la vez, salas donde se respira una devoción casi religiosa por la música. Así fue en la Copérnico, donde The Murder Capital aterrizó para demostrar por qué siguen siendo una de las bandas más fascinantes de la escena post-punk actual. Su tercer disco, Blindness (2025), les ha dado una nueva capa de profundidad, equilibrando la rabia visceral de sus inicios con un sonido más introspectivo y envolvente. Y Madrid fue testigo de esa alquimia.
La noche arrancó con Hex Girlfriend, un dúo británico que combinó ritmos glitchy, bajos pesados y estética médica—sí, batas y gafas de sol incluidas—para dejar claro que el caos controlado sigue teniendo hueco en las nuevas generaciones. Entre los curiosos, algún ojo avispado se percató de que Noah Yorke, hijo menor de Thom Yorke, estaba sobre el escenario, como guiño involuntario a la tradición de los apellidos ilustres. Su set fue breve pero dejó buen sabor: densidad electrónica mezclada con guitarrazos y actitud punk.
Desde los primeros acordes de “The Fall”, la sala se sumió en esa atmósfera que solo los grupos irlandeses saben crear: áspera pero cargada de emoción. James McGovern, en su papel de líder y chamán, comandó un viaje que iba desde la furia desatada de “More Is Less”—con pogos en todas direcciones y caras desencajadas—hasta la introspección casi hipnótica de “Death of a Giant” o “The Stars Will Leave Their Stage”, donde las guitarras parecían expandirse hasta tocar el techo.
El bloque central, dominado por los temas de Blindness, dejó momentos de alto voltaje emocional. “A Distant Life” y “Swallow” fueron pequeños viajes en sí mismos, con la banda manejando los tiempos a la perfección: menos ruido pero más intensidad. Incluso en los temas menos conocidos como “Moonshot” o “That Feeling”, la respuesta del público fue entusiasta, con pogos improvisados incluso cuando la atmósfera invitaba más a la introspección que al desmadre.
La recta final empezó a lo grande con “Don’t Cling to Life”, uno de esos temas que ya son imprescindibles en cualquier concierto suyo, y desembocó en unos bises que parecían diseñados para grabarse en la memoria. Ethel arrancó suave para terminar en pura dinamita, “Words Lost Meaning” hizo temblar la sala con su bajo machacón y ecos noventeros, y “Love of Country” cerró la noche con un tono más reflexivo, ondeando una bandera palestina que puso la guinda política a la noche. Un cierre quizá algo frío después de tanto clímax, pero que dejó claro que The Murder Capital no son solo una banda: son un estado de ánimo.
Galería del concierto de The Murder Capital en Madrid
SETLIST:
1 The Fall
2 More Is Less
3 Death of a Giant
4 The Stars Will Leave Their Stage
5 Heart in the Hole
6 A Distant Life
7 That Feeling
8 The Lie Becomes the Self
9 Slowdance I
10 Slowdance II
11 Swallow
12 Can’t Pretend to Know
13 Moonshot
14 Don’t Cling to Life
15 Trailing a Wing
Encore:
16 Ethel
17 Words Lost Meaning
18 Love of Country
Se ha cerrado una nueva edición del festival murciano y esta no es sólo una crónica del festival —maravilloso—, sino una reflexión en “voz” alta más allá del mismo.
El viernes estuvimos disfrutando a Rufus, Niña Polaca… Y lo hicimos de su arte, solo de su música. No teníamos necesidad de ver sus torsos desnudos, sus cuerpos (incluidos culos y resto de miembros); es más, nada hacía desviar nuestra atención imaginando a sus cantantes sin ropa o con poca. Simplemente, disfrutábamos de su música. Mucho.
Y llegó Zahara, de la que no es necesario justificar su carisma; es una artista, su trayectoria la avala. Supongo que su lucha feminista no busca restringir opciones, sino ampliar el derecho de cada mujer a expresarse —vestirse— como desee, sin embargo, cabe entender que la esencia de la mujer no debe sostenerse en sus atributos físicos como base fundamental de su empoderamiento.
Y vimos también a Amaia y por primera vez asistí a un concierto, íntegro, suyo, confirmando lo grande que es en un escenario. En este caso, también decidió apostar por una vestimenta poco común en ella y de la que incluso hizo mención a lo bien que le quedaba el culotte. No tengo que defender ante el público el nivel artístico de la navarra, pero percibimos que algún público —determinado público— parecía más querer ver sus curvas, en lugar de tu talento artístico. Nos preguntamos si este tipo de seguidores son los que pretendía sumar con su puesta en escena o solo una casualidad puntual.
Esta que les escribe tiene una profunda inquietud sobre un problema que sigue afectando nuestra sociedad: la sexualización de la mujer en los medios de comunicación, la publicidad y otros ámbitos públicos, como son los escenarios. Creo que hay mucha responsabilidad en todas las cabezas de cartel en todo este tema. No se debería permitir que la imagen femenina se asocie a un objeto por su atractivo físico y no por sus capacidades. Los jóvenes necesitan otros referentes. Por todo lo expuesto y, sin más ánimo que el de la crítica constructiva, os dejamos esta reflexión de Rocío López (@LaRo_MiRo).
Su videoclip se grabó en Nueva York.
Cuatro años después de Solar Power (Universal Music, 2021) Lorde publica un nuevo tema, el bailable “What was that”. Tanto tiempo desde su último disco, pero no es que la neozelandesa haya estado de brazos cruzados, ya el año pasado pudimos escuchar su colaboración con Charli XCX en “Girl, So Confusing”.
“What Was That” ha sido coproducida por Lorde junto a Jim-E Stack y Dan Nigro, y su videoclip se grabó en Nueva York, con un cierre rodeado de fans en el Washington Square Park.