Cada vez que Impedimenta anuncia una nueva publicación de Maryse Condé se genera una sensación de alivio instantáneo. Es como curar el mono generado por su anterior novela publicada, y así sucesivamente.
Que no quepa la menor duda de que esta dinámica se va a volver a repetir con “El evangelio del Nuevo Mundo”. Eso sí, me temo que en esta ocasión la curación de la ansiedad provocada va a ser incluso más difícil de curar que en anteriores ocasiones. No en vano, estamos ante la obra magna de la escritora nacida en la Isla de Guadalupe. Un Opus literario intimidante gracias al halo de eternidad que desprende en cada una de sus páginas. Narrativa poética surgida desde los contornos estéticos del realismo mágico. Lo que se entiende como una posibilidad única de toparnos con una especie de versión poscolonial de las Sagradas Escrituras.
En todo momento, la prosa de Conde esconde el secreto de las palabras robadas a las musas de la inspiración. El delicioso lirismo que recorre cada palmo de texto plasma la habilidad de una autora única en esa tarea tan complicada de extraer belleza de los relatos más duros, pero no para atemperar la realidad descrita, sino para iluminar el relato de esperanza. La misma aquí embotellada en estas trescientas sesenta páginas, dibujadas a través de una historia universal de racismo y feminismo de profundidad catártica, que ella traslada con naturalidad pasmosa hasta el olimpo de las narraciones cuasi sagradas.
En este sentido, estamos ante una redimensión literaria de halo poscolonial que Maryse Condé escribe en un esfuerzo sublime por integrar mística bíblica con realismo contextualizado en un encadenado de hechos que van de la lucha social a nivel laboral hasta la Suráfrica post-Apartheid.
La ficción se entremezcla con la memoria en una explosión artística de altos vuelos, tras la que se esconde una de las novelas más imaginativas y bellas en su gesto literario de estas últimas décadas. Ni más ni menos. Y ahora, a pasar otra vez por el mono.
Con su nuevo disco Respect The Come Up bajo el brazo.
Meekz, el enigmático rapero británico que ya ha colaborado con pesos pesados del género como Dave, Central Cee o Fredo, anuncia una única fecha en España en la que presentará su álbum Respect The Come Up, publicado a mediados del pasado mes de noviembre.
El público de la capital disfrutará del directo del cantante de Mánchester el 21 de marzo en la sala Moby Dick. Una oportunidad especial para empaparse con un show encendido donde muestra su dura vivencia rodeado de robos, tráfico de drogas o violencia, como atestiguan temas como “Like Me” o “Can’t Stop Won’t Stop”.
Las entradas para esta fecha de Meekz en Madrid están disponibles a través de Live Nation y Ticketmaster a un precio de 19 euros más gastos.
Jungle verá la luz el próximo mes de marzo.
El dúo francés The Blaze ha publicado en el día de hoy un nuevo avance del que será su segundo LP Jungle. Tras los adelantos de “Eyes” y “Dreamer” nos presentan “Clash”, uno de los temas más bailables de los que nos han avanzado y que sirve como más que efectivo aliciente para que sus seguidores cuenten los días hasta que vea la luz Jungle el próximo 10 de marzo.
The Blaze – “Clash”
The Blaze en España en 2023
Os recordamos que los franceses serán uno de los platos fuertes de dos festivales nacionales de este próximo verano: el Bilbao BBK Live y el Cala Mijas, ambos organizados por Last Tour.
Fino Oyonarte, el incombustible bajista de Los Enemigos y productor del indie de los noventa, ha presentado Arrecife, su segundo álbum en solitario.
Un verano de los años ochenta, en un garito del Cabo de Gata, Jose Luis «Fino» Oyonarte conoció a Iñaki Fernández de Glutamato Ye-Yé. El uno y el otro andaban tras la pista de Joe Strummer, que ya se había radicado entre Granada y Almería. Allí comenzó el viaje de Fino. No solo el viaje literal —el que le despegó de la costa almeriense en siete horas de traqueteo de un Talgo para arribar al Madrid de la movida—, sino también el viaje vital que en las casi cuatro últimas décadas le han convertido en una pieza irreemplazable en la crónica del rock alternativo de nuestro país.
Toda esta historia la cuenta Fino en «Afortunado», la canción que estrenó Sueños y tormentas (Buenaventura, 2018). Después de tantos años haciéndole la cobertura a Josele Santiago en Los Enemigos, Fino Oyonarte se estrenó como cantautor a los 54 años. Entre medias, había susurrado melodías de noise-pop junto a Cristina Plaza en Clovis y se había recreado en las atmósferas improvisadas de Los Eterno. Además, su nombre aparece en los créditos de numerosos discos en la categoría de productor —Los Del-Tonos, Lagartija Nick, Mercromina, Los Planetas…—. Ahora, y desde 2018, se da el gusto de componer y grabar su propia mundología en forma de canciones. Y todo, instigado por un episodio que lo asomó al abismo: un infarto. Aquello que dicen que cuando estás a punto de morir ves tu vida pasar a toda velocidad, para Fino se hizo álbum.
Más de cuatro años después de Sueños y tormentas, la vida lo ha puesto de nuevo ante el espejo. No solo a él, sino a toda la sociedad. Aquella experiencia global de un brote epidémico y la personal de perder a su madre y a su padre en menos de un año son el punto de partida de Arrecife (Buenaventura, 2023), el segundo álbum de Fino Oyonarte. Después de cuatro sencillos, el pasado viernes 10 de febrero vio la luz. Aquella misma noche lo presentó en directo en el Centro Párraga de Murcia (festival Microsonidos), cerca de su tierra y en compañía de su viejo amigo Joaquín Pascual.
EL ENANO RABIOSO: Después de todo este tiempo viviendo en Madrid, en este segundo disco haces referencias más explícitas a Almería. ¿Se echa de menos la tierra?
FINO OYONARTE: Hombre, hay cierta nostalgia. Aunque llevo treinta años en Madrid, Almería siempre está en mi corazón. El disco además se llama Arrecife, la portada de los singles son trocitos del Arrecife de las Sirenas, hay muchos componentes del mar, de la naturaleza, de la costa de Almería… El arrecife es un cuadro que tengo delante de mi ordenador donde yo trabajo. Lo veo todos los días cuando estoy trabajando. Cuando hago relajación y abro los ojos, lo primero que veo es el arrecife. Y resulta que ese cuadro lleva conmigo ahí treinta años. Me lo regaló mi madre, lo pintó ella. Cuando quería poner título al disco, no sabía qué hacer. Le di muchas vueltas. Y al final, después de tener varios folios escritos con títulos, dije: «Arrecife, ¡si lo tengo en frente!». A veces no ves las cosas. Las tienes al lado y no te das cuenta.
E. E. R.: Tanto en Sueños y tormentas como en Arrecife descubrimos a un Fino Oyonarte apegado a músicas muy alejadas de las que ya conocíamos de ti. No solo el rock cañí de Los Enemigos, sino también el indie-rock de Clovis o el kraut-rock de Los Eterno. ¿Has aprovechado la libertad de firmar un disco en solitario para hacer otras músicas que siempre te han gustado pero que nunca habían encontrado hueco en tus bandas?
F.O.: Sin darme cuenta he recurrido a las bases de las músicas que a mí me han influido o me han gustado de pequeño. Ha sido un viaje en el tiempo de cuando yo era niño hasta ahora. Reconozco que muchas de las canciones que hay, sobre todo las más luminosas, tienen mucha influencia de los Beatles o del Pet Souds de los Beach Boys. Quise jugar con esa instrumentación, con los cascabeles, con el mellotron… Con una serie de elementos como Brian Wilson planteó en Pet Sounds. Hay una que se llama «Entre tú y yo» que es muy Leonard Cohen. Me ha gustado siempre, pero no me lo ponía todos los días. Yo, de pequeño, mientras estaba escuchando Leño o estaba escuchando Lou Reed, mi hermano mayor escuchaba Serrat y escuchaba Leonard Cohen. Debe de ser que me ha venido esa música ahora. Se ha filtrado.
E.E.R.: Además del rock de autor clásico, tipo Nick Drake o Lou Reed, yo noto un aire español muy noventero. Especialmente, un halo de Donosti Sound. Tú has trabajado con Javier Sánchez de La Buena Vida cuando produjiste un disco de AMA, su otra banda. ¿Qué te ha quedado de ello en tus canciones?
F.O.: Sí, somos muy amigos y también me han gustado mucho siempre La Buena Vida. Fue una influencia para Clovis muy importante. A parte de amigos, somos superfans y hacíamos una versión de ellos. Aparte, la nota de prensa de mi primer disco la hizo Irantzu [n. del a.: Irantzu Valencia de La Buena Vida]. Así que hay mucha comunión en muchas cosas. Pero las referencias son muy antiguas, de los años sesenta, principios de los setenta. Bueno, puede haber alguna más actual. De hecho «Naufragar» es una canción que me costaba mucho enfocarla. Yo tenía una idea de que tuviera timbales, pero no sabía muy bien hasta que escuché una canción de Damien Jurado que tenía timbales y acústica, y dije: «por aquí tiene que ir».
E.E.R.: Sueños y tormentas recopiló toda tu vida, el paso del tiempo, en nueve canciones. ¿Qué hay en Arrecife? ¿Versos que quedaron en el tintero o una continuidad de esa crónica vital?
F.O.: Cuando salió el otro disco había algunas que ya estaban medio hechas, o medio bocetos. Después sacamos Los Enemigos un disco, Bestieza. Yo llevaba año y medio o dos años centrado en Enemigos: la preparación, todos los ensayos, la grabación… Entonces, como se paró con la pandemia, al poco tiempo decidí que era el momento de retomar esas canciones que tenía para un posible segundo álbum. Ahí surgieron un par de canciones que curiosamente son las mas vitalistas: «A tu lado» y «Avanzar». Son canciones muy luminosas, muy «vamos adelante, vamos a salir del hoyo, de esta situación que hemos pasado». Después, por desgracia, la desaparición de mis padres. Me empeñé en hacer una canción para cada uno y ya cerrar el círculo.
E.E.R.: Aunque ya tenías tu bagaje en la escritura de canciones con Clovis y con algunas de Los Enemigos, ¿cómo te enfrentaste al folio en blanco para componer tus primeros discos en solitario? ¿Le pediste consejo a Josele?
F.O.: Josele la verdad es que tiene un talento innato a la hora de escribir. Algo lo mismo se ha quedado. Sí que he tenido presente algunas de las cosas que él siempre ha comentado, como que seas honesto contigo mismo, que hables de lo que sabes, que tengas voz propia… Todo ese tipo de cosas que quizá yo he practicado menos porque he estado más centrado en dirección musical, en composición… y el tema de textos lo tenía un poco más en segundo plano. Es verdad que no sabía cómo iba a enfrentarme a mis canciones en solitario, pero cogiendo la guitarra, solo con eso, me vale.
E.E.R.: ¿Podemos confirmar con Arrecife que este proyecto con tu nombre y apellido no es flor de un día?
F.O.: La verdad es que, como ya había abierto la puerta con Sueños y tormentas, vi que me interesaba ese camino, independientemente de que siga manteniendo mi energía y mis ganas en Los Enemigos. Tenía muy claro que quería hacer un segundo disco, eso es verdad. Igual que ahora te digo que quiero hacer un tercero. Este camino ya está abierto. Creo que todavía me gustaría contar cosas y me gustaría aprender y jugar con un montón de cosas. Los Enemigos es una faceta en mi vida artística y profesional, pero también me interesa desarrollar esta.
ARRECIFE.
Incubado en cuarentena, la grabación de Arrecife se dilató en el tiempo y en la distancia. Comenzó en Madrid, a medio camino entre el estudio casero de Fino y el de César Verdú (Schwarz, León Benavente). Allí cimentaron las canciones para, más tarde, viajar a los estudios Río Bravo de Valencia, donde se apuntalaron con las sabias manos de Xema Fuertes y Caio Bellveser (Josh Rouse, Alondra Bentley) y el pulso a la batería de Alfonso Luna (Tachenko). La nómina de colaboraciones fue creciendo hasta impugnar el epíteto de «disco en solitario» de Fino Oyonarte. Raúl Bernal y Joaquín Pascual a las teclas, Ana Galletero al violín, Pepe Andreu al fliscorno, Nacho Olivares al farfisa, Cristina Plaza en los coros… y hasta las voces de su hermana y el violonchelo de su sobrina en «La vida es un sueño», un homenaje en familia a Salvador Oyonarte, el padre de Fino.
Toda esta obra necesitaba un último barniz. Un revestimiento de vientos y cuerdas que pusiera Arrecife a la altura de aquella maravillosa actuación que Fino realizó en el programa de TVE Un país para escucharlo, donde la Orquesta Ciudad de Almería arropó «Estos años». Para ello, las canciones de Oyonarte se plantaron en Seattle para que Philip Peterson y Victoria Parker (Lana del Rey, St. Vincent, Lorde) acabaran de coronar Arrecife con sus arreglos filarmónicos. El resultado: once nuevas canciones cuyo autor nos resume.
«A tu lado»
F.O.: La hice poco después del confinamiento y es una canción que trata de lanzarte a hacer las cosas. Que si te propones hacer algo, hazlo. Porque siempre va a haber muchas energías negativas que te van a tirar hacia abajo, que te van a desmotivar. Es una canción que anima o autoanima a tirar hacia adelante. Ya tendrás tu satisfacción emocional. Eso está asegurado.
«Avanzar»
F.O.: Es muy Harrison, en ese plan un poco sixties y con un punto ahí al Mac DeMarco de la última época. Es una canción que te propone que hay que avanzar, que hay que seguir hacia adelante y, bueno, habrá muchos obstáculos, pero hay que pasarlos.
«Tempestad»
F.O.: Aunque tiene ese título tan terrible, es también positiva. Son reflexiones sobre el paso del tiempo, sobre el vivir el momento. Uno parece que siempre está esperando otra vida, como decía Rafael Berrio en «Simulacro» [n. del a.: Fino versiona esta canción de Rafael Berrio en el álbum homenaje al desaparecido músico donostiarra].
«Tan lejos»
F.O.: Es una canción inspirada en Paris, 1919 de John Cale, ese disco y esa canción tan acojonante. Pero no se parece en nada, porque tampoco es que estuviera copiándola. Simplemente quería hacer algo así, tan bello como eso. Ahí canta también Cris [Cristina Plaza], que es la primera vez que participa en mi proyecto en solitario.
«Forma de ser»
F.O.: Es aceptarte como eres después del paso del tiempo y de la edad. Es como que reconoces que te gustaría que fueran las cosas de una manera o de otra, pero al final eres como eres. Puedes aprender muchas cosas, puedes tener inquietudes, pero tu personalidad ya se forjó de pequeño. En esa canción jugué con toda la estética del Pet Sounds, metiendo toda la instrumentación y el cambio de tempo de la estrofa al estribillo.
«Entre tú y yo»
F.O.: Es un poco más Leonard Cohen. Ahí participa Joaquín Pascual, que es un músico excelente y un amigo de toda la vida, desde la época de Surfin’ Bichos y Mercromina. Y hablando de Surfin’ Bichos, después de todo esto me llamaron. Coincidió que iban a hacer un disco y pensaron en mí para que les ayudara a grabar.
«Naufragar»
F.O.: Habla de hacer las cosas simplemente por amor al arte. Es decir, puedes tener más éxito, menos éxito. Pero si ves que las cosas no funcionan como tú esperabas o no funcionan directamente, no por eso vas a dejar de hacer canciones o vas a dejar de escribir o vas a dejar de pintar… Si tienes una necesidad creativa de hacerlo, ¿por qué no lo vas a hacer?
«Embarcadero»
F.O.: Almería, en cierta manera, tiene algo que se respira en las canciones. Sobre todo en «Embarcadero», que aunque tenga su sentido un poco más en la reflexión, en la soledad, en la introspección, en los sueños y en qué quieres hacer, también es una especie de paseo onírico sobre la costa de Almería. En concreto, el embarcadero de Aguamarga. Me di una vuelta por allí un día de invierno que no había nadie.
«Espejo»
F.O.: Me vi un día en un espejo y dije «qué mayor estoy ahora recién levantado [ríe]. Bueno, vamos a llevarnos bien, que hay que hacer una canción». En la portada se ve un espejo que es también un símbolo. Es un espejo que me traje de casa cuando se desmanteló. A través de él reflexiono un poco. Es una especie de juego, de ver pasar el tiempo. También hay reflexiones sobre mundo y la gente que te rodea.
«Amor» y «La vida es un sueño»
F.O.: La canción que acaba en cada cara del vinilo es una dedicada a mi madre y la que está dedicada a mi padre. «La vida es un sueño» era lo que él decía cuando hablaba sobre ella, cuando ella no estaba. Decía: «he tenido mucha suerte en la vida, haber estado setenta años juntos y habernos querido tanto… Para mí la vida es un sueño». Me quedó esa frase marcada. Me impactó mucho y me parece un recuerdo bonito.
El mundo de la música es realmente apasionante y en el mundo del cine hay verdaderas obras de arte. Las bandas sonoras de muchas películas han sido el causante, en gran parte, de que la película tenga éxito. Las bandas sonoras de muchas películas te ayudarán a sentirte como dentro de un casino. Puede que muchas de estas te sirvan para ambientar tus sesiones jugando a baccarat online o a cualquier juego de casino que disfrutes. Elegir la canción perfecta para una película no es fácil, por ello, cuando una banda sonora triunfa es algo tan llamativo. En este artículo hablaremos de algunas de las bandas sonoras más importantes y conocidas de la historia de las películas de casinos.
Las ventajas de una buena banda sonora
La importancia de las bandas sonoras en películas sobre casinos no se puede subestimar. Estos trabajos musicales pueden ayudar a transportar al público a la atmósfera de los casinos, permitiendo que se sientan como si estuvieran en el lugar donde transcurren los eventos. Si visitas el mejor casino online España te darás cuenta que jugar a juegos de azar rodeado de buena música te hará disfrutar mucho más de estos y te ayudará a transportarte y hacerte sentir como en un casino tradicional de toda la vida, como los que salen en las películas. La música también se usa para reforzar los momentos emotivos, intensificando el drama o la comedia, dependiendo del género. El uso adecuado de la música también puede ayudar a reforzar el mensaje central de una película y sugerir ciertos sentimientos o ideas sin necesidad de diálogo explícito.
Top 5 bandas sonoras de películas de casinos
Las bandas sonoras de películas sobre casinos son un elemento clave de estas películas, pues permiten darle a las escenas el toque de emoción, euforia o tensión que necesitan. Muchas de las canciones que mencionaremos en este artículo son verdaderas obras de artes de algunas de las estrellas musicales más grandes de la historia y el hecho de que aparezcan en estas películas no es más que un aliciente para su éxito. Artistas como Elvis Presley o los Rolling Stones son algunos de los creadores de las bandas sonoras más exitosas del cine sobre casinos.
A Day in the Life – Ocean’s Eleven (2001)
El popular filme de 2001 protagonizado por George Clooney, Brad Pitt y Matt Damon presenta una banda sonora que es perfecta para la temática del casino. De entre todas las grandes canciones que suenan en la película, destaca “A Day in the Life” de Elvis Presley. El cantante no podía pegar mejor con la temática de la película, pues es una de las imágenes más icónicas de la ciudad de Las Vegas.
You Know My Name – Casino Royale (2006)
La banda sonora de Casino Royale es una joya compuesta por el británico David Arnold. La música se caracteriza por ser épica, intensa y a la vez glamorosa, lo cual refleja perfectamente el estilo de las películas de James Bond. Su banda sonora, la canción “You Know My Name” interpretada por Chris Cornell, te hará sentirte como en un casino real.
I hate myself for loving you – Rounders (1998)
La música de esta película es genial y perfecta para el casino. Toma prestado de los sonidos de las grandes bandas de jazz de los años 20 y 30, la banda sonora se siente como si estuvieras en un club nocturno de Nueva York en esa época.
You can´t always get what you want – 21 Blackjack (2008)
La banda sonora de 21 Blackjack es una mezcla de jazz, soul y R&B que seguramente te pondrá a bailar en tu silla. Destacados artistas como Aretha Franklin, Otis Redding, Nina Simone y James Brown aparecen en la lista de canciones, por lo que no te puedes perder esta increíble banda sonora. Destacar You can´t always get what you want, de los Rolling Stones.
Walk on the Wild Side – Casino (1995)
Esta banda sonora es perfecta para una película de casino. Contiene todos los elementos necesarios para hacer que la audiencia se sienta como si estuviera en el casino, desde las notas excitantes durante las escenas de acción hasta las más tranquilas durante las escenas románticas. De todas las canciones de la banda sonora, si hay que quedarse con una, esta sería Walk on the Wild Side, de Jimmy Smith, una verdadera obra de arte.
Conclusión
Las bandas sonoras de películas sobre casinos han sido un componente clave para contar las emocionantes historias que rodean el juego. Desde el clásico tema de “The Man with the Golden Arm” hasta los ritmos modernos de “Ocean’s Eleven”, estas bandas sonoras han capturado el espíritu del casino y nos han permitido sumergirnos en la acción. Estas bandas sonoras se convierten en parte de la experiencia de ver la película, y esperamos con ansias oír qué más nos ofrecen las próximas producciones cinematográficas sobre casinos.
Este doble cartel pasará por tres ciudades españolas
Han pasado 20 años de The Smell Of Your Own (2003), un disco que de alguna manera definía lo que era la escena indie de Toronto cuando comenzaba el siglo XXI. Era el segundo disco de The Hidden Cameras, cuando Owen Pallett formaba parte de la banda y disfrutaba de aquellos momentos de efervescencia de los que así hablaba:
Se sentía todo como una fiesta en el escenario, éramos parte de una gran escena gay en la ciudad, muy fértil artísticamente, y fue un momento de celebración en nuestras vidas.
Una buena razón para embarcarse en una gira conjunta, cuyos conciertos tienen una estructura diferente. Porque el protagonismo es compartido, ninguno es más importante que el otro. Owen Pallett será el encargado de abrir el concierto, y permanecerá sobre el escenario como parte de The Hidden Cameras en formato trío. Cuarenta y cinco minutos tocarán cada uno de ellos, que darán paso a una tercera parte, la última, que cerrará el concierto con canciones de Pallett interpretadas de forma conjunta y el hit de The Hidden Cameras “I Believe In The Good of Life”.
Tres conciertos que deberían estar en todas las agendas. Tomad nota:
*20 marzo: BARCELONA (La Nau) – entradas
*21 marzo: VALENCIA (Loco Club) – entradas
*22 marzo: MADRID (Sala Cool) – entradas
El grupo confirma que su nuevo disco saldrá en abril.
Cala Vento continúan mostrando poco a poco qué es lo que encontraremos en su nuevo disco. Tras los avances hace algunos meses de “Equilibrio” y “Casa linda”, y hace menos de “Ferrari”, el dúo nos sorprende con “Conmigo”, una canción en la que dejan a un lado la guitarra y la batería para entregarse a los teclados y una base bailable; tanto que en el videoclip oficial, obra de Georgina Torrado, no pueden resistirse.
“Siempre hemos soñado con poder estar un día en el escenario sin la guitarra y sin la batería. Libertad de movimientos para salir de la zona de confort y que pasen cosas. Conmigo es una canción que, como es habitual, empezó siendo una bonita balada guitarra y voz, pero con el paso de los días fue mutando hasta convertirla en algo distinto: un final de concierto en el que olvidarnos de nuestros instrumentos habituales, darle al play y disfrutar con el público”.
“Conmigo” será el corte que cierre el cuarto álbum de Cala Vento; un trabajo del que ahora sabemos que se publicará en el mes de abril a través de su sello, Montgrí.
Cala Vento – “Conmigo”
Próximos conciertos de Cala Vento
18-19 de marzo: CIUDAD DE MÉXICO (Festival Vive Latino)
6-8 de abril: BENICÀSSIM (Festival SanSan)
29-30 de abril: MURCIA (Festival Warm Up)
26-27 de mayo: SANTA COLOMA DE QUERALT (Festival Maig)
23 de junio: MADRID (Tomavistas Festival)
6 de julio: BILBAO (Festival Bilbao BBK Live)
7 de julio: BARCELONA (Festival Cruïlla)
28 de julio: PORRERES (Festival MOBO)
Foto de portada por Anna Mendiola.
Del 23 al 26 de agosto podremos disfrutar de uno de los mejores line up del año
Después de las últimas incorporaciones era recurrente el preguntarse qué le faltaba al cartel del CanelaParty 2023. Porque nos decían que quedaban nombres por anunciar pero era difícil imaginarse qué más podía faltar. ¿¡Pero quién más quedaba por incorporarse!? Pues sí, quedaban cinco nombres por conocer, que confirman su personalidad y su gusto por la variedad estilística.
La mejor noticia es que King Gizzard & The Lizard Wizard se suma al cartel del CanelaParty 2023. Había muchas probabilidades de que los australianos fueron una de las últimas confirmaciones, pero el hecho de que se haya hecho realidad es una doble buena noticia: por su torbellino sonoro y porque eso significa que Stu Mackenzie está muchísimo mejor.
Pero no son los únicos. La punzante sensibilidad de Snail Mail tendrá ocasión de confirmar por qué se ha hecho indispensable con sólo dos discos, Squid prácticamente estrenarán en directo su segundo disco y los veteranos Cave In nos confirmarán porque siguen siendo fundamentales, veintisiete años después. Más allá de los nombres internacionales, también hay que destacar la incorporación de los malagueños La Trinidad, que con su capacidad para pasar del garage al rock más clasicista próximo al pop estaban tardando en ser estrellas del pitote.
Al igual que pasó el año pasado, el CanelaParty firma uno de los mejores carteles del año, el mayor reclamo que pueden tener. Ahora que ya se ha desvelado al completo, no hay motivos para dudar si se debe comprar un abono. No sería de extrañar que colgaran el cartel de sold out, así que no dudes en pasarte por su web. Ahora mismo puedes comprarlo al precio de 90 euros más gastos.
Será una de las teloneras en la nueva gira de Taylor Swift.
No ha pasado ni un año del lanzamiento de beatopia y beabadoobee está de vuelta con nuevo material. En esta ocasión se trata de “Glue Song”, un tema que ya se pudo escuchar en su NPR Tiny Desk Concert publicado a finales de 2022, pero que ahora ve la luz de manera oficial.
Esta canción, escrita mientras viajaba por Asia y Australia durante el año pasado, nos trae a una artista mostrando su lado más acústico, recordándonos a sus primeros trabajos.
“Escribí gran parte de esta canción mientras estaba de gira por Australia y Asia en la parte trasera de los autos y viajando. Es una canción sincera que significa mucho para mí…. Una canción de amor y la primera que escribo en mi nueva relación. Por lo general, escribo estas canciones que son tristes, en el pasado con mi escritura, incluso cuando no suena triste mirando hacia atrás, la letra generalmente lo ha sido. Por primera vez, solo soy yo siendo realmente feliz. Estoy en un lugar realmente positivo por primera vez en mucho tiempo y sintiendo amor. Grabamos la canción con mi guitarrista y productor Jacob en su casa y le agregamos trompetas y cuerdas. Esta canción se siente muy personal y fui a mi ciudad natal en Ilo Ilo para filmar el video musical. Es donde nací y eso también agregó otro toque personal a la canción”.
El videoclip de la canción, grabado su Filipinas natal, ha sido dirigido por Jacob Erland.
beabadoobee – “Glue Song”
Gira junto a Taylor Swift
A comienzos de marzo Bea estará actuando en distintas ciudades europeas, ninguna española, para viajar posteriormente a Estados Unidos y acompañar a Taylor Swift en algunas de las múltiples fechas de su The Eras Tour que comenzará el 17 de marzo.
Foto de portada por Jacob Erland.
Su primer adelanto llegará en marzo.
La formación vasco-francesa Orbel confirma la publicación de Reworks, un trabajo donde presentarán versiones de los temas de su segundo álbum Lur Hezea, que vio la luz el pasado 4 de noviembre.
Los ochos temas del disco contarán con distintas colaboraciones con artistas que van del noise al dance: worriedaboutsatan, Drowse, Mondkopf, Almeeva, Lucian Moreau, El_Txef_A, Tom Beaudouin y Lumi. Thibault Chaumont (Carpenter Brut, Birds In Row, Ulver) es el encargado de la producción del álbum, tras haber trabajado con el grupo en Lur Hezea.
Aunque para el lanzamiento oficial de Reworks haya que esperar hasta el 12 de mayo, en marzo ya podremos escuchar un primer adelanto del mismo.
Foto de portada por Fanny Maillard.