Charlamos con Nacho Mur, guitarra y uno de los integrantes de La M.O.D.A. (La Maravillosa Orquesta del Alcohol).

Nos citamos con Nacho Mur que nos atiende amablemente desde Burgos, esa ciudad que un bético como yo lleva marcada a fuego por la alegría de un ascenso allá por 1994 vivido en directo en el Plantío. Y ellos, como nosotros aquel glorioso día, son capaces de convertir el frío del norte en cálidas melodías, divertidas y sobre todo cercanas, que están convirtiendo a La M.O.D.A. en uno de esos grupos en plena efervescencia.

Tras el estreno hace un par de semanas de su último tema, “Colectivo Nostalgia”, la banda sigue girando por España, ganándose cada vez más el reconocimiento del público y consiguiendo que el boca a boca los posicione entre las bandas de referencia en nuestro país.

Entrevista a La M.O.D.A.

Buenos días Nacho ¿Como lleváis la gira de conciertos durante este 2019?

Estamos muy contentos, la verdad. El año pasado pudimos tocar en todos lados. Casi cien conciertos, pasando por Colombia, México, EEUU, etc. y luego en España hicimos una gira de salas bastante larga y también de festivales.  Ye este año, haciendo el resto de festivales que no pudimos hacer el año pasado, alguna fiesta y luego a final de año haremos un final de gira que anunciaremos en breve como despedida del disco que tantas alegrías nos ha dado.

¿Cómo lleváis eso de compatibilizar familia, trabajos, viajes, etc.?

Bueno, este oficio tiene eso. Al final estás fuera de casa muchísimo tiempo, pero casi siempre hemos vivido así. Respondiendo por mí, llevo toda la vida haciendo esto y nos encanta vivir así. Hay veces que está claro que es duro, mucho cansancio, días de dormir poco, días que faltas en casa a eventos familiares y esos son los momentos más difíciles de eso, pero hay trabajos más difíciles y duros, como para que nos quejemos nosotros de hacer aquello que nos gusta.

Habéis publicado de forma consecutiva un LP, un EP y ahora un tema o sencillo. ¿Ha sido premeditada esta secuencia?

Realmente no estaba premeditado. Cuando sacamos el disco no sabíamos que luego íbamos a publicar un EP o ahora esta canción suelta. Hacemos las cosas siempre según el momento (la verdad es que vivimos todo muy al momento). Vamos trabajando día a día, siempre buscando canciones nuevas que tocar y vamos haciéndolo como se va dando, dentro de las posibilidades que tenemos. Sin embargo, nosotros a lo que más importancia le damos y más le dedicamos es a hacer un disco completo, pero a veces surgen canciones que quieres sacar o ves que no tienes sentido dejarlas para un futuro porque no sabes cuándo publicarás un nuevo disco o ves que estilísticamente eso no va a cuadrar. Por cierto, teníamos varias canciones para sacar en el EP 7:47 que veíamos que eran canciones muy diferentes, más rockeras, más agresivas, más directas y nos apetecía, y tuvimos el capricho de grabar con un referente del punk y del hardcore como es Steve Albini en Chicago (que ahora que lo pienso me parece una locura).  Y ahora con “Colectivo Nostalgia” nos ha sucedido algo parecido, porque teníamos la canción y el nombre de Raúl Refree ahí rondando en nuestras conversaciones porque nos gusta mucho el trabajo que siempre ha hecho y contactamos con él. Le pareció una buena idea y estamos encantados.

Nacho, y todo esto que nos estás contando, ¿lo podéis hacer porque contáis con la independencia que os atesora en esos momentos?

Totalmente. No sé cómo funcionaría en una gran discográfica porque no tenemos esa experiencia para opinar, pero es verdad que la independencia el punto positivo que tiene es justo eso, libertad en todas las decisiones. Además, tenemos la suerte de que nos están yendo bien las cosas y podemos permitirnos hacer eso. Decir, por ejemplo, vamos a grabar con Raúl Refree, contactar con él, que estuvo encantado de hacerlo. Yo miro para atrás y veo que en un año hemos grabado en Chicago, ahora con Raúl, que es un referente, el disco con Santi García y Diego Galán, esto es una maravilla. Así que ojalá dure esta aventura, pues estamos teniendo en muy poco tiempo muchas cosas muy gratificantes.

Como sabéis os llevamos siguiendo bastante tiempo (entrevista en 2014), os hemos visto recientemente en Interestelar con un público entregado y una asistencia absolutamente brutal ¿Cómo lleváis esa evolución desde hace dos años hasta hoy?

Pues el concierto que has comentado en Interestelar fue increíble. Eran las siete de la tarde, hacía un calor de infierno y estaba todo el mundo cantando todas las canciones, saltando… fue muy emocionante. La verdad es que al sur vamos menos que al norte del país y vemos que ahí está creciendo la gente que nos conoce. Para nosotros fue un concierto muy emocionante. Y sí, hemos crecido en conocimiento del público, pero es verdad que el salto sí que se ha dado con el último disco porque las cosas han avanzado un poquito más, pero de forma gradual. Cada disco es como que se duplica o triplica nuestra repercusión, pero siempre ha sido así. Pero nosotros vamos a seguir haciendo lo mismo y sí, es emocionante ver a tanta gente delante. Nosotros seguimos centrados en lo nuestro, ensayar, hacer canciones y si siguen conectando con la gente de esta manera… felices.

Habéis metido distintos sonidos, estáis incorporando nuevos instrumentos…. ¿hay influencias nuevas en el grupo?

Siempre hay influencias nuevas. La verdad es que La M.O.D.A. somos un grupo que siempre estamos pasándonos música, escuchando todo lo que sale nuevo y revisando todos los clásicos. Al final, aunque escuches muchas cosas nuevas, la música que nos marca y nos motiva siguen siendo esos grandes discos de muchos estilos diferentes y tenemos como igual de importante la referencia de The Clash que la de Johnny Cash. Creo que eso se refleja en nuestra música, pero sí que escuchamos muchas cosas que salen y es que hay tanta música y tan accesible, que me parece algo muy importante en la vida poder tener esta posibilidad. Es una maravilla. Claro que hay cosas malas, pero hay tanta buena que incluso te agobia no poder tener tiempo para escucharla toda.

Y aunque supongo que vosotros estaréis encantados, ¿qué opináis de todo esto de la “burbuja” de los festivales?

Sí, realmente creo que es evidente que hay muchísimos festivales y no sé si hay tanta gente como para tantos festivales como hay en España. Es verdad que es un debate que se está teniendo y que hay que tener. ¿Que antes o después las cosas puedan cambiar, que se vayan quedando solo algunos de esos festivales, los que están mejor organizados, los más grandes, los que tienen más medios tienen….? Yo creo que es inevitable. Aún así, a mí me parece un motivo de alegría que la “burbuja” sea de eso, de música en directo, que la gente vaya. Porque un festival es lo que es, gente que va por la música pero también por la diversión, por la experiencia. Ojalá la “burbuja” fuese de conciertos en salas y aún así se llenaran. Pero nosotros estamos encantados y agradecidos a los festivales porque nos posibilitan llegar a muchas personas que sin ellos no llegaríamos. Para mí lo más interesante de un festival es esto, tanto como público como músico, poder ir a un festival y conocer música nueva es lo mejor que te puede pasar.

Al final de mes tocáis en casa, en Burgos ¿alguna sorpresa o algo especial para este concierto?

Nosotros la verdad es que nos somos un grupo muy de sorpresas. Nuestra propuesta está clara, salimos a sudar la camiseta, pero en algunos conciertos (no solo cuando coincidimos en casa) intentamos que algunos amigos participen, pero en este caso no hay nada pensado más allá del repertorio. Ya es una ocasión de por sí especial tocar en Burgos, es algo muy diferente y tenemos tantas ganas, esperamos como la gente.

Gira de La M.O.D.A.

* 7 de junio: VALENCIA (Festival de Les Arts)
* 22 de junio: VALLADOLID (Festival Conexión Valladolid)
* 29 de junio: BURGOS (Fiestas)
* 19 de julio: BENICÀSSIM (FIB)
* 18-20 de julio: GANDÍA (Festival Pirata Rock)
* 18-21 de julio: VILANOVA I LA GELTRÚ (Festival El Tingladu)
* 25-27 de julio: BARBATE (Festival Cabo de Plata)
* 1-3 de agosto BUEU (Sonrias Baixas Festival)
* 3 de agosto: GIJÓN (Festival Tsunami Xixon)
* 5 de agosto: VITORIA (Fiestas)
* 11 de agosto: TORRELAVEGA (Festival Vive La Feria)
* 15-17 de agosto: VILLENA (Rabolagartija Festival)
* 16 de agosto: TORO (Ciclo Música Entre Viñedos 2019)
* 30-31 de agosto: CASCANTE (Festival Estaciones Sonoras)
* 14 de septiembre: MÁLAGA (Oh, See! Festival)
* 20-21 de septiembre: LUGO (Caudal Fest)
* 20-21 de septiembre: GRANADA (Granada Sound Festival)

La 25º edición del festival se celebrará del 18 al 21 de julio.

Kings of Leon y Lana del Rey con fechas exclusivas, Vetusta Morla ofreciendo un concierto rememorando su primer álbum Un día en el mundo, la cuota británica con The 1975, Franz Ferdinand o los efervescentes Fontaines D.C., la imparable progresión de Carolina Durante o Belako. Los atractivos del 25º aniversario del FIB son muy variados y solo hay que echarle una pasada a su cartel para descubrirlos.

Cuatro días, del jueves 18 al domingo 21 de julio, donde Benicàssim será el epicentro ya no solo del panorama indie, sino de los nuevos sonidos urbanos. Una cita para los amantes de la música para la cual tenemos diversas opciones de abonos (de dos, de tres y de cuatro días), así como entradas de días sueltos a través de su web, pero si quieres asistir por la cara te invitamos a participar en nuestro sorteo de 2 abonos individuales de cuatro día con derecho de acampada para lo cual deberás ser seguidor de nuestros perfiles y de los perfiles del FIB.

Sorteo de dos abonos para el FIB 2019

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Los ganadores se conocerán el próximo viernes 14 de junio.

Cartel FIB 2019

El aclamado disco se trasforma en Yawny Yawn

Productor, instrumentalista, arreglista, compositor… Bill Ryder-Jones tiene múltiples facetas. Desde hace más de quince años, cuando comenzó su andadura profesional, no ha dejado de profundizar en el mundo de la música. Su búsqueda se hizo aún más profunda cuando dejó The Coral para desarrollar su carrera en solitario.

El año pasado, a finales, publicó Yawn (Domino, 2018), su cuarto trabajo de estudio. Un disco de pop-rock muy celebrado, que ha decidido reelaborarlo, de una forma más desnuda, solo con piano, para así dotarlo de nuevos significados. Un universo enriquecido que Bill Ryder-Jones ha llamado Yawny Yawn.

No recuerdo por qué pensé que era una buena idea hacer una versión para piano de Yawn. Supongo que, en algún momento, sentí que el original tenía demasiado “vigor”. Fue muy divertido de hacer, aunque desde entonces he desarrollado una cierta aversión por el aspecto de mis manos.

El álbum estará disponible a partir del 26 de julio.

Yawny Yawn tracklist:

1. There’s Something On Your Mind
2. Time Will Be The Only Saviour
3. Recover
4. Mither
5. And Then There’s You
6. There Are Worse Things I Could Do
7. Don’t Be Scared, I Love You
8. John
9. No One’s Trying To Kill You
10. Happy Song

“On Graveyard Hill” es su pegadizo single de presentación.

Cuando en abril conocimos la nueva gira de la banda ya nos advirtieron que será para presentar nuevo material, pues bien, hoy ha sido el día elegido por Black Francis y compañía para anunciar el lanzamiento de Beneath the Eyrie, su séptimo álbum de estudio y el tercero desde que volvieran a reunirse hace algo ya quince años. Este nuevo disco de Pixies, continuación de Head Carrier (2016), verá la luz el 13 de septiembre a través de Infectious/BMG.

En dicho trabajo el cuarteto, formado por el citado Francis, Joey Santiago, David Lovering y Paz Lenchantin, ha contado con la producción de Tom Dalgety, con quien ya trabajaron en su anterior disco. Grabado en Dreamland Recordings, cerca de Woodstock, este Beneath the Eyrie (debajo del nido de águilas) debe su nombre a un nido de águilas que encontraron en uno de los árboles que rodeaba la zona del estudio. Doce nuevas canciones que ya se pueden reservar y cuya carta de presentación es la pegadiza “On Graveyard Hill”.

Pixies – Beneath the Eyrie

1. In The Arms Of Mrs Mark Of Cain
2. On Graveyard Hill
3. Catfish Kate
4. This Is My Fate
5. Ready For Love
6. Silver Bullet
7. Long Rider
8. Los Surfers Muertos
9. St. Nazaire
10. Bird Of Prey
11. Daniel Boone
12. Death Horizon

Pixies – “On Graveyard Hill”

Pero por si no fuera suficiente este lanzamiento vendrá acompañado previamente con el estreno de doce podcast, It’s a Pixies Podcast como han venido a titular, donde Pixies nos mostrarán cómo ha sido el proceso de grabación a través de la narración del periodista del New York Times Tony Fletcher. El jueves 27 de junio es la fecha señalada para su salida en Google, Apple, Spotify, Acast, Sticher y otras plataforma, aunque a continuación os dejamos con un breve tráiler.

Pixies en España en octubre

Como ya os contamos, a finales de octubre tendremos al grupo de gira por nuestro país. Son tantas las ganas que en pocos días se agotaron las entradas de Madrid y A Coruña. Si quieres verlos en Barcelona date prisa y no te quedes sin tu entrada a través de Live Nation.

* 23 de octubre: BARCELONA (Sant Jordi Club)
* 24 de octubre: MADRID (Sala La Riviera) – entradas agotadas
* 26 de octubre: A CORUÑA (Sala Coliseum) – entradas agotadas

Foto de portada por Travis Shinn.

Su actuación será uno de los platos fuertes del Mad Cool 2019.

Preveíamos que Justin Vernon estaba trabajando en un nuevo álbum de Bon Iver tras su 22, A Million de 2016 y con gira anunciada, pero lo que no nos imaginábamos es que íbamos a tener de golpe dos nuevos temas sin previo aviso.

Todo sucedió en la noche de ayer tras su concierto en el festival londinense All Points East, cuando Justin avisó de la proyección de estas dos canciones tituladas “Hey, Ma” y “U (Man Like)” que ahora podemos ver a través de su web.

En “Man (U Like)” aparece el cantante Moses Sumney, mientras que Bruce Hornsby toca el piano y Bryce Dessner ofrece un arreglo coral. Hornsby también figura como uno de los tres escritores de la canción (Recordar que Vernon colaboró ​​con Hornsby en su último álbum, Absolute Zero, que se lanzó en abril). Por su parte en “Hey Ma” encontramos a la cantante Jenn Wasner de Wye Oak.

Bon Iver al Mad Cool 2019

La presencia del músico norteamericano en el festival madrileño es ya conocida desde hace meses, ya que fue de los primeros en confirmarse para la cuarta edición del Mad Cool. Su concierto está fijado en la jornada del jueves 11 de julio junto a otros grandes nombres como The Chemical Brothers, Vampire Weekend, Iggy Pop o Ms. Lauryn Hill.

Bon Iver – “Hey, Ma”

Bon Iver – “U (Man Like)”

El festival Tomavistas confirma un año más su gusto a la hora de crear un line up solvente y con personalidad

¿Hay una forma mejor de celebrar la quinta edición que colgando el cartel de “todo vendido”? Eso es lo que le ha ocurrido al Tomavistas en esta edición de 2019. Lo ha conseguido precisamente en el año más complicado para los festivales: la escasez de grandes giras y el riesgo en los line-up está haciendo sudar a más de uno a la hora de vender entradas. Y mientras algunos ya comienzan a murmurar sobre un posible pinchazo en la burbuja, el Tomavistas consolida su propuesta: su cuidado a la hora de elaborar un cartel, de mantener una coherencia que refleje su espíritu, de combinar nombres consolidados y emergentes, nacionales e internacionales, se reconoce.

Este llenazo ha puesto a prueba el recinto: quizás se les ha quedado pequeño, o puede que sea necesario valorar otra disposición para que el cambio de escenarios sea más fluido. Una de las mejores bazas que tiene el festival, que es el que no se solapan los conciertos, se ha complicado un poco este año, dada la afluencia de público. Un elemento que puede ser mejorado, como ya han hecho con otros detalles en ediciones anteriores (y en esta misma: todo un acierto lo de trasladar la mayoría de las foodtruck a la parte superior).

Viernes 24 de mayo

A Camellos le tocó abrir el festival. Un papel un tanto ingrato, pues no suele ser el momento en el que más gente hay. Pero en esta ocasión había más de lo que podíamos esperarnos: sus seguidores, los que tienen curiosidad por el “boca a boca”, algún otro que venía de nuevas… Nada extraño, porque su directo es una pura juerga: los chistes de sus canciones, los vaciles entre ellos… no son simplemente un grupo de risas. De hecho, todos los que allí estaban dispuestos a cantar todas sus canciones (hasta el último single que acababan de lanzar, “Arroz con Cosas”) e incluso a poguear.

Tras ellos venían Niña Coyote eta Chico Tornado. Todo actitud. Son de esa estirpe especial de dúos que se comen el escenario con muy poquito: una capacidad infinita de exprimir sus instrumentos y una presencia escénica que ya quisieran muchos (Royal Blood, por ejemplo). Ambos vestidos de rosa, fueron todo un espectáculo verlos: él, con la guitarra, contoneándose a ritmo stoner, y ella, tras la batería, sin parar de sonreír, especialmente cuando iban a comenzar cada canción, con cara de “veréis la que os espera”. Al terminar, nos preguntamos ¿cuándo vuelven, para presentar Aizstar?

En ese mismo escenario, después de dos años, volvían Las Odio, con su recién estrenado disco, Autoficción. Y tal y como ocurría al escucharlo, se confirmaba la evolución de este cuarteto. Ya no son solo canciones en las que la resaltaban especialmente las letras, por su capacidad de denuncia, sus referencias filosóficas (Bertrand Russell y la ociosidad), sus metarreferencias en las que se ríen de aquellos que las critican, sino que han ido más allá: han logrado un compacto sonoro que hace que las canciones tengan sentido entre sí. A base de tocar y tocar han definido ese sonido propio que es a lo que debe aspirar cada proyecto musical.

Ya llegaban dos de los momentos fuertes del viernes: Triángulo de Amor Bizarro y Cala Vento. Quince años de carrera frente a cuatro, ambos grupos comparten una masa de seguidores creciente y convencida. Nada extraño, pues hay honestidad en su propuesta y eso cala. Los primeros tuvieron que enfrentarse a un aire que hizo de las suyas con su sonido, pero no ensombreció la eterna sonrisa de Isa y la promesa que le hizo al público: “vamos a hacer mucho ruido“. Claro que sí, un ruido con sentido, que se hace más áspero cuando canta Rodrigo y es paradójicamente agridulce cuando lo hace ella. Cayó algún tema nuevo, lo que nos hace pensar que necesitamos más canciones de ellos. Por su parte, Joan y Aleix llenaron el escenario pequeño: qué diferencia, pues hace dos años, en ese mismo espacio, les tocó abrir la tarde con bastante menos público. Es de esos dúos enérgicos y arrolladores que, claramente, se están abonando al llenazo absoluto. Y no nos extraña si tenemos en cuenta su buen hacer, esa emocionalidad cotidiana que tienen sus canciones, que te obligan a cantarlas a gritos con ellos. Poseen una capacidad para empatizar que parece que son parte de ti.

Después de tanta energía, llegaron dos de la cabeza de cartel: Cigarettes After Sex y Beach House. Son dos propuestas consolidadas, reconocidas, con un valor inegable, pero al situarlas justo después de los dos grupos que hemos comentado anteriormente, se produjo una cierta bajona. El intimismo de Cigarettes After Sex y los ambientes nebulosos de Beach House crearon una especie de burbuja emocional, muy bien acompañada por la oscuridad de la noche. Sin embargo, hay que reconocer que su mérito está hecho para iniciados, para seguidores de ambos grupos: no es mi caso. Me arriesgaría a decir que me sonaban prácticamente todas las canciones iguales (especialmente Cigarettes After Sex: con tanto blanco y negro, se hubiera agradecido una gama de grises). Se me puede echar en cara que otros grupos que me encantan también suenan siempre igual: cierto, es una cuestión de estilemas, de los propios manierismos de los creadores, pero para aceptarlos tienes que entrar en su universo y crear un diálogo sensorial. Pero en este caso, yo no he pasado su pantalla.

Pero eso fue realmente un paréntesis dentro del viernes, pues el escenario Jagermeister nos dio dos alegrías: Playback Maracas y Bronquio. Dos formas de entender la electrónica que dan para hacer un estudio pormenorizado de este género. Los primeros se presentan como unos verdaderos hombres orquesta: uno a la guitarra, otro a la batería y ambos manejando bases y sintetizadores, para mezclar su poquito de pop, algo más tropical, sus toques orquestales, samplers de discursos… Un ambicioso proyecto digno de alabar: si escucháis “Cabesa” lo entenderéis. Por su parte, Bronquio es un absoluto noqueador de beats. Él solo, con su portátil y su sintetizador, parecía estar marcándose una sesión de baile, pero no: eran sus temas, los cuales los estaba rehaciendo, los estaba creando de nuevo para la ocasión, disfrutando con cada giro. Quizás su propuesta no sea tan asequible, pero su fusión con otros artistas, como Pablo Peña (Pony Bravo) en “Galgo” te deja claro que es mucho más que ritmo.

Sábado 25 de mayo

El sábado comenzamos con tres de esos grupos con los que el Tomavistas suele sorprendernos, que no suelen ser habituales en nuestros escenarios, o que es la primera vez que pisan España. Los primeros de la tarde fueron Frankie and the Witch Fingers. Aunque hacía un calor importante, no perdieron fuerza alguna a la hora de presentarnos su alocada forma de mezclar el garage y la psicodelia. Nadie osaría decirles lo de “más rápido” porque ya van ellos a todas las revoluciones posibles. Dylan Sizemore, su vocalista, parece ir fusionado con su guitarra y con la música y no para en ningún momento, tanto que esa emoción es contagiosa. Tras semejante frenesí, llegaron Stonefield. Mucha clase lo de las hermanas Findlay, tanto a la hora de presentarse (con el mismo traje, en diferentes tonos de marrón, y una melena al aire que causaría envidia a más de una en Eurovisión) como por su impecable ejecución. Todo un espectáculo, más stoner que psicodélico, que no puedes dejar de mirar. Tras ellas, llegaron The Beths, con su power pop, que ayudó un poco a aliviar tanta contundencia de los grupos anteriores. Quizás comparados con The Beths no tengan tanta versatilidad instrumental, pero vocalmente ganan. Elisabeth Stokes es de esas cantantes que ya emocionan simplemente con su entonación, con cómo cuenta lo que canta. Te hacen sonreír.

Ya llegaban las horas fuertes del día, que abrieron Morgan. La voz de Nina y la exultante maestría instrumental de sus compañeros son una rara avis dentro de la escena nacional, por una cuestión estilística. Tocan muy bien, son agradables de escuchar, pero ¿no resulta chocante que estén triunfando  de esa manera con un estilo nada habitual en nuestro país? Estamos hartos de ver ganadores de concursos televisivos que quieren ir por esa senda, pero tienen muy poco recorrido. ¿Será una cuestión de autenticidad? Va a ser eso 😉

Igual que el día anterior el escenario Jagermeister nos dio grandes momentos, el inicio del sábado se hizo complicado. Yawners y Terrier sufrieron un sonido con bastantes problemas (llegó a perderse en algún momento), que deslucieron sus conciertos. Aún así, el público disfrutó tanto de ese poderoso dúo que es Yawners, que parece transportarnos a lo mejor de nuestra adolescencia, y de esa diversión infinita que siempre buscan Terrier, de la que siempre acabas formando partes. Es inevitable no unirse a ellos cantando los estribillos.

Entre ambos conciertos, era el turno de Carolina Durante en el escenario principal. Probablemente era uno de los grupos que había generado mayor expectación: tras publicar el primer disco han confirmado que no son precisamente unos one hit wonder, sino más bien todo lo contrario, pues tienen un extraño don de hacer temazos. No, no exagero: ya van nueve veces que les veo y con cada canción nueva que han presentado me han sorprendido con alguna frase, con alguna imagen, con la certera captura de un momento. Si ya de por sí suenen enérgicos, parece que en esta gira van a ir más allá, sonando aún más alto: la “culpa” es de Carlos Hernández Nombela, que va camino de convertirse en el “ZurraMan” por excelencia. Nunca dejará de sorprender que un grupo tan relativamente nuevo sea capaz de crear conciertos tan redondos, que remuevan tanto las pasiones del público.

Pese a todo, siempre hay voces discordantes en cuanto al fenómeno de Carolina Durante. Cierto es que no pueden gustar a todo el mundo, ¿pero es necesario compararlos precisamente con Spiritualized? No es el mismo estilo, las pretensiones de uno y otros son completamente diferentes, son treinta años de carrera frente a dos… Jason Pierce y sus músicos optaron por un cierto preciosismo crepuscular: de hecho, ignoró su amplia trayectoria (sólo tocó dos temas antiguos) y se centró en And Nothing Hurt (Bella Union, 2018)). Impecablemente ejecutado, quizás pecó de perfecto. Fue como una especie de autorretrato complaciente con sus miserias, que son menos porque la experiencia las puede justificar, todo ello acompañado por un casi coro gospel. Sin ser edulcorado, era tan Disney…

Menos mal que después llegarían Deerhunter. Inclasificables en esencia por la cantidad de estilos que han tocado (psicodelia, ambient, noise…), lo que queda claro es que lo que les gusta es experimentar. E iría más allá: quieren hacerlo “divertido”, pues su setlist fue oscilando entre tempos, ritmos y ensoñaciones musicales, con las que era muy difícil aburrirse. Más bien te quedabas fascinado con cada tema. Probablemente fue uno de los mejores conciertos del festival, y como se oyó por allí, Bradford Cox 4 president. Por qué no, si lo hace todo bien.

Ya quedaba poco para cerrar la edición de este año y el escenario Jagermeister retomó el control de su sonido. Trepàt se lo merecía. Después de ese prometedor inicio en 2014, nos quedamos un poco huérfanos de esa sugerente oscuridad con la que nos sorprendieron. Y parece que por fin están de vuelta y nos recordaron por qué nos gustan tanto. Son postales de desencanto nocturno, entre el shoegaze y el synthpop, acompañadas de una querencia por el baile que viene marcada por Juan Luis Torné, su cantante: sus movimientos son hipnóticos. Como guinda, Zahara se subió con ellos a cantar “Torturas en los bares”.

Friendly Fires cerraron el festival, con una auténtica fiesta. Y no se hicieron de rogar en lo que a grandes hits se refiere: abrieron con “Paris” y “Jump in the Pool”, temas en los que Ed Macfarlane hizo gala de su energía y de su contagioso baile. Han tardado en volver, pero tras verlos de nuevo, hay que decirlo: era necesario que lo hicieran, la fiesta sin ellos no es lo mismo.

Galería del Tomavistas 2019

Fotos por Ignacio Sánchez-Suárez.

Cedric y Omar vuelven a reactivar el proyecto que dejaron en 2013.

Las vueltas que da la vida. Si nadie podía pensar que At The Drive-In y The Mars Volta podían volver a funcionar tras los apagones dados por sus dos cabecillas, pues ya está la vida ahí para darte una alegría. Si en 2012 Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodríguez-López rompían 11 años de parón de At The Drive-In, tan solo unos meses más tarde le daban al OFF a The Mars Volta; un desenchufado que parece tener sus horas contadas si hacemos caso a lo que el propio Cedric contestó a través de Twitter sobre una posible vuelta del grupo con un “está pasando”.

¿Y si The Mars Volta se reúnen qué hacemos?

Parece que a estos dos locos les gusta eso de desmontar y volver a reunir proyectos, un ejemplo de ello es la creación de Antemasque en 2014. Aventura que dio como fruto un solo álbum y de la que poco más hemos sabido.

¿Será entonces verdad que The Mars Volta se reúnen? ¿Bromas entre ellos? De ser así, ¿volverán los brillantes tiempos de Deloused in the Comatorium, France The Mute o The Bedlam in Goliath? Por si acaso le seguiremos la pista por Twitter a ver qué suelta el bueno de Cedric. ¿O será Omar quien se vaya de la lengua?

Comenzamos a repasar todo lo que ha dado de sí esta edición del festival.

Mientras terminamos de poner en orden todo lo que ha pasado estos días en el Primavera Sound (del miércoles ya os dimos un avance), no podemos dejar pasar la ocasión de aprovechar las últimas horas del domingo para contar los highlights de esta edición.

Lo mejor del Primavera Sound 2019

• La diversificación de estilos ha traído la diversificación de público. Digno de un estudio sociológico, cada cambio de escenario ha significado un cambio radical en la gente que tenías alrededor. Aporta mucho a un festival esta variedad: algunos lo contarán en algo tan antiguo como un blog, otros lo harán por stories de Instagram.
• Esto también ha provocado menos colas (en general, porque Mordor es y será fiel a su nombre) en baños, barras, etc.
• Este año (décima edición de la que escribe) se ha notado también un cambio en la actitud del público. Otras veces era insoportable ver conciertos con todo el mundo pajareando alrededor. O bien algunas propuestas quedaban descafeinadas por la poca motivación del público. Pero este año en los conciertos que se debería exigir silencio por ley (Low, por ejemplo) no se escuchaba ni el vuelo de una mosca. Y, por primera vez en mucho tiempo, he visto gente bailar, BAILAR, en el festival.
• A pesar de que es una mínima inconveniencia cargar vaso para arriba y para abajo todo el tiempo, ha sido divertido el sistema de premio por recogida y daba la vida ver lo limpio que estaba el suelo a cualquier hora. También ha sido entretenido ver los carteles de todos los años, buscar el vaso de tu primer festi o de aquel que significa algo especial para ti. Sirvió para mucha mucha interacción entre desconocidos (se podría haber montado un Tinder, ahí dejo la idea de negocio para otra ocasión, de nada)
• La carpa Heineken, a pesar de que podría haber terminado muy mal por el calor infernal, ha aportado mucho mucho al festival en cuanto a maneras distintas de vivir un concierto. La sudada te la pegabas y a alguno hasta se le aparecería la Virgen de Fátima, pero no cambiamos por nada los conciertos que pudimos ver dentro, en el top 10 del festival.
• La IPA que han traído este año.
• Mejor gestión del trasiego de público. En los momentos de Trashumancia que antes parecían batallas campales, se veía claramente que ya no había peligro de muerte.
• El césped de la zona conocida como Mordor y su nivelación. Perfecto. Un 10. Por favor, todas las ediciones esto.
• El sonido del escenario Adidas. El del Primavera. El del Ray-Ban.
• La pasarela que te permitía acercarte bastante al escenario de la playa con la arena sin tener que llegar a pisarla y terminar con arena hasta en las orejas.

Lo peor del Primavera Sound 2019

• La poca mezcla del público. Una pena que cada estereotipo de público se quedara en su concierto y no se vieran más barbas canosas en Lizzo o más faldas vaporosas en Primal Scream. Arriesgad más. Escuchad cosas fuera de vuestra zona de confort. Merecerá la pena.
• El sonido lastimero de algún concierto en Mordor. Interpol y Courtney Barnett podrían haber sonado más intensos, pierde fuelle la cosa por algún sitio. Quizá sea cosa del grupo (por ejemplo, en Built To Spill pasa todas y cada una de las veces que tocan), pero es una lástima que un concierto pierda puntos por algo así después de tantos años.
• Que se agotaran las IPAs. Que sólo las hubiera en determinadas barras.
• Que ya se ha acabado hasta el año que viene (Pavement ya confirmados).

Hay combinaciones de grupos que, nada más anunciar el concierto, te fascinan. Un poco más y casi aplaudes en tu casa, en la oficina, en el autobús, donde surja: es perfecta. Algo así ocurrió cuando supimos que Fucked Up y Perro iban a compartir escenario en el Sound Isidro. Porque ambos grupos comparten una forma de entender el punk con cierto sentido del humor, porque rezuman personalidad, porque es muy complicado sentirte indiferente ante ellos.

Una cita obligada, llegamos a pensar nosotros, pues no es tan frecuente que veamos a Fucked Up por nuestro país. Sin embargo, tenía una dura competencia: de un lado, aquellos que se habían marchado a Barcelona, al Primavera Sound; por otro, aquellos que optaron por dos de las sensaciones de la psicodelia andaluza, Derby Motoreta’s Burrito Cachimba y Quentin Gas & Los Zíngaros. Mayo se pone intratable con esto de los conciertos 😉

Abrieron la noche Perro, que se tomaron con cierto humor que no hubiera tanta gente como en otras ocasiones. Que si mañana toca trabajar, que si no os habéis ido al Primavera… Se hace raro ver un concierto de los de Murcia sin pogo alguno: se hacía complicado, se necesita más gente para ello. Se podría decir que es un detalle sin más, que depende de la gente, pero lo cierto es que se merecen esa reacción por esa irrefrenable capacidad que tienen de hacer que te muevas, seas o no de empujones y saltos varios. Porque jamás se rebajan.

Todo son risas, pero hay que reconocer la solvencia y profesionalidad de Perro. Podría afirmar que no les he visto jamás un mal concierto: puede que las circunstancias no les acompañen, pero ellos tienen muy claro lo que su público espera de ellos. Esa contundencia rítmica de sus dos baterías, esa especie de caracoleo que tienen a la hora de tocar la guitarra y el bajo, sus breves intervenciones socarronas que tienen su puntito de crítica (Murcia es África, ya sabéis), el cómo ellos cuatro van cambiándose los instrumentos…

Y todo eso alimenta algo fundamental: su estilo propio. Sólo escuchando unos pocos segundos, puedes reconocer que es una canción de ellos. Ni mucho menos son todas iguales, ojo, pero tienen una esencia que puedes afirmar claramente que es de Perro. Desde esos inicios más hardcore con “Martillo” o las naïf “La Reina de de Inglaterra” o “Marlotina”, hasta canciones más nuevas como “Pickle Rick”, con la que abrieron” o la contagiosa “El Sereno”, pasando por “Ediciones Reptiliano” o “Azul Mayoría Absoluta”. Es difícil encontrar otros como ellos, lo que les hace aún más necesarios.

En cuanto a nervio y vigor escénico, Fucked Up no se queda atrás. Habiendo tres guitarras, además del bajo de Sandy Miranda, no es de extrañar el abanico sonoro que pueden alcanzar. Tanto ellos como el batería forman un conjunto instrumental que, por sí mismos, tendrían un reconocimiento y un rodaje abrumador. Pero es que son mucho más y la “culpa” es de Damian Abraham, su icónico vocalista, que puede eclipsar a todo aquel que se le presente con su presencia escénica.

No exageraría, ni sería una intensita, si dijera que es una fuerza de la naturaleza: tiene algo casi telúrico, que te hace no dejar de mirarle cuando está sobre el escenario. Y fue gracioso, porque midió su aparición para crear una mayor expectación (si es que había poca). Salieron sus otros cinco compañeros, que comenzaron a tocar “Dose Your Dreams” y fue Josh Zucker quien cantó inicialmente. Discretamente, Abraham apareció en escena, con una gorra y sus gafas graduadas, y se quedó en un segunda plano, hasta que se desbocó y ya no hubo quien le parara.

No para de moverse, se desgañita cantando, hace girar el cable del micrófono, se marca unos bailecitos que a más de uno nos daría vergüenza… En el fondo, el vocalista de Fucked Up tiene algo de espíritu infantil viéndole disfrutar del escenario, porque no tiene barrera alguna y hace lo que le apetece: de hecho, a mitad del concierto se aplastó un vaso de plástico contra la frente y así cantó hasta el final. Eso es lo que pasa sobre el escenario, pero es que contagia al público, que ya había crecido en número y que cantaron con él cada una de las canciones (incluso las de su nuevo disco, Dose Your Dreams (Merge Records, 2019)), al tiempo que algunos se animaban a hacer pogos (incitados por Perro ;)).

Una lástima que este concierto fuera poco más de una hora: te quedas con la sensación de que te hubiera gustado vivir más esa conexión. Pero fríamente lo piensas y te preguntas ¿cómo es capaz de aguantar ese ritmo sobre el escenario Damian Abraham? Ains, algunos nos estamos haciendo mayores.

Galería del concierto de Fucked Up y Perro en Madrid

Fotos por Ignacio Sánchez-Suárez.

Más de veinte ciudades españolas confirmadas por el momento.

León Benavente siguen dando pasos de cara al lanzamiento de Vamos a volvernos locos el 13 de septiembre. Tras presentarnos hace un par de semanas “Como la piedra que flota”, el grupo anuncia una importantísima gira de presentación que los tendrá ocupados desde finales de septiembre hasta comienzos de marzo del año que viene. Gira en la que pasarán por las principales ciudades como Barcelona, Madrid, Valencia, Sevilla o Málaga, y otras más pequeñas como Ciudad Real, Jaén, Palencia o Cáceres. Además en las fechas anunciadas vemos dos citas en el extranjero: una en el festival mexicano Tecaté Coordenada y otra en Oporto.

Gira de León Benavante

Las entradas para la gira de León Benavante estarán disponibles a partir del mañana, 4 de junio a las 12:00h, a través de su web, pero todos aquellos que se registren con anterioridad podrán comprarlas a partir de las 10:00h. Opción es válida para todas las fechas excepto la del festival mexicano.

* 26 de septiembre: CIUDAD REAL (Sala Zahora Magestic)
* 27 de septiembre: ALBACETE (Auditorio Municipal)
* 12 de octubre: MURCIA (Auditorio Parque Fofó)
* 18-19 de octubre: GUADALAJARA (México) (Festival Tecaté Coordenada)
* 25 de octubre: SANTANDER (Escenario Santander)
* 26 de octubre: DONOSTIA (Intxaurrondo Kultur Etxea)
* 8 de noviembre: VALENCIA (Sala Moon)
* 9 de noviembre: CASTELLÓN (Auditori)
* 15 de noviembre: MADRID (Sala La Riviera)
* 21 de noviembre: BARCELONA (Sala Apolo)
* 6 de diciembre: GIJÓN (Teatro Albéniz)
* 12 de diciembre: SEVILLA (Sala Custom)
* 13 de diciembre: TOLEDO | Círculo de Arte
* 19 de diciembre: A CORUÑA (Teatro Colón)
* 20 de diciembre: OPORTO (Portugal) (Hard Club)
* 17 de enero de 2020: JAÉN (Sala Kharma)
* 18 de enero de 2020: MÁLAGA (Sala La Trinchera)
* 24 de enero de 2020: ALMERÍA (Auditorio Maestro Padilla)
* 25 de enero de 2020: CÓRDOBA (Sala M100)
* 31 de enero de 2020: CÁCERES (Gran Teatro)
* 1 de febrero de 2020: PALENCIA (Teatro Principal)
* 21 de febrero de 2020: PAMPLONA (Zentral)
* 22 de febrero de 2020: VITORIA (Jimmy Jazz)
* 28 de febrero de 2020: OVIEDO (Espacio Estilo)
* 6 de marzo de 2020: ALICANTE (Sala The One)

Foto de portada por Gustaff Choos.